Acheter une œuvre d’art est avant tout une expérience émotionnelle. Mais pour celles et ceux qui souhaitent investir dans l’art, une question essentielle se pose : comment évaluer la valeur réelle d’une œuvre originale ?

Le marché de l’art contemporain combine subjectivité, réputation et dynamique économique. Comprendre ses mécanismes permet d’allier passion et stratégie, tout en évitant les erreurs fréquentes. Voici les principaux critères pour analyser et évaluer la valeur d’une œuvre avant achat.

1. L’artiste : premier indicateur de valeur

La valeur d’une œuvre repose d’abord sur la trajectoire de son auteur.

Les éléments à analyser

• Parcours académique et artistique
• Expositions en galeries ou foires
• Présence dans des collections publiques ou privées
• Cohérence stylistique
• Visibilité médiatique

Les experts en art advisory insistent : la constance et la cohérence sont des indicateurs plus fiables que les effets de mode.

Découvrir les artistes contemporains :
Artistes contemporains

2. L’originalité et la singularité de l’œuvre

Une œuvre originale possède une valeur différente d’une reproduction. La singularité, la qualité d’exécution et la cohérence avec la démarche de l’artiste jouent un rôle clé.

Œuvre unique vs édition limitée

• Une œuvre unique est généralement plus recherchée.
• Une édition limitée peut avoir une valeur forte si le tirage est restreint et signé.
• La rareté influence directement la cote.

Les collectionneurs attachent une importance particulière à la singularité d’un travail.

Explorer des œuvres originales :
Peintures originales contemporaines

3. La cohérence du marché et la cote

Le marché de l’art fonctionne selon des dynamiques spécifiques. Pour investir dans l’art contemporain de manière raisonnée, il est important d’observer la cohérence du positionnement de l’artiste et l’évolution de ses prix.

Comment analyser la cote ?

• Historique des ventes (enchères, galeries)
• Évolution des prix dans le temps
• Positionnement par rapport à des artistes similaires
• Demande croissante ou stable

Les tendances de marché montrent que la progression régulière est souvent plus durable qu’une hausse spectaculaire ponctuelle.

4. Le contexte et la période de création

Certaines séries ou périodes d’un artiste peuvent être plus recherchées que d’autres. Identifier une œuvre dans la trajectoire globale de l’artiste permet de mieux comprendre son potentiel.

Pourquoi la période compte-t-elle ?

• Une série marquante peut devenir emblématique.
• Une phase de transition artistique peut être stratégique.
• Certaines techniques ou formats sont plus prisés.

Un regard attentif sur la production globale de l’artiste aide à repérer les œuvres structurantes, qui consolident une démarche sur le long terme.

5. L’émotion : critère sous-estimé mais essentiel

De nombreux experts le rappellent : un investissement réussi commence par une conviction personnelle. Une œuvre qui vous touche a plus de chances d’être gardée, valorisée et intégrée durablement à votre quotidien.

Pourquoi l’émotion est stratégique

• Une œuvre forte traverse les tendances.
• Elle conserve sa pertinence esthétique.
• Elle trouve naturellement sa place dans votre environnement.

Pour approfondir la dimension émotionnelle :
Art et bien-être : comment les œuvres influencent nos émotions

6. Diversifier pour sécuriser son investissement

Comme tout placement, l’investissement dans l’art contemporain gagne à être structuré. Diversifier permet de réduire le risque, tout en construisant une collection riche et cohérente.

Quelques conseils pratiques

• Mixer artistes émergents et confirmés
• Varier styles et techniques
• Échelonner les acquisitions dans le temps
• Se faire accompagner par un expert si besoin

Explorer les catégories :
Abstraction
Figuratif
Pop Art

Conclusion : investir avec méthode et sensibilité

Évaluer la valeur d’une œuvre originale ne repose jamais sur un seul critère. Il s’agit d’un équilibre entre analyse du marché, compréhension du parcours artistique et résonance personnelle. Investir dans l’art, c’est conjuguer expertise et intuition.

Pour découvrir des œuvres sélectionnées avec exigence :
Découvrir les nouveautés Artalistic

Choisir une œuvre aujourd’hui, c’est investir dans le talent, la création et le temps long.

À l’occasion de la Journée internationale des droits des femmes, il est essentiel de mettre en lumière l’évolution de la place des artistes femmes contemporaines sur la scène artistique. Longtemps sous-représentées dans certains circuits institutionnels et commerciaux, les femmes artistes gagnent en visibilité, en reconnaissance et en légitimité auprès des collectionneurs, galeries et plateformes spécialisées.

L’art au féminin n’est pas une catégorie stylistique : c’est une diversité de regards, de démarches et d’esthétiques qui contribuent à renouveler les codes de l’art contemporain. Aujourd’hui, une nouvelle génération d’artistes s’impose par sa liberté créative, son exigence et sa capacité à dialoguer avec le monde.

Un rééquilibrage progressif du marché de l’art

Plusieurs rapports et analyses publiés par des acteurs du marché de l’art (études de ventes, rapports annuels, enquêtes internationales) montrent une tendance claire : institutions, foires et galeries intègrent davantage d’artistes femmes dans leurs programmations et leurs sélections. Ce mouvement est à la fois culturel et économique.

Pourquoi ce rééquilibrage compte

• Il élargit le récit de l’histoire de l’art au-delà des figures traditionnellement mises en avant.
• Il offre une meilleure représentation de la création contemporaine actuelle.
• Il ouvre des opportunités de découverte et de collection autour d’artistes dont la trajectoire peut évoluer rapidement.

Pour les amateurs et collectionneurs, s’intéresser aux artistes femmes contemporaines est une démarche à la fois engagée et cohérente avec les dynamiques actuelles du marché.

Une nouvelle génération d’artistes engagées et audacieuses

Ce qui caractérise cette nouvelle scène artistique féminine, c’est une liberté de ton et de forme. Les œuvres explorent des thématiques variées : identité, mémoire, corps, héritage, paysages intérieurs, tension sociale, mais aussi joie, couleur et énergie.

Diversité des pratiques et des styles

Contrairement aux idées reçues, l’art au féminin ne correspond pas à une esthétique unique. Il embrasse toutes les écritures :

• abstraction contemporaine (matière, rythme, intuition),
• figuratif revisité (portraits, narration, émotion),
• approches conceptuelles,
• dialogues avec la culture visuelle et les codes contemporains.

Explorer les catégories d’œuvres sur Artalistic :
Peintures contemporaines

Art et identité : un regard différent sur le monde

De nombreuses historiennes et critiques d’art ont montré à quel point la reconnaissance des femmes artistes a été freinée par des structures longtemps dominées par des logiques de visibilité inégales. Aujourd’hui, le mouvement est engagé : les artistes femmes s’affirment avec force et construisent des univers singuliers.

Ce que l’on retrouve souvent dans leurs œuvres

• Une intensité émotionnelle et une attention à la nuance.
• Une recherche sur la matière, le geste et la présence.
• Une capacité à relier l’intime et l’universel.

Si vous recherchez des œuvres qui résonnent avec l’émotion et la narration, découvrez :
Peintures figuratives

Investir dans les artistes femmes contemporaines : engagement et vision

Les experts en art advisory rappellent qu’une collection se construit autant par conviction que par cohérence. S’intéresser aux artistes femmes contemporaines, c’est soutenir des trajectoires solides, souvent portées par une forte identité artistique et une reconnaissance en progression.

Pourquoi s’y intéresser maintenant

• Le regard des collectionneurs évolue vers des choix plus personnels et plus informés.
• La visibilité des artistes femmes augmente (expositions, publications, sélection en galeries).
• Le marché valorise de plus en plus les démarches singulières et cohérentes.

Découvrir les artistes sur Artalistic :
Artistes contemporains

L’art au féminin sur Artalistic

Artalistic met en avant des œuvres contemporaines qui reflètent la richesse de la création actuelle. Qu’il s’agisse d’abstraction ou de figuratif, chaque œuvre raconte une vision et une sensibilité, au-delà de toute étiquette.

Pour découvrir les dernières œuvres ajoutées (et repérer vos coups de cœur) :
Nouveaux arrivages

Conclusion : célébrer la création, au-delà des catégories

Mettre en lumière les femmes dans l’art contemporain ne relève pas seulement d’une démarche symbolique. C’est reconnaître une réalité artistique en mouvement, et affirmer que la création se nourrit de diversité, de points de vue et de libertés.

Les artistes femmes contemporaines façonnent l’avenir de l’art contemporain avec exigence, sensibilité et audace. À l’occasion de la Journée internationale des droits des femmes, prenez le temps de découvrir ces univers singuliers et de choisir une œuvre qui résonne avec vous.

Explorer les œuvres et commencer (ou enrichir) votre collection :
Découvrir les nouveautés Artalistic

Le marché de l’art contemporain évolue constamment. Après une période de réajustement du segment ultra haut de gamme, les experts observent une dynamique forte sur les artistes émergents, les œuvres à prix accessibles et les créations singulières à forte identité.

Selon plusieurs rapports spécialisés (Hiscox Online Art Trade Report, Artprice, Artsy Market Insight), les collectionneurs cherchent aujourd’hui un équilibre entre émotion, singularité et potentiel de valorisation. Alors, comment investir dans l’art contemporain en 2026 avec discernement ? Quelles œuvres privilégier pour allier passion et stratégie ?

1. Comprendre les nouvelles dynamiques du marché de l’art

Les données publiées par les plateformes internationales et la presse spécialisée mettent en avant plusieurs tendances structurantes :

• Les œuvres situées dans une gamme de prix accessible (souvent entre 1 000 € et 15 000 €) concentrent une part importante de l’activité.
• Les artistes émergents exposés dans des galeries, foires ou événements voient leur visibilité progresser rapidement.
• Les acheteurs privilégient de plus en plus une connexion émotionnelle forte plutôt qu’une spéculation pure.

Le marché devient plus sélectif, mais aussi plus accessible. Pour acheter un art prometteur, il faut désormais combiner analyse, cohérence et intuition.

2. Miser sur les artistes émergents à fort potentiel

Les spécialistes du marché s’accordent sur un point : les artistes en début ou milieu de carrière représentent souvent le meilleur levier de valorisation à moyen terme. Le cœur de la stratégie consiste à repérer des signatures cohérentes avant que leur cote ne s’envole.

Quels indicateurs observer ?

• Présence en galeries, foires ou expositions collectives
• Identité artistique forte et reconnaissable
• Cohérence stylistique sur plusieurs séries
• Prix encore accessibles par rapport au niveau de qualité
• Production régulière et maîtrisée

Sur Artalistic, nous sélectionnons des artistes contemporains présentant ces critères de solidité et d’évolution.

Découvrir les artistes :
Artistes contemporains

3. Les styles à surveiller en 2026

Les tendances observées dans la presse spécialisée et les ventes en ligne montrent une forte demande pour certains styles. Ils combinent désir décoratif, identité visuelle forte et potentiel de valorisation.

L’art abstrait contemporain

Toujours très recherché, l’abstraction permet une projection émotionnelle forte tout en s’intégrant facilement dans les intérieurs modernes. C’est un style pertinent pour une collection cohérente, durable et élégante.

Peintures abstraites

Le Pop Art et l’influence culturelle

Le Pop Art et les œuvres inspirées de la culture contemporaine séduisent une nouvelle génération de collectionneurs. Leur impact visuel fort et leur lecture immédiate en font des pièces très appréciées, tant en décoration qu’en collection.

Peintures Pop Art

Le figuratif revisité

Les portraits modernes et les scènes contemporaines à forte intensité émotionnelle continuent de performer. Le figuratif crée un lien direct avec le spectateur, ce qui favorise l’adhésion et la désirabilité des œuvres.

Peintures figuratives

4. Émotion et stratégie : le double critère d’un bon investissement

Les experts en art advisory rappellent une règle essentielle : une œuvre qui ne vous touche pas est rarement un bon investissement sur le long terme. Le marché évolue, les goûts aussi, mais les œuvres fortes conservent leur pouvoir de résonance.

Pourquoi l’émotion compte autant que la rentabilité

• Une œuvre forte traverse les tendances et conserve sa pertinence esthétique.
• Elle s’intègre durablement dans votre environnement, ce qui renforce votre attachement.
• Elle porte une identité artistique, élément clé de la valorisation.

Pour approfondir la dimension émotionnelle :
Art et bien-être : comment les œuvres influencent nos émotions

5. Diversifier intelligemment sa collection en 2026

Comme tout placement, l’art demande diversification et cohérence. L’objectif est de bâtir une collection structurée, à la fois personnelle et stratégique.

Construire une collection équilibrée

• Associer abstraction et figuratif
• Varier formats et techniques
• Mixer artistes établis et émergents
• Échelonner ses achats dans le temps

Explorer les catégories pour affiner votre stratégie :
Œuvres contemporaines

6. L’importance de l’accompagnement et du conseil

Le marché de l’art est complexe. Être conseillé permet d’éviter les erreurs, de comprendre les tendances, et d’identifier des opportunités pertinentes. Chez Artalistic, nous combinons sélection artistique exigeante et accompagnement personnalisé pour vous guider dans vos choix.

Investir ne signifie pas acheter au hasard. Cela implique compréhension, cohérence et projection à long terme.

Conclusion : 2026, l’année de l’investissement raisonné

En 2026, investir dans l’art contemporain ne consiste plus à spéculer sur des records de ventes spectaculaires. Il s’agit d’identifier des œuvres sincères, puissantes et prometteuses, portées par des artistes cohérents et engagés. Les opportunités se situent aujourd’hui dans les segments accessibles, auprès d’artistes émergents à forte identité.

Pour découvrir des œuvres sélectionnées avec exigence et potentiel :
Découvrir les nouveautés Artalistic

Choisir une œuvre aujourd’hui, c’est investir dans l’émotion, le talent et l’avenir.

Il suffit parfois de quelques secondes devant une œuvre d’art pour ressentir un choc émotionnel, une connexion intime, presque inexplicable. Certaines œuvres nous attirent, nous apaisent ou nous bouleversent immédiatement, tandis que d’autres nous laissent indifférents. Pourquoi cette réaction instinctive ? Les recherches en neurosciences et en psychologie de l’art permettent aujourd’hui de mieux comprendre ce lien profond entre art et émotions.

L’émotion avant la raison : comment notre cerveau perçoit l’art

Contrairement à ce que l’on pourrait penser, notre réaction face à une œuvre d’art n’est pas d’abord intellectuelle. De nombreux travaux en neurosciences indiquent que l’émotion précède l’analyse rationnelle : notre cerveau “ressent” avant d’expliquer.

Le rôle du cerveau émotionnel

Lorsque nous regardons une œuvre :

• le système limbique (siège des émotions) s’active très rapidement,
• l’amygdale traite les stimuli visuels de façon quasi immédiate,
• le cortex préfrontal intervient ensuite pour interpréter et rationaliser.

C’est pourquoi une œuvre peut nous toucher sans que nous sachions immédiatement “pourquoi”. Ce mécanisme explique aussi une partie de l’attrait pour l’art contemporain, qui joue souvent sur la sensation, l’intuition et la perception plutôt que sur un récit figé.

Couleurs, formes et matières : un langage universel

Les couleurs et les formes agissent directement sur notre cerveau. Des études en neurosciences visuelles montrent notamment que :

• les couleurs chaudes peuvent stimuler l’énergie et l’émotion,
• les teintes froides favorisent l’apaisement,
• les formes courbes sont souvent perçues comme plus rassurantes,
• les contrastes et lignes anguleuses augmentent l’attention et la tension visuelle.

Pourquoi l’art abstrait nous touche autant

L’art abstrait contemporain libère l’imagination du spectateur. En l’absence de sujet imposé, notre cerveau projette ses propres émotions, souvenirs et ressentis. C’est aussi ce qui explique pourquoi deux personnes peuvent vivre des expériences très différentes face à une même œuvre.

Découvrir des œuvres où l’émotion prime :
Peintures abstraites contemporaines

La mémoire émotionnelle et l’histoire personnelle

Nos réactions face à l’art sont aussi liées à notre vécu. Une œuvre peut raviver un souvenir d’enfance, une émotion passée, une sensation familière. Les spécialistes en psychologie de l’art parlent de “mémoire émotionnelle” : une couleur, un geste pictural ou une ambiance peut résonner avec une expérience intime, parfois inconsciente.

L’art figuratif et l’identification émotionnelle

Les œuvres figuratives, les portraits ou les scènes de vie facilitent l’identification. Le regard d’un personnage, une posture ou une expression peut créer un lien immédiat avec le spectateur et déclencher une empathie spontanée.

Explorer des œuvres figuratives fortes en émotion :
Peintures figuratives contemporaines

Pourquoi nous cherchons aujourd’hui des œuvres “qui font du bien”

Dans un monde saturé d’images numériques, l’art devient un refuge émotionnel. Les experts en art advisory et en tendances de collection observent un intérêt croissant pour des œuvres qui procurent bien-être, énergie ou réconfort. Beaucoup d’amateurs recherchent :

• des œuvres émotionnelles,
• une connexion personnelle plutôt qu’un simple objet décoratif,
• une expérience sensible durable.

Ce phénomène rejoint la place croissante des thématiques art et bien-être dans la création contemporaine.

Pour approfondir ce sujet :
Art et bien-être : comment les œuvres influencent nos émotions

Choisir une œuvre qui vous touche : un acte intuitif et éclairé

Acheter une œuvre d’art contemporain ne devrait jamais être un simple choix esthétique ou une décision précipitée. Les conseillers en art recommandent de :

• faire confiance à votre première réaction émotionnelle,
• prendre le temps d’observer l’œuvre (à distance, puis en détail),
• vous demander ce qu’elle provoque en vous : apaisement, énergie, joie, profondeur, questionnement.

Trouver l’équilibre entre émotion et cohérence

Une œuvre qui vous touche profondément est souvent celle qui trouvera naturellement sa place dans votre intérieur et dans votre quotidien. Elle devient un compagnon visuel, une source d’inspiration ou un repère émotionnel.

Découvrir des œuvres contemporaines :
Œuvres contemporaines Artalistic

Conclusion : quand l’art parle directement à notre cerveau émotionnel

Si certaines œuvres nous touchent instantanément, c’est parce qu’elles dialoguent directement avec notre cerveau émotionnel, notre mémoire et notre sensibilité. Les neurosciences confirment aujourd’hui ce que les artistes savent depuis toujours : l’art est un langage universel, capable de provoquer des émotions profondes et durables.

Pour trouver une œuvre qui résonne avec votre sensibilité, explorez les nouveautés et laissez parler votre intuition :
Découvrir les nouveautés Artalistic

Les études menées par des universités et instituts spécialisés montrent qu’un environnement visuellement stimulant augmente la capacité à trouver des idées nouvelles, à résoudre des problèmes et à innover. L’art participe à nourrir cette dynamique.

Pourquoi l’art favorise-t-il la créativité ?

- L’art engage les émotions, et les émotions renforcent la pensée créative.
- Les couleurs, formes et compositions stimulent la pensée divergente.
- Les œuvres abstraites ou graphiques invitent à sortir du cadre et à imaginer d’autres solutions.

Choisir des œuvres contemporaines permet de créer une atmosphère visuelle qui encourage la prise de recul, l’intuition et l’inspiration.

Découvrez des styles particulièrement stimulants :
Peintures abstraites
Peintures Pop Art

2. L’art améliore la productivité et la concentration

Un espace de travail agréable, pensé et esthétiquement cohérent contribue à la performance. Plusieurs études sur les environnements de travail montrent que la présence d’œuvres d’art peut améliorer la productivité et réduire le stress.

Comment l’art influence la performance au travail ?

- Il réduit la monotonie visuelle et la fatigue liée aux écrans.
- Il crée des points d’ancrage apaisants et structurants dans l’espace.
- Il renforce l’engagement en offrant un environnement plus valorisant.

Les entreprises qui intègrent des œuvres dans leurs bureaux constatent souvent une amélioration du climat général, une diminution des tensions et un sentiment d’appartenance plus fort chez leurs collaborateurs.

Pour explorer des œuvres adaptées à un environnement professionnel :
Peintures contemporaines

3. L’art renforce l’image de marque et l’accueil des clients

L’art au bureau ne profite pas uniquement aux équipes en interne. Il joue aussi un rôle clé dans la perception de votre entreprise par vos clients et partenaires. Un espace décoré avec goût transmet immédiatement un message de sérieux, de raffinement et de professionnalisme.

Un outil stratégique pour votre image

- Dans un cabinet d’avocats ou de notaires, l’art traduit stabilité et prestige.
- Dans une agence immobilière haut de gamme, il évoque exigence et sens du détail.
- Dans un cabinet médical ou paramédical, il contribue à apaiser les patients.
- Dans une entreprise créative, il reflète l’audace et l’innovation.

Une œuvre d’art soigneusement choisie devient un élément fort de votre communication visuelle.

Découvrez une sélection idéale pour les espaces professionnels :
Sculptures contemporaines

4. Le leasing d’œuvre d’art : la solution idéale pour les entreprises

Le leasing d’œuvre d’art (location avec option d’achat) permet aux entreprises, professions libérales et entrepreneurs d’intégrer des œuvres originales dans leurs espaces professionnels sans immobiliser de trésorerie importante.

Les avantages du leasing pour les professionnels

- Paiements échelonnés facilitant la gestion de trésorerie.
- Possibilité de renouveler les œuvres pour rafraîchir les bureaux.
- Option d’achat disponible à la fin du contrat.
- Mise en valeur de l’image de marque sans investissement initial lourd.

Dans certains cas, les loyers peuvent être comptabilisés en charges. Il est toutefois recommandé de consulter un expert-comptable pour en valider les modalités.

Pour en savoir plus sur le leasing d’art, consultez notre article dédié :
Leasing d’œuvre d’art pour les entreprises

5. Comment choisir les œuvres idéales pour un bureau ?

Intégrer l’art dans un bureau nécessite un choix réfléchi en fonction de l’usage de chaque espace, de l’identité de l’entreprise et de l’ambiance souhaitée.

Définir l’objectif du lieu

- Salle de réunion : œuvres stimulantes mais sereines.
- Accueil : œuvres identitaires et rassurantes.
- Open space : œuvres inspirantes favorisant la concentration.

Créer une harmonie visuelle

Les couleurs, matériaux et textures doivent dialoguer avec l’architecture intérieure. Par exemple, les cabinets médicaux privilégient des œuvres apaisantes, tandis que les agences créatives optent pour des œuvres colorées et affirmées.

Pour trouver des œuvres adaptées à vos bureaux :
Nouveaux arrivages Artalistic

Conclusion : l’art au bureau, un investissement humain et stratégique

Accrocher de l’art dans son bureau, ce n’est pas seulement décorer. C’est enrichir l’environnement de travail, renforcer la créativité, améliorer la productivité des équipes et valoriser l’image de marque de l’entreprise.

Grâce au leasing d’œuvre d’art, entrepreneurs et professions libérales peuvent intégrer l’art contemporain dans leur quotidien professionnel en toute flexibilité.

Pour découvrir des œuvres prêtes à transformer votre espace de travail :
Acheter ou louer une œuvre contemporaine

L’une des premières erreurs est de faire confiance à n’importe quel site sans vérifier sa crédibilité. Pour acheter une œuvre d’art en ligne en toute sécurité, il est essentiel de choisir une plateforme :

• clairement identifiée (mentions légales, coordonnées, service client),
• spécialisée dans l’art contemporain,
• qui sélectionne les artistes et les œuvres avec rigueur,
• qui propose un processus d’achat transparent.

Artalistic est une plateforme dédiée à l’art contemporain, qui opère une sélection exigeante d’artistes et d’œuvres, pour garantir une expérience d’achat fiable.

Pour approfondir, consultez notre guide :
Investir dans l’art : guide du collectionneur débutant

2. Acheter sans vérifier l’authenticité de l’œuvre

L’authenticité est un point central lorsqu’on réalise un achat d’art contemporain en ligne. Une erreur fréquente consiste à se fier uniquement à l’image, sans vérifier les documents et garanties associés.

Avant l’achat, assurez-vous que :

• l’œuvre est accompagnée d’un certificat d’authenticité,
• la signature de l’artiste (ou ses mentions) est précisée,
• la technique, les matériaux et le support sont clairement décrits,
• les photos permettent d’apprécier les détails de l’œuvre.

Sur Artalistic, chaque œuvre mise en ligne fait l’objet d’une vérification, et l’authenticité est garantie.

3. Négliger les dimensions et le rendu réel

Une autre erreur fréquente est de ne pas prêter suffisamment attention aux dimensions de l’œuvre. En photo, un tableau peut paraître plus grand ou plus petit qu’il ne l’est en réalité.

Avant de acheter une œuvre d’art en ligne, vérifiez :

• les dimensions exactes (largeur, hauteur, profondeur),
• l’éventuel encadrement,
• le type de support (toile, papier, bois, métal…),
• le rendu des couleurs (en gardant à l’esprit que l’écran peut légèrement les modifier).

Pour découvrir des œuvres avec des fiches détaillées, consultez :
Peintures contemporaines
Sculptures

4. Acheter sans connaître l’artiste ou sa démarche

Acheter uniquement « au feeling » visuel, sans s’intéresser à l’artiste, peut limiter la compréhension et la valeur de votre acquisition. Une œuvre prend une autre dimension lorsqu’on connaît :

• le parcours de l’artiste,
• ses expositions,
• son univers et ses influences,
• la cohérence de sa démarche artistique.

Prendre le temps de découvrir l’artiste est aussi un premier pas vers un investissement dans l’art contemporain plus réfléchi.

Pour découvrir des artistes sélectionnés par Artalistic :
Artistes contemporains

5. Ne pas vérifier les conditions d’expédition et de retour

Le transport des œuvres d’art demande des précautions spécifiques. Ne pas vérifier les modalités de livraison et de retour peut être source de stress ou de mauvaises surprises.

Avant de valider votre panier, assurez-vous que :

• l’œuvre est expédiée avec un emballage adapté,
• le transport est assuré,
• les délais sont clairement indiqués,
• les conditions de retour sont précisées (délai, prise en charge, modalités).

Les plateformes spécialisées comme Artalistic travaillent avec des transporteurs habitués à manipuler des œuvres d’art, afin d’assurer une livraison en toute sécurité.

6. Payer sans garantie ni traçabilité

Effectuer un paiement sans trace (virement à un particulier inconnu, absence de facture, absence de récapitulatif de commande) est une erreur à éviter absolument lorsque l’on souhaite acheter une œuvre d’art en ligne.

Une plateforme fiable doit proposer :

• un paiement sécurisé (carte, virement via prestataire sécurisé),
• une facture ou un justificatif d’achat,
• un numéro de commande et un suivi.

C’est une protection indispensable, que ce soit pour une première acquisition ou un achat d’art contemporain plus ambitieux.

7. Oublier de comparer les styles, les prix et les formats

Le marché de l’art en ligne offre justement la possibilité de comparer facilement les œuvres, les styles et les niveaux de prix. Se précipiter sur une seule œuvre sans explorer d’autres options peut conduire à un choix moins adapté à vos goûts ou à votre budget.

Pour affiner votre regard, prenez le temps de parcourir différentes catégories :

Peintures abstraites
Peintures figuratives
Peintures Pop Art
Peintures Street Art

Conclusion : acheter une œuvre d’art en ligne peut être une expérience sereine et enrichissante

Acheter une œuvre d’art en ligne est aujourd’hui une expérience sûre et confortable, à condition d’éviter quelques erreurs classiques : négliger la fiabilité de la plateforme, l’authenticité, les dimensions, la connaissance de l’artiste ou les conditions de transport et de paiement.

En vous informant et en privilégiant des plateformes spécialisées comme Artalistic, vous pouvez réaliser un achat d’art contemporain en toute confiance, tout en soutenant des artistes sélectionnés pour la qualité de leur travail.

Pour découvrir des œuvres fraîchement ajoutées et commencer ou enrichir votre collection :
Nouveaux arrivages Artalistic

La couleur est l’un des éléments les plus révélateurs de votre sensibilité artistique. Chaque teinte véhicule une ambiance, une intensité émotionnelle et un message. Les décorateurs d’intérieur soulignent que la palette choisie est un indice précieux de votre manière de ressentir et d’exister dans votre espace.

Les couleurs vives : audace, vitalité et expression personnelle

Rouge, jaune, rose ou bleu électrique : ces couleurs évoquent une personnalité passionnée, créative et tournée vers l’action. Elles dynamisent un intérieur et attirent le regard, créant une énergie forte.

Les couleurs douces : harmonie, introspection et équilibre

Beiges, gris, pastels, bleu doux : ces tonalités traduisent une recherche de calme, de stabilité et d’harmonie. Elles conviennent aux personnes aspirant à un environnement apaisant et équilibré.

Pour approfondir le lien entre art et émotions, consultez notre article : Art et bien-être : comment les œuvres influencent nos émotions ?

2. La matière et la texture : une connexion sensorielle profonde

La texture d’une œuvre – relief, épaisseur de peinture, matière sculptée – révèle souvent un besoin de connexion tactile et sensorielle. Elle participe à l’expérience émotionnelle de l’art.

Matières riches et contrastées : intensité émotionnelle

Les œuvres fortement texturées séduisent les personnalités expressives, sensibles aux contrastes et à l’impact visuel fort. Elles dynamisent les intérieurs contemporains ou industriels.

Matières lisses et épurées : quête de minimalisme et de clarté

Les surfaces lisses, monochromes ou délicatement travaillées attirent les personnes recherchant la simplicité, la pureté et la clarté visuelle.

Découvrir des œuvres jouant sur la matière :
Peintures contemporaines
Sculptures

3. Le style artistique : une projection de votre identité

Le style que vous choisissez – abstrait, figuratif, minimaliste, Pop Art, Street Art – reflète votre vision du monde et votre manière d’exprimer votre sensibilité.

Abstraction : liberté, imagination et introspection

Les amateurs d’abstraction apprécient les œuvres ouvertes à l’interprétation, qui privilégient la sensation et la spontanéité. Peintures abstraites

Figuratif : sens du récit, humanité et émotion

Les portraits, paysages et scènes de vie révèlent un attachement à l’histoire, à l’humain et à la narration visuelle. Peintures figuratives

Pop Art : humour, culture et affirmation visuelle

Idéal pour les personnalités audacieuses et expressives, le Pop Art apporte dynamisme et modernité. Peintures Pop Art

Street Art : énergie contemporaine et engagement

Pour les esprits libres, connectés aux mouvements sociaux et urbains. Street Art

4. Ce que votre goût artistique dit de votre rapport à votre intérieur

L’art est un prolongement de soi dans son espace de vie. Il révèle la manière dont vous souhaitez habiter, ressentir et organiser votre environnement.

Faire de son intérieur un espace identitaire

Selon les experts en décoration d’intérieur, une œuvre choisie avec intention devient un point d’ancrage émotionnel. Elle agit sur le bien-être, l’humeur et l’énergie du lieu.

Oser affirmer son style

L’art est le moyen le plus direct d’exprimer sa personnalité dans un intérieur. Une œuvre choisie pour ce qu’elle dit de vous devient un acte d’affirmation.

Pour trouver une œuvre qui vous ressemble :
Nouveautés Artalistic

Conclusion

Votre goût artistique est un reflet authentique de votre personnalité. La couleur, la matière et l’émotion que vous recherchez dans une œuvre d’art expriment votre manière de ressentir et d’habiter votre espace. Choisir une œuvre contemporaine, c’est affirmer votre identité tout en donnant à votre intérieur une dimension unique et sensible.

Pour découvrir des œuvres qui éveillent vos émotions :
Acheter une œuvre contemporaine

Le Pop Art apparaît dans un contexte de croissance économique, de publicité omniprésente et d’industrialisation des images. Les artistes puisent dans les objets du quotidien, les médias, les icônes populaires et les bandes dessinées pour créer des œuvres accessibles, ironiques et visuellement percutantes.

Andy Warhol, Roy Lichtenstein et l’avènement d’une culture visuelle globale

Warhol, avec ses sérigraphies de célébrités et de produits industriels, et Lichtenstein, avec ses toiles inspirées de comics, ont imposé une esthétique qui influence encore la création actuelle. Ils ont aboli les frontières entre culture populaire et culture savante, ouvrant la voie à un art démocratisé et reproductible.

Le Pop Art a ainsi bouleversé le statut de l’œuvre d’art, introduisant une nouvelle modernité fondée sur la consommation et les médias.

2. Pourquoi le Pop Art séduit toujours autant en 2026 ?

Selon plusieurs rapports du marché de l’art (Hiscox Online Art Trade Report, Art Basel & UBS Art Market Report), le Pop Art reste l’une des catégories les plus attractives pour les collectionneurs et investisseurs.

Une esthétique puissante et intemporelle

Couleurs vives, dynamisme, images emblématiques : le Pop Art s’adapte parfaitement aux intérieurs modernes. Son impact visuel en fait un choix privilégié pour créer un décor fort et expressif.

Un mouvement en résonance avec notre époque

Le Pop Art avait anticipé notre rapport actuel aux marques, aux écrans, à la célébrité et à la saturation des images. Il semble donc plus contemporain que jamais, ce qui explique sa popularité persistante.

Un segment solide pour l’investissement

Le marché du Pop Art est stable et recherché. Investir dans un tableau Pop Art permet d’acquérir une œuvre avec un fort potentiel décoratif mais aussi une valeur durable.

3. L’influence du Pop Art sur les artistes contemporains

De nombreux artistes actuels s’inspirent du Pop Art, que ce soit par l’usage de couleurs intenses, de symboles culturels ou de techniques héritées de la sérigraphie et du collage.

Une liberté créative héritée d’un mouvement provocateur

Comme leurs prédécesseurs, les artistes contemporains réinterprètent les codes de la culture visuelle : consommation, publicité, icônes populaires, influences numériques. Le Pop Art reste un langage artistique actuel et vivant.

Découvrir les artistes sur Artalistic : Artistes contemporains

4. Comment investir dans une œuvre Pop Art ?

Le Pop Art est idéal pour les acheteurs recherchant une œuvre forte, expressive et facilement intégrable dans un intérieur moderne.

Critères pour choisir une œuvre Pop Art

• Originalité et composition
• Technique (acrylique, sérigraphie, collage)
• Singularité du style
• Réputation et parcours de l’artiste
• Tirage limité pour les éditions

Voir la collection Pop Art : Peintures Pop Art

5. Pourquoi acheter du Pop Art sur Artalistic ?

Artalistic présente une sélection rigoureuse d’œuvres Pop Art réalisées par des artistes contemporains émergents et confirmés. Chaque œuvre est vérifiée, authentifiée et expédiée en toute sécurité.

Une collection variée et accessible

Des œuvres colorées, graphiques, dynamiques : idéales pour décorer un espace ou commencer une collection. Le Pop Art disponible sur Artalistic est sélectionné pour son impact visuel et son potentiel d’investissement.

Découvrir également : Nouveaux arrivages
Toutes nos peintures contemporaines

Conclusion

Le Pop Art demeure un mouvement incontournable, aussi pertinent aujourd’hui qu’à ses débuts. Son influence sur les artistes contemporains, sa puissance visuelle et son écho avec notre société en font un segment recherché pour la décoration et l’investissement dans l’art contemporain.

Pour intégrer une œuvre Pop Art dans votre collection, découvrez notre sélection spécialisée :

Acheter une œuvre Pop Art sur Artalistic

Avant toute chose, il est essentiel de clarifier vos intentions :

• Envie de sublimer votre intérieur ?
• Volonté de soutenir un ou plusieurs artistes émergents ?
• Objectif d’investir dans un tableau avec un potentiel de valorisation ?

Un budget réaliste et flexible

Commencer une collection ne nécessite pas un budget démesuré. De nombreuses œuvres d’art contemporaines sont accessibles, notamment dans les catégories :

• Peintures contemporaines
• Sculptures
• Éditions limitées

Fixez un budget global ou par œuvre, mais laissez-vous aussi une marge de manœuvre pour un véritable coup de cœur.

2. Se former et affiner son œil

La connaissance est un atout précieux pour qui souhaite collectionner. Visiter des expositions, suivre des galeries, lire des articles spécialisés et explorer des plateformes comme Artalistic permet de mieux comprendre les tendances et les courants actuels.

Comprendre les tendances du marché

Les rapports et analyses du marché de l’art montrent une montée en puissance des artistes émergents et des œuvres à prix raisonnables. Les nouveaux collectionneurs privilégient une approche plus raisonnée et long terme.

Pour aller plus loin, lisez notre article :
« Investir dans l’art : guide du collectionneur débutant ».

Ce travail de recherche vous aide à affiner votre goût, à repérer des univers qui vous parlent et à identifier des artistes au potentiel prometteur.

3. Miser sur les artistes émergents

Les artistes émergents offrent un terrain particulièrement intéressant pour débuter une collection : œuvres originales, prix encore accessibles, grandes perspectives d’évolution.

Pourquoi soutenir les artistes émergents ?

• Vous participez directement au développement de leur carrière.
• Vous accédez à des œuvres uniques, souvent plus audacieuses et personnelles.
• Vous créez une collection vivante, en lien avec la scène contemporaine actuelle.

Sur Artalistic, chaque artiste est sélectionné pour la qualité de son travail et la cohérence de son univers.

4. Acheter en ligne : une solution fiable pour l’achat d’art contemporain

L’achat d’art contemporain en ligne s’est largement démocratisé. Les plateformes spécialisées comme Artalistic offrent un environnement sécurisant pour les collectionneurs débutants comme confirmés :

• Œuvres sélectionnées par des experts.
• Informations détaillées : biographie de l’artiste, technique, dimensions, certificat d’authenticité.
• Paiement sécurisé et livraison suivie.

Un point de départ idéal

Si vous ne savez pas par où commencer, explorez les nouveautés : elles vous permettent de découvrir des œuvres récentes, des artistes en pleine création et des styles variés.

5. Créer une collection cohérente et personnelle

Une collection réussie n’est pas forcément la plus grande ni la plus chère : c’est celle qui vous ressemble. L’objectif est de construire un ensemble cohérent, fidèle à votre sensibilité.

Définir une ligne directrice

Vous pouvez structurer votre collection autour de :

• Un courant artistique (abstraction, figuratif, street art, Pop Art, etc.).
• Un médium (peinture, sculpture, photographie, édition limitée).
• Une palette de couleurs ou une ambiance (minimaliste, colorée, graphique…).
• Un thème (corps, nature, ville, mémoire, temps…).

L’important est de rester cohérent, tout en laissant la place à l’évolution de vos goûts et à vos découvertes.

Conclusion

Débuter une collection d’art contemporain, c’est entreprendre un voyage esthétique et personnel. En définissant vos motivations, en vous informant, en soutenant des artistes émergents et en passant par des plateformes fiables, vous pouvez allier plaisir, engagement culturel et, à terme, investissement dans un tableau à fort sens.

Commencer modestement, écouter ses émotions et s’entourer d’experts sont les clés d’une collection réussie.

Explorez dès maintenant les nouveautés Artalistic et trouvez la première œuvre d’art contemporain qui marquera le début de votre collection.

En 2025, le marché de l’art contemporain montre un visage plus contrasté : moins de ventes spectaculaires, mais une vraie solidité dans les segments “raisonnables”. Les œuvres très spéculatives marquent le pas, tandis que les pièces de qualité à des prix mesurés gagnent en attractivité.

Moins de spéculation, plus de sélectivité

Les collectionneurs et acheteurs se montrent plus prudents, mieux informés et plus exigeants. On observe :

• Un ralentissement des ventes sur certaines œuvres surcotées.
• Un intérêt accru pour les artistes contemporains installés ou émergents, avec des prix encore accessibles.
• Un recentrage sur la qualité, la cohérence des parcours et la pertinence artistique.

Pour les acheteurs, cela signifie qu’il est possible de investir dans un tableau de manière plus sereine, avec une approche long terme plutôt que purement spéculative.

Pour approfondir les bases, consultez notre article « Investir dans l’art : guide du collectionneur débutant ».

2. L’essor de l’achat d’art contemporain en ligne

La digitalisation du marché de l’art se confirme : de plus en plus d’acheteurs découvrent, sélectionnent et finalisent leur achat d’art contemporain en ligne. Les plateformes spécialisées jouent un rôle clé en rendant l’art plus accessible, plus lisible et plus transparent.

Pourquoi les acheteurs passent par des plateformes comme Artalistic

Les avantages sont nombreux :

• Accès à une sélection d’œuvres contemporaines triées par style, médium, budget et format.
• Informations claires : biographie des artistes, dimensions, techniques, certificat d’authenticité.
• Processus d’achat simplifié, sécurisé, avec un accompagnement possible.

Découvrez nos principales catégories :

• Peintures contemporaines
• Sculptures
• Éditions limitées

3. Les grandes tendances du marché de l’art en 2025

Plusieurs tendances se dégagent en 2025 et structurent déjà le marché :

Montée de l’art « mid-range »

Les œuvres dans une tranche de prix intermédiaire séduisent de plus en plus les collectionneurs. Elles offrent un excellent compromis entre qualité artistique et budget maîtrisé, avec un potentiel de revalorisation intéressant.

Préférence pour l’authenticité et les trajectoires solides

Les acheteurs privilégient désormais les artistes avec un univers singulier, une identité forte et un parcours construit (expositions, collaborations, visibilité). L’envie de soutenir des artistes cohérents et engagés prend le pas sur la recherche de « coup boursier ».

Rôle clé des galeries et plateformes en ligne

Les galeries physiques et les plateformes digitales spécialisées comme Artalistic deviennent des alliés indispensables pour sélectionner des artistes et des œuvres de qualité, avec un véritable travail de curation.

Pour découvrir les artistes et leurs univers, consultez la page Artistes contemporains sur Artalistic.

4. Tendances 2026 : où se situent les opportunités d’investissement ?

À l’horizon 2026, plusieurs axes semblent prometteurs pour ceux qui souhaitent investir dans un tableau ou constituer une collection :

1) Artistes émergents et scènes locales

Les artistes émergents ou en début de reconnaissance, avec une signature visuelle forte, restent au cœur des opportunités. Ils permettent un achat d’art contemporain à des prix encore accessibles, avec un potentiel de progression.

2) Œuvres originales vs reproductions

Les œuvres originales et les séries en édition limitée continuent d’attirer les collectionneurs. Elles offrent une valeur artistique et patrimoniale supérieure aux reproductions, tout en restant abordables sur certains segments.

3) Styles porteurs

Certaines esthétiques restent très recherchées : abstraction lyrique ou géométrique, street art, Pop Art, figuratif contemporain expressif… Autant de styles que l’on retrouve largement sur Artalistic.

5. Comment bien investir dans l’art contemporain ?

Pour investir de manière réfléchie, quelques principes simples peuvent guider vos choix :

Allier émotion et raison

Un bon investissement reste avant tout un coup de cœur. Choisissez une œuvre qui vous parle vraiment, que vous aurez plaisir à vivre au quotidien. Ensuite, vérifiez :

• La cohérence du parcours de l’artiste.
• La qualité de la technique et des matériaux.
• Le positionnement du prix par rapport au marché.

Privilégier les plateformes de confiance

Passer par une plateforme spécialisée comme Artalistic permet de sécuriser votre achat d’art contemporain : œuvres sélectionnées, authenticité garantie, paiement sécurisé, accompagnement possible.

Pour commencer à investir, explorez nos nouveautés et découvrez une sélection d’œuvres contemporaines récemment ajoutées.

Conclusion

Le bilan 2025 montre un marché de l’art contemporain plus mature, moins spéculatif, mais riche en opportunités pour les amateurs sérieux. L’essor de l’achat d’art contemporain en ligne, la montée de l’art accessible et le rôle renforcé des plateformes spécialisées créent un terrain favorable pour ceux qui souhaitent constituer une collection sur le long terme.

En 2026, investir dans un tableau ou une œuvre contemporaine, c’est conjuguer plaisir esthétique, soutien aux artistes et potentiel patrimonial. L’important : choisir avec discernement, se faire accompagner, et garder l’émotion au cœur de chaque décision.

Parcourez dès maintenant les nouveautés sur Artalistic pour trouver l’œuvre d’art contemporain qui fera évoluer votre intérieur… et votre collection.

Les neurosciences confirment que contempler une œuvre d’art active les zones du cerveau liées au plaisir et à l’émotion. Face à une toile, le spectateur ressent un bien-être immédiat, comparable à celui procuré par la musique ou la nature.

Quand l’art devient une thérapie visuelle

Les couleurs apaisent ou dynamisent, les formes rassurent ou stimulent, les textures déclenchent une réponse sensorielle. Une peinture abstraite aux tons doux calme l’esprit, tandis qu’une œuvre colorée nourrit la joie et la créativité.

Explorez les nouveautés sur Artalistic pour découvrir des œuvres qui font du bien.

2. L’art au service du bien-être chez soi

Intégrer des œuvres d’art à son intérieur, c’est créer une atmosphère équilibrée et vivante. L’art transcende la décoration : il devient un vecteur d’émotions positives au quotidien.

• Dans le salon, il favorise la convivialité.
• Dans la chambre, il apaise et invite au repos.
• Dans un bureau, il stimule concentration et créativité.

L’équilibre entre énergie et sérénité

Les teintes bleues/vertes apaisent ; les tons jaunes/orangés diffusent optimisme ; les compositions abstraites favorisent la contemplation et le lâcher-prise.

Découvrez nos œuvres colorées et abstraites pour transformer votre espace en refuge apaisant.

3. L’art au bureau : créativité et motivation

De plus en plus d’entreprises intègrent l’art à leurs espaces. Un environnement visuel stimulant augmente la productivité, réduit le stress et renforce la cohésion d’équipe.

Un environnement artistique pour penser différemment

En exposant des tableaux contemporains dans un open space ou une salle de réunion, on crée une ambiance inspirante et valorisante. L’art traduit aussi les valeurs et la vision d’une entreprise.

Trouvez une œuvre d’art qui inspire parmi les nouveautés Artalistic et dynamisez votre espace professionnel.

4. L’art, un miroir de nos émotions

Chaque œuvre agit comme un écho intérieur. Abstractions, visages stylisés, paysages revisités : chacun y projette son ressenti. Acheter une œuvre d’art, c’est souvent choisir une part de soi.

L’art qui fait du bien

Laissez vos émotions guider votre choix : la “bonne” œuvre est celle qui vous apaise ou vous donne de l’énergie. Sur Artalistic, chaque création est sélectionnée pour vous aider à trouver une œuvre qui fait du bien.

Conclusion

L’art n’est pas qu’un plaisir visuel : c’est une véritable source d’équilibre émotionnel. Qu’il soit abstrait, figuratif ou intensément coloré, il influence notre humeur, notre concentration et notre bien-être. En l’intégrant à notre quotidien, nous transformons nos espaces en lieux d’harmonie et d’inspiration.

Parcourez dès maintenant les nouveautés et laissez-vous séduire par une œuvre d’art contemporaine qui embellira votre intérieur tout en nourrissant votre esprit.

L’art touche le cœur avant tout. Chaque œuvre raconte une histoire, reflète une sensibilité, et réveille une émotion unique. Offrir une œuvre d’art, c’est offrir bien plus qu’un objet : c’est offrir une expérience, un souvenir et un message personnel. C’est un cadeau qui traverse le temps, aussi précieux à offrir qu’à recevoir.

Découvrez des œuvres inspirantes sur Artalistic, la plateforme de référence pour acheter de l’art contemporain en ligne.

2. Un cadeau original et durable

Contrairement aux cadeaux qui se consomment ou s’oublient, une œuvre d’art est intemporelle. Elle s’inscrit dans le temps, se conserve et se transmet. C’est un cadeau durable, un choix réfléchi, personnel et unique. Peinture, sculpture ou photographie : chaque œuvre raconte une histoire différente, mais toutes partagent une même valeur — celle de l’émotion authentique.

Explorez nos collections :
• Peintures
• Sculptures
• Éditions limitées

3. Offrir de l’art, c’est soutenir les artistes contemporains

Derrière chaque œuvre se cache un artiste, un geste et une passion. En choisissant d’offrir de l’art contemporain, vous soutenez directement la création et encouragez le travail d’artistes talentueux. C’est aussi un moyen concret de contribuer à la vitalité culturelle, d’affirmer vos valeurs et de donner du sens à votre cadeau.

Découvrez les artistes contemporains présents sur Artalistic et laissez-vous séduire par leurs univers singuliers.

4. Un cadeau qui sublime les intérieurs

Une œuvre d’art transforme un espace, attire le regard et crée une atmosphère unique. Offrir une œuvre, c’est aussi offrir de la beauté, de la personnalité et du caractère à un intérieur. Elle devient le centre d’attention d’une pièce, tout en racontant quelque chose de celui qui l’offre et de celui qui la reçoit.

Astuce déco

Associez votre cadeau à un style : une toile colorée pour un intérieur moderne, une sculpture minimaliste pour un espace design, ou une édition limitée pour un décor raffiné et contemporain.

5. Un cadeau porteur de sens pour les fêtes

Offrir une œuvre d’art, c’est choisir un cadeau qui a du sens. C’est dire « je te connais », « tu mérites ce qu’il y a de plus beau ». C’est un geste qui touche, qui relie et qui s’inscrit dans la durée. En période de fêtes, où l’on recherche authenticité et émotion, l’art devient le présent parfait.

Explorez les œuvres à la vente sur Artalistic et trouvez l’inspiration pour un cadeau artistique et durable qui fera briller les yeux de vos proches.

Conclusion

Offrir de l’art, c’est offrir bien plus qu’un objet : c’est une émotion, une rencontre et une histoire à partager. C’est un geste fort, symbolique, et une invitation à découvrir le monde sous un autre regard. Faites de cette période de fêtes un moment d’exception avec un cadeau original et durable qui portera longtemps sa magie.

Et si vous hésitez parmi notre collection, pensez à offrir une carte cadeau Artalistic: une manière élégante de laisser le destinataire choisir l’œuvre d’art contemporaine qui lui ressemble.

Parcourez dès maintenant notre sélection d’œuvres contemporaines et laissez l’art de faire plaisir s’exprimer à travers vos cadeaux.

L’abstraction ne cherche pas à représenter la réalité : elle la traduit. C’est un langage visuel fondé sur formes, lignes et couleurs. Devant un tableau abstrait, chacun est libre de ressentir, d’imaginer, d’interpréter : cette liberté crée une connexion unique entre l’œuvre et le regardeur.

L’art de l’émotion pure

Contrairement au figuratif, l’abstraction ne raconte pas une histoire précise : elle provoque une émotion immédiate. Les tableaux abstraits sont des miroirs de nos états d’âme - une toile rouge vibrante évoque la passion, des tons bleus apportent apaisement et sérénité.

Découvrez une sélection d’œuvres abstraites contemporaines et laissez vos émotions guider votre regard.

2. L’art abstrait dans nos intérieurs : élégance et modernité

Choix privilégié en décoration contemporaine, l’art abstrait s’intègre à tous les styles - minimaliste, industriel, design. Les peintures abstraites apportent un équilibre subtil entre dynamisme et harmonie, personnalisent un espace et lui donnent profondeur et caractère.

L’accord parfait entre art et design

Un grand tableau abstrait contemporain devient vite la pièce maîtresse d’une pièce : il capte la lumière, attire le regard et crée une atmosphère unique. Idéal pour donner vie à un salon, un bureau ou une chambre sans alourdir l’espace.

Explorez nos nouveautés pour découvrir les dernières œuvres abstraites en ligne.

3. Une expression universelle et intemporelle

Si l’art abstrait séduit toujours autant, c’est qu’il parle à chacun, sans barrière culturelle ni linguistique. Il dépasse les modes et traverse les générations. Aujourd’hui, l’art abstrait contemporain reflète aussi nos grands questionnements : quête d’équilibre, liberté d’expression, beauté au-delà du concret.

L’abstraction, un investissement durable

Choisir un tableau abstrait, ce n’est pas seulement un plaisir esthétique : c’est aussi un investissement. Par son universalité, l’abstraction conserve son attrait et s’adapte à tous les univers décoratifs.

Trouvez votre coup de cœur parmi nos peintures abstraites et laissez la créativité transformer vos murs.

Conclusion

Libre, poétique et puissante, l’abstraction incarne l’essence de la création : l’expression pure de l’émotion. Que vous soyez collectionneur ou amateur de décoration, acheter un tableau abstrait est une façon unique d’apporter sens, énergie et beauté à votre espace de vie.

Parcourez dès maintenant la collection d’art abstrait contemporain sur Artalistic et découvrez les nouveautés qui feront vibrer vos émotions.

Le marché de l’art s’est profondément transformé. Les plateformes en ligne permettent désormais à chacun d’acheter un tableau contemporain sans passer par les circuits traditionnels souvent coûteux. Cette démocratisation a ouvert la porte à une nouvelle génération de collectionneurs, curieux, connectés et désireux d’investir dans des pièces uniques à des prix justes.

Découvrez les peintures contemporaines disponibles sur Artalistic et trouvez l’œuvre qui correspond à votre sensibilité artistique.

2. Trouver une œuvre d’art originale à prix raisonnable

L’un des atouts majeurs des galeries d’art en ligne réside dans la diversité des prix et des formats. Que vous soyez amateur d’abstrait, de figuratif, de Pop Art ou de Street Art, il existe toujours une œuvre d’art originale à prix raisonnable adaptée à votre budget.

Astuce collectionneur

Pour débuter, orientez-vous vers de jeunes artistes émergents : leurs œuvres sont souvent plus abordables, tout en ayant un fort potentiel de valorisation.

Explorez nos catégories :
• Peintures
• Sculptures
• Éditions limitées

3. Acheter en ligne : un moyen simple et sécurisé

Acheter un tableau contemporain en ligne offre de nombreux avantages : confort, transparence et sécurité. Sur Artalistic, chaque œuvre est accompagnée de sa description détaillée, de photos haute définition et d’un certificat d’authenticité. Les paiements sont sécurisés et la livraison assurée, ce qui permet d’acheter en toute confiance, quel que soit le montant investi.

Bon à savoir

Vous pouvez également contacter l’équipe Artalistic pour bénéficier de conseils personnalisés avant votre achat - un accompagnement sur mesure pour choisir une œuvre qui vous ressemble.

4. L’art comme investissement émotionnel et durable

Acheter une œuvre d’art originale à prix raisonnable ne se limite pas à une décision décorative : c’est aussi un investissement sur le long terme. En soutenant un artiste émergent, vous contribuez à la reconnaissance de son travail, tout en enrichissant votre patrimoine culturel et personnel. Une œuvre d’art traverse le temps - elle embellit votre espace et garde une valeur sentimentale et artistique inestimable.

Conseil Artalistic

Ne cherchez pas seulement une bonne affaire : choisissez une œuvre qui provoque un véritable coup de cœur. L’émotion reste le meilleur guide d’achat.

5. Des sélections d’œuvres accessibles sur Artalistic

Sur Artalistic, nous croyons que la passion de l’art doit rester à la portée de tous. C’est pourquoi nous proposons des sélections variées d’œuvres contemporaines à prix abordable, réalisées par des artistes émergents et confirmés.

Découvrez dès maintenant :
• Les nouveautés de la galerie
• Les œuvres figuratives
• Les œuvres Pop Art et Street Art

Conclusion

L’art contemporain n’a jamais été aussi accessible. Grâce à Internet, chacun peut désormais acheter un tableau contemporain qui allie beauté, émotion et prix maîtrisé. Sur Artalistic, l’art devient un plaisir à la fois esthétique et raisonnable : une invitation à collectionner sans limites et à faire entrer la création dans votre quotidien.

Explorez nos sélections d’œuvres d’art contemporaines abordables et trouvez la pièce qui reflète votre univers - sans dépasser votre budget.

Acheter une œuvre d’art contemporain en ligne, c’est accéder en quelques clics à une offre mondiale. Fini les contraintes géographiques : les artistes de renom comme les talents émergents sont désormais accessibles à tous.

Les plateformes comme Artalistic permettent d’explorer des centaines d’œuvres, triées par style, technique, prix ou format. Peintures, sculptures, photographies, éditions limitées : la diversité de l’offre élargit les horizons et rend l’art plus inclusif que jamais.

Découvrez les nouveautés et laissez-vous séduire par les dernières créations ajoutées sur la plateforme.

2. Transparence et sécurité des transactions

Les plateformes d’art en ligne ont instauré une relation de confiance entre artistes, acheteurs et experts. Chaque œuvre est accompagnée de sa fiche détaillée, mentionnant les matériaux, dimensions, techniques et certificat d’authenticité.

De plus, acheter une œuvre d’art en ligne sur un site reconnu comme Artalistic garantit des paiements sécurisés et des livraisons assurées. Les conditions sont claires, les échanges professionnels, et l’expérience d’achat est fluide - du panier à la réception de l’œuvre.

Astuce achat sécurisé

Avant de finaliser un achat, assurez-vous que la plateforme dispose d’un service client réactif et d’un certificat d’authenticité fourni pour chaque œuvre. Chez Artalistic, ces éléments font partie intégrante de notre engagement qualité.

3. Découvrir, comparer et acheter à son rythme

Acheter de l’art en ligne offre une liberté totale. Vous pouvez parcourir les œuvres selon vos goûts, comparer les prix, lire les biographies des artistes et même poser des questions avant de décider. Ce confort d’achat séduit de plus en plus de collectionneurs et d’amateurs : plus besoin de se déplacer, tout se fait depuis chez soi, en toute sérénité.

Pour ne rien manquer, visitez régulièrement la page des nouveaux arrivages et découvrez les artistes du moment.

4. Une expérience immersive et personnalisée

Les galeries en ligne comme Artalistic offrent une expérience interactive : images haute définition, vues d’ensemble, détails zoomables et filtres précis permettent d’examiner chaque œuvre comme si vous étiez face à elle.

L’accompagnement Artalistic

Acheter une œuvre d’art contemporain en ligne sur Artalistic, c’est aussi bénéficier d’un accompagnement sur mesure : conseils personnalisés, service Art Advisory, et recommandations adaptées à vos goûts et à votre budget.

5. Un investissement culturel et patrimonial

L’achat d’art en ligne n’est pas seulement esthétique : il peut aussi être un investissement raisonné. Soutenir un artiste, c’est contribuer à son rayonnement tout en valorisant son patrimoine personnel. Les œuvres d’art contemporaines sont aujourd’hui reconnues comme des valeurs refuges, alliant plaisir, émotion et potentiel financier.

Conseil investissement

Commencez par une œuvre qui vous parle : le coup de cœur est souvent le meilleur critère d’achat. Et si vous hésitez, l’équipe d’Artalistic vous aide à identifier les artistes contemporains à fort potentiel.

Conclusion

Le marché de l’art s’est réinventé : accessible, transparent et connecté. Acheter une œuvre d’art en ligne est désormais une expérience à la fois simple, sécurisée et inspirante. Les galeries virtuelles comme Artalistic démocratisent la découverte artistique et rapprochent les créateurs de leur public.

Parcourez dès maintenant les nouveautés pour trouver l’œuvre d’art contemporain en ligne qui viendra sublimer votre collection - ou offrir un coup de cœur à vos proches.

Le premier pas pour combiner art et design intérieur est de trouver des œuvres qui s’intègrent naturellement dans votre univers décoratif. Si votre intérieur est épuré, privilégiez des peintures abstraites ou des éditions limitées aux tons doux. Pour un espace contemporain et vibrant, osez le Pop Art ou le Street Art.

Explorez nos collections :
• Peintures
• Sculptures
• Éditions limitées

2. Miser sur l’équilibre entre couleurs, textures et matériaux.

Une œuvre d’art peut devenir le point central d’une pièce. Assurez-vous que ses couleurs dialoguent harmonieusement avec celles de votre mobilier, vos textiles et vos objets décoratifs. Les contrastes subtils créent une ambiance raffinée, tandis que les accords ton sur ton instaurent une atmosphère apaisante.

Astuce pro.

Si votre intérieur est neutre, choisissez une œuvre colorée pour apporter de la vie. Si, au contraire, votre décoration est déjà chargée, optez pour des toiles minimalistes ou des dessins graphiques.

3. Jouer avec les formats et la disposition murale.

Les idées de décoration autour des œuvres d’art murales ne manquent pas :

• Un grand tableau unique pour une touche majestueuse.
• Une composition de plusieurs petites œuvres pour un effet galerie.
• Un mélange de photographies contemporaines, de peintures et de cadres design pour un rendu éclectique.

Découvrez les œuvres à la vente sur Artalistic pour trouver l’agencement parfait selon votre espace.

4. Intégrer l’art dans les espaces inattendus.

L’art ne se limite pas au salon ou à la salle à manger. Accrochez une œuvre dans une entrée, une cuisine ou même une salle de bain pour surprendre et personnaliser l’espace. Les galeries d’art en ligne offrent une variété d’œuvres adaptées à toutes les pièces et à tous les styles.

Astuce pro.

Misez sur des photographies modernes ou des toiles abstraites pour illuminer un couloir, ou une sculpture contemporaine pour rehausser une bibliothèque.

5. Acheter de l’art en ligne pour une décoration sur mesure.

Grâce à des plateformes spécialisées comme Artalistic, vous pouvez acheter de l’art en ligne facilement, en toute sécurité et avec la garantie d’acquérir des œuvres authentiques. Que vous soyez amateur ou collectionneur, chaque pièce est sélectionnée pour son originalité et son potentiel décoratif.

Découvrez aussi nos catégories phares : peintures figuratives, œuvres Street Art, Pop Art.

Conclusion.

Associer art et design intérieur est une démarche créative qui transforme un simple lieu de vie en espace d’expression. En suivant ces quelques astuces, vous pouvez créer une décoration unique, pleine de personnalité et d’émotion.

Parcourez dès maintenant notre plateforme de vente d’art en ligne Artalistic pour trouver l’œuvre qui sublimera votre intérieur.

Le monde de l’art a profondément évolué avec le digital. Aujourd’hui, les galeries d’art en ligne s’imposent comme une alternative aux galeries traditionnelles. Mais quelles sont les différences ? Quels sont les points forts et les limites de chaque modèle ? Et surtout, comment faire le bon choix pour acheter de l’art en ligne en toute sérénité ?

1. Les galeries d’art en ligne : accessibilité et innovation

Un accès élargi à l’art contemporain

Les galeries d’art en ligne permettent à chacun de découvrir des œuvres sans contrainte géographique. Sur Artalistic, vous pouvez parcourir des centaines d’artistes contemporains (voir la liste) et explorer diverses catégories : Peintures  |  Sculptures  |  Éditions limitées

Transparence et confort d’achat

Acheter depuis chez soi simplifie la démarche. Les prix, formats et disponibilités sont clairement affichés. L’expérience est intuitive et rassurante, notamment pour les jeunes collectionneurs qui découvrent l’art.

Limites des galeries en ligne

L’absence de contact physique avec l’œuvre peut être un frein. Voir une œuvre uniquement sur écran ne transmet pas toujours la même émotion que face à l’original. Cependant, des solutions existent (visuels HD, vidéos, certificats d’authenticité).

2. Les galeries traditionnelles : prestige et expérience sensorielle

L’expérience physique de l’art

Dans une galerie, l’œuvre est vécue en direct : textures, couleurs, dimensions. Cette proximité crée un lien émotionnel fort entre l’acheteur et l’œuvre.

Relation avec le galeriste

Les galeries traditionnelles offrent un accompagnement personnalisé. Le galeriste conseille, partage son expertise et oriente les choix des collectionneurs.

Limites des galeries physiques

La localisation et les horaires limitent l’accès. De plus, les prix ne sont pas toujours affichés, ce qui peut freiner les nouveaux acheteurs. Enfin, les frais liés à la gestion d’un espace physique influencent souvent les tarifs.

3. Acheter de l’art en ligne ou en galerie physique : que choisir ?

Les deux modèles ne s’opposent pas : ils se complètent. Pour un premier achat, explorer une galerie d’art en ligne comme Artalistic est un excellent moyen de se familiariser avec le marché. Pour une expérience sensorielle forte, visiter une galerie physique reste incontournable.

Conclusion : un marché hybride et prometteur

Les galeries d’art en ligne offrent accessibilité et transparence, tandis que les galeries traditionnelles proposent prestige et expérience directe. En combinant les deux, le collectionneur d’aujourd’hui bénéficie du meilleur des deux mondes.

Découvrez dès maintenant notre sélection d’œuvres contemporaines et laissez-vous séduire par des artistes talentueux disponibles sur Artalistic.

Investir dans l’art n’est plus réservé aux grands collectionneurs. Aujourd’hui, investir dans un tableau peut être une stratégie gagnante pour diversifier son patrimoine et soutenir les artistes contemporains. Mais comment savoir si une œuvre est réellement porteuse de valeur ? Voici nos conseils pour reconnaître une œuvre d’art à fort potentiel et faire un choix éclairé.

1. Pourquoi investir dans un tableau en 2025 ?

L’art contemporain connaît une croissance continue sur le marché mondial. Acheter une œuvre d’art permet non seulement de profiter d’un objet unique au quotidien, mais aussi de miser sur une valeur refuge qui peut prendre de l’importance avec le temps.

Consultez notre guide dédié à l’investissement dans l’art contemporain pour approfondir vos connaissances (lire l’article).

2. Les critères pour reconnaître une œuvre à fort potentiel.

• La notoriété et la trajectoire de l’artiste.

  Un artiste en pleine ascension, déjà exposé dans des galeries ou événements, est souvent un signe positif. Explorez nos artistes contemporains pour découvrir des talents émergents et confirmés.

• L’originalité et le style.

  Une œuvre singulière, reconnaissable et porteuse d’une identité forte a plus de chances de séduire collectionneurs et investisseurs. Les tableaux abstraits ou le street art sont par exemple très prisés actuellement : Peintures abstraites  |  Street Art

• La rareté et l’édition limitée.

  Une œuvre unique ou une série en tirage limité aura plus de valeur qu’une production en grand nombre. Les photographies contemporaines en édition limitée ou les sculptures uniques sont des investissements pertinents.

• La cote et les expositions.

  Consultez les ventes passées et les expositions de l’artiste. Un parcours institutionnel solide (foires, musées, galeries) accroît la valeur de son travail.

3. Acheter une œuvre d’art : où trouver des opportunités fiables ?

Acheter en ligne sur une plateforme spécialisée comme Artalistic garantit une sélection d’œuvres authentiques, un suivi professionnel et une mise en relation directe avec des artistes soigneusement choisis.

Découvrez nos sélections phares :

• Nouveaux arrivages
• Top investissement peintures
• Peintures figuratives
• Pop Art

4. Nos conseils pour bien investir.

• Privilégiez les œuvres originales plutôt que les reproductions.
• Diversifiez votre collection (peinture, sculpture, photographie …).
• Fixez un budget clair et raisonné.
• Soyez patient : un investissement dans un tableau se valorise sur le long terme.

Conclusion.

Investir dans un tableau est à la fois un plaisir et une stratégie de placement. En choisissant une œuvre d’art à fort potentiel, vous associez passion et investissement, tout en contribuant au rayonnement des artistes contemporains.

Parcourez dès maintenant notre sélection d’œuvres contemporaines en ligne et trouvez l’investissement qui fera grandir votre collection : découvrir Artalistic.

Acheter de l’art contemporain en ligne est aujourd’hui une pratique incontournable pour les amateurs et collectionneurs. En 2025, certains styles de peintures (voir la sélection) séduisent particulièrement le marché et s’imposent comme des choix d’investissement et de décoration tendance. Voici un guide des 5 styles de tableaux contemporains à privilégier pour enrichir votre collection et embellir vos espaces avec caractère.

L’abstraction géométrique.

Les tableaux abstraits aux lignes géométriques et aux couleurs franches connaissent un essor remarquable. Leur esthétique minimaliste et moderne s’intègre parfaitement aux intérieurs design. Vous pouvez retrouver une sélection de ces œuvres dans notre section Peintures abstraites (découvrir les abstraits) sur Artalistic.

Le Street Art et l’Art urbain.

En 2025, le street art reste un incontournable. Inspirés par l’univers urbain et la culture pop, ces tableaux apportent énergie et audace. De nombreux artistes (liste des artistes) émergents et confirmés proposent des créations percutantes sur Artalistic. Découvrez nos peintures Street Art (explorer le street art) pour suivre les dernières tendances.

Le figuratif contemporain.

Les portraits et scènes de vie revisités par les artistes contemporains séduisent par leur intensité émotionnelle. Ces œuvres apportent une touche de réalisme et d’humanité à votre collection. Explorez nos sélections de peintures figuratives (voir les figuratifs) en ligne pour trouver des pièces uniques.

Le minimalisme et la monochromie.

La simplicité et l’épure continuent de séduire les collectionneurs. Les tableaux minimalistes et monochromes, jouant sur les textures et les subtilités chromatiques, apportent raffinement et sérénité aux espaces modernes. Un choix parfait pour les amateurs d’élégance discrète.

Le Pop Art.

Le Pop Art fait partie des styles de tableaux les plus recherchés en 2025. Inspiré de la culture populaire, des icônes de la musique, du cinéma ou de la publicité, ce courant séduit par ses couleurs vives et ses compositions percutantes. Acheter un tableau Pop Art permet d’apporter une touche moderne, dynamique et audacieuse à votre intérieur.

De nombreux artistes (découvrir les artistes) présents sur Artalistic s’illustrent dans ce style en créant des œuvres uniques et accessibles. Découvrez notre sélection de peintures Pop Art (voir le Pop Art) et laissez-vous séduire par ce mouvement emblématique de l’art contemporain.

Pourquoi acheter vos tableaux contemporains sur Artalistic ?

Avec Artalistic, plateforme de vente d’art en ligne, vous bénéficiez d’une sélection rigoureuse d’œuvres contemporaines, réalisées par des artistes (voir les artistes) émergents et confirmés. Que vous soyez collectionneur ou amateur, nos services garantissent sécurité, authenticité et accompagnement personnalisé.

Découvrez dès maintenant nos nouveaux arrivages (nouveautés) et trouvez le tableau contemporain qui sublimera votre intérieur.

Avec la digitalisation du marché, acheter de l’art en ligne est devenu une pratique courante, mais pas sans risques. Comment choisir la bonne boutique d’art en ligne et éviter les pièges ? Voici un guide pratique pour sécuriser vos acquisitions en toute sérénité, éviter les pièges et profiter pleinement des opportunités offertes par ce mode d’acquisition moderne.

Pourquoi acheter de l’art en ligne ?

Acheter de l’art en ligne présente de nombreux avantages :

• Un choix élargi : Internet vous donne accès à une offre beaucoup plus vaste qu’une galerie traditionnelle. Vous pouvez découvrir des artistes du monde entier et comparer facilement différents styles, supports et formats.
• Des prix transparents : alors que certaines galeries pratiquent une certaine opacité, une plateforme spécialisée affiche clairement les prix, permettant à chacun de mieux comparer les offres.
• Un gain de temps : plus besoin de se déplacer ou de visiter plusieurs galeries ; depuis votre canapé, vous pouvez explorer un catalogue complet et acheter en quelques clics.
• Accessibilité pour tous : les plateformes en ligne démocratisent l’accès à l’art, en proposant des œuvres pour tous les budgets, y compris des pièces à prix raisonnables pour les jeunes collectionneurs.

En résumé, acheter de l’art en ligne est une solution moderne, pratique et adaptée à la vie quotidienne.

Les risques et pièges à éviter.

Comme pour tout achat sur Internet, il existe des précautions à prendre avant de se lancer :

• Les faux sites ou arnaques : certains sites se présentent comme des galeries mais vendent en réalité de simples reproductions sans valeur.
• Les copies non mentionnées : méfiez-vous des œuvres proposées à des prix trop bas, elles peuvent être des reproductions déguisées en originaux.
• Le manque de transparence : absence d’informations sur l’artiste, pas de biographie, pas de détails sur les techniques utilisées ou l’origine de l’œuvre.
• Les frais cachés : livraison coûteuse, absence d’assurance transport, taxes non précisées.

L’achat d’art en ligne ne doit jamais être pris à la légère. Comme pour un investissement financier, il convient de vérifier la fiabilité du vendeur avant de valider une transaction.

Comment reconnaître une boutique d’art en ligne fiable ?

Toutes les plateformes ne se valent pas. Voici les critères essentiels à vérifier avant de faire un achat :

Privilégier une plateforme spécialisée

Évitez les marketplaces généralistes où l’art côtoie des milliers de produits divers. Préférez une boutique d’art en ligne dédiée, où les œuvres sont soigneusement sélectionnées et vérifiées.

Transparence des informations

Une plateforme sérieuse mentionne clairement :

• le prix de l’œuvre,
• le nom et la biographie de l’artiste,
• les dimensions, techniques et supports utilisés,
• la disponibilité de certificats d’authenticité.

Qualité du service client

Un bon site doit proposer une assistance réactive, une politique de retour claire et une solution d’assurance pour le transport des œuvres.

Nos conseils pour sécuriser vos achats d’œuvres d’art

Demander un certificat d’authenticité

Chaque œuvre doit être accompagnée d’un document signé par l’artiste ou le vendeur, garantissant son originalité.

Comparer les prix et éviter les offres trop belles pour être vraies

Un tableau signé par un artiste reconnu ne peut pas être vendu au prix d’une affiche. La cohérence des prix est un indicateur important.

Choisir un site qui propose un paiement sécurisé

Vérifiez la présence de protocoles SSL (https) et privilégiez les plateformes utilisant des solutions de paiement reconnues (Visa, Mastercard, PayPal, etc.).

Lire attentivement les conditions de livraison et d’assurance

Le transport d’une œuvre doit être effectué par des partenaires fiables, avec emballage adapté et suivi. Une assurance est indispensable pour couvrir les risques éventuels.

Acheter de l’art en ligne avec Artalistic.

Chez Artalistic, nous avons fait de la transparence et de la sécurité nos priorités. Notre mission : démocratiser l’art contemporain et permettre à chacun de trouver une œuvre unique en toute confiance.

• Sélection rigoureuse d’artistes contemporains : nous collaborons directement avec des créateurs émergents ou confirmés.
• Transparence des prix : chaque œuvre est affichée avec son tarif clair, sans surprise.
• Certificat d’authenticité : chaque achat est accompagné d’un certificat officiel garantissant la valeur de l’œuvre.
• Livraison sécurisée : nous travaillons avec des transporteurs spécialisés pour protéger vos acquisitions.

Découvrez toutes les dernières œuvres d’art disponibles à la vente dans notre catégorie « Nouveautés ».

Conclusion

Acheter de l’art en ligne est une opportunité exceptionnelle pour enrichir sa collection ou décorer son intérieur. Mais pour que l’expérience soit positive, il est essentiel de choisir une boutique d’art en ligne sérieuse et transparente.

En suivant nos conseils - vérifier la réputation du site, demander un certificat d’authenticité, privilégier les paiements sécurisés et s’assurer des conditions de livraison - vous pourrez investir dans l’art contemporain en toute sérénité.

Prêt à franchir le pas ? Découvrez dès maintenant la sélection d’œuvres originales et authentiques disponibles sur Artalistic, et laissez l’art transformer votre quotidien.

Comment acheter de l’art?

Si les États-Unis représentent 35 % du marché de l’art, celui-ci se donne comme une vaste zone d’échanges et de transactions à l’échelle du globe, notamment en Europe et dans les pays asiatiques comme la Chine.

Le marché de l’art réunit une multitude d’acteurs tout au long d’une filière spécifique qui est loin d’être réservée aux spécialistes et aux connaisseurs. Il existe certes de nombreux professionnels qui opèrent dans ce secteur (artistes, collectionneurs, responsables de salles de vente, galeries d’art, musées, fondations, antiquaires, marchands d’art, mécènes, banques privées, etc.), mais de plus en plus de particuliers s’y intéressent, n’hésitant pas à acheter de l’art et à investir dans un tableau, une sculpture ou un tirage photographique en édition limitée.

Les lieux habituels où acheter de l’art 

Pour débuter dans le monde l’art, c’est très simple. Il vous suffit de vous rendre dans des lieux précis qui vous ouvriront des horizons insoupçonnés et des opportunités d’achat d’œuvres d’art:

- les galeries d’art ;

- les salles de ventes aux enchères ;

- les plateformes de vente d’art en ligne ;

- les foires d’art ;

- la vente à domicile chez l’artiste.

Afin de se familiariser avec la pratique et d’aiguiser son regard,  visiter les lieux d’art comme les musées, les expositions, les galeries ou les réunions d’art contemporain est hautement recommandé.

Sachez par ailleurs qu’il n’y a pas de règle prédéfinie quant au choix et à l’achat d’une œuvre d’art.  Investir dans un tableau est avant tout une affaire de goût, de passion et d’émotion selon votre personnalité. Il s’agit d’une démarche personnelle et authentique. Il est important de définir un budget auquel vous vous tiendrez. L’œuvre d’un artiste en développement, à un prix accessible, peut représenter une opportunité intéressante si celle-ci prend de la valeur avec le temps.

Si le marché de l’art est segmenté en différentes parties (art ancien, art primitif, art classique, art moderne, art contemporain, etc.), l’art moderne et surtout l’art contemporain sont considérés comme les secteurs les plus porteurs, comme nous le verrons dans la deuxième partie de cet article.

Achat d’art: premier et second marché

Vous verrez parfois une distinction entre premier et second marchés.

Le premier marché désigne l’ensemble des œuvres d’art présentées pour la première fois aux institutionnels et au public dans une galerie, dans une foire ou sur un site de vente d’art en ligne. Le prix de l’œuvre est fixé à cette occasion après concertation entre artiste, galeriste et marchand. Son prix va ensuite fluctuer en fonction de l’offre et de la demande.

On entend généralement par second marché les ventes réalisées aux enchères. Ce marché est le plus important.

Pourquoi investir dans un tableau ou une autre œuvre d’art?

L’investissement dans l’art n’est pas seulement guidé par l’appréciation esthétique. L’achat d’une œuvre d’art offre des potentialités uniques de placements financiers et des espoirs de bénéfices très souvent supérieurs à ceux observés sur les marchés financiers traditionnels tels ceux de la bourse ou de l’immobilier.

Depuis les années 1990, les chiffres de l’investissement dans l’art suivent une courbe ascendante et ce moyen de diversifier son patrimoine est adopté par une masse croissante de personnes.

Investir dans un tableau et diversifier ses investissements

Acheter de l’art constitue un excellent moyen de diversification. Cette logique d’acquisition d’œuvres d’art permet d’étaler et de répartir les risques tout en profitant de la stabilité que représente un actif tangible susceptible de prendre de la valeur.

L’investissement dans l’art est en effet décorrélé des marchés financiers, à l’inverse des actions placées en bourse, par exemple. En investissant dans un tableau, vous procédez à un placement d’argent qui ne dépend en aucune manière des fluctuations économiques, garantissant une protection totale contre les éventuelles crises financières. Tout comme l’or, l’art peut être considéré de ce point de vue comme une valeur refuge.

Par ailleurs, l’investissement dans un tableau sous forme de leasing intéresse de plus en plus de professionnels et de professions libérales en raison des possibilités de défiscalisation qu’offre cette pratique.

Le boom de l’art contemporain

Investir dans un tableau peut engendrer un rendement annuel moyen de 25 %. Ces chiffres mesurés depuis le début des années 2000 sont bien supérieurs à ceux du S&P 500, l’indice de référence de la bourse américaine.

Les œuvres d’art réalisées par les artistes contemporains ont le vent en poupe. Le marché de l’art contemporain représente ainsi peu ou prou la moitié des échanges dans le monde. C’est le marché où l’on observe le plus de volume et de valeur de vente, celui où la croissance est également la plus forte.

Nouvelle forme d’art contemporain, l’art numérique, notamment via la technologie de la blockchain et des NFTs, suscite un engouement remarquable. Ce phénomène pourrait à terme modifier le panorama de l’art contemporain.

Investir dans un tableau grâce à l’Internet: la solution à ne surtout pas sous-estimer!

À côté des lieux physiques et classiques d’achat d’art, les ventes d’art en ligne représentent aujourd’hui une alternative plus que crédible. Elles sont en augmentation continue et pèsent plus de 10 milliards de dollars, soit 18 % du chiffre d’affaires total du marché de l’art. Attention cependant à la fiabilité des adresses. Référence du web, Artalistic fait bien évidemment partie des valeurs sûres en la matière!

Achat et vente d’œuvres d’art en ligne: une tendance réelle et à la hausse

Des chiffres qui ne trompent pas

La taille et l'augmentation du marché regroupant l’achat et la vente d’art en ligne ne trompent pas: ce phénomène doit être résolument pris au sérieux tant son explosion par rapport aux lieux de vente physique est visible.

L’achat et la vente d’œuvres d’art en ligne connaissent une croissance rapide et exponentielle, à tel point que de nombreuses adresses ont fait leur apparition sur le web. Problème: comment savoir si l’on a affaire à un site fiable ou pas? Nous répondons à cette interrogation en fin d’article. Sachez déjà que si vous êtes en train de lire ce contenu, vous avez cliqué sur la bonne page!

Achat d’art sur le web: les données chiffrées

Selon les chiffres des diverses études aujourd’hui disponibles, le total des ventes d’œuvres d’art représenterait un chiffre d’affaires de 38 milliards d’euros dans le monde chaque année. Si la part de l’achat d’œuvres d’art en ligne ne comptait que pour 3,5 milliards d’euros en 2016, cette tendance est largement à la hausse, avec une augmentation d’environ 15 % par an.

La numérisation possible des œuvres d’art sur les portails du web a conduit au développement d’adresses permettant d’acheter des œuvres d’art en quelques clics seulement. L’intérêt de cette nouvelle pratique est bien réel pour une partie de la population de plus en plus encline à procéder à l’achat d’art en ligne.

Achat et vente d’œuvres d’art en ligne: l’énorme avantage de la dématérialisation

L’avantage majeur d’acheter des œuvres d’art en ligne réside dans le fait que vous aurez à portée de main le choix d’une grande variété d’œuvres depuis chez vous, sans avoir à vous déplacer dans un lieu physique de type galerie ou exposition. Les catalogues proposés par les enseignes de référence sont conséquents et remarquablement structurés. La navigation est fluide et vous vous laisserez guider afin de pouvoir sélectionner l’objet de votre choix.

Certes, le plaisir de la flânerie à la recherche de toiles dans des lieux conçus pour une expérience concrète ne sera pas de mise, mais rien ne vous empêche de concilier cette approche classique de la découverte et de l’achat d’une œuvre d’art avec les nouveaux usages permis par les techniques d’information et de communication.

Une opportunité très intéressante pour les vendeurs

Si vous êtes artiste et que vous recherchez un lieu d’exposition dans le but de montrer vos créations à un public conséquent, la vente d’art en ligne vous offre des opportunités très intéressantes.

Vous bénéficierez ainsi d’une visibilité accrue, celle permise par le gigantisme du web, surtout si parvenez à exposer vos travaux sur une galerie d’achat et de vente d’art réputée sur le réseau.

Acheter de l’art: comment trouver une galerie fiable sur Internet?

C’est la grande question que se posent de plus en plus de personnes séduites par l’achat d’œuvres d’art en ligne. Actuellement, de plus en plus de sites éclosent sur la toile, au point de compliquer grandement le choix d’un site de vente d’art en ligne dans lequel vous pouvez avoir une confiance totale.

Comment choisir alors une adresse sûre sans craindre d'éventuels désagréments lorsque vous achèterez une œuvre d’art sur Internet? Il vous est toujours possible de passer des heures à surfer sur une multitude de sites, mais sachez qu’il n’en existe qu’une poignée réputés pour leur savoir-faire et leur transparence.

Acheter de l’art en ligne en toute sécurité avec Artalistic

La démocratisation de l’achat d’œuvres d’art en ligne est donc bien réelle et de nombreuses plateformes ont vu le jour ces dernières années. Toutes ne sont pas forcément fiables, en plus d’une proposition artistique laissant parfois à désirer.

Comment sélectionner alors la meilleure galerie de vente d’art en ligne? C’est très simple: vous pouvez vous fier aux premières annonces non sponsorisées sur les pages de résultats de Google en tapant une requête du style « vente d’art en ligne ». Vous vous apercevrez alors que l’adresse du site Artalistic figure en excellente position, ce qui est tout sauf un hasard: depuis plusieurs années, la galerie d’achat et de vente d’art en ligne Artalistic, fondée par Cynthia Soddu et une équipe de spécialistes expérimentés, est considérée à juste titre comme une référence en la matière.

Avec Artalistic, en seulement quelques clics, vous aurez accès à des milliers d’œuvres d’art dans un style contemporain associant différents supports (peintures, sculptures, dessins, estampes, photographies) et des courants divers (pop art, conceptuel, figuratif, expressionnisme, nouveau réalisme, minimalisme, hyperréalisme, etc.).

Achat et vente d’œuvres d’art en ligne: la fiabilité d’une adresse reconnue sur le web

Le processus d’achat d’art repose sur un système entièrement sécurisé et les œuvres d’art sont rigoureusement sélectionnées et authentifiées par nos experts. Artalistic propose à la vente des œuvres d’art réalisées par de grands noms de l’art contemporain ainsi que des artistes émergents. Toutes les catégories de tarifs sont disponibles: l’art n’a jamais été réservé à une élite!

Si vous souhaitez obtenir davantage d’informations, en tant qu’acheteur ou artiste désireux de vendre ses œuvres d’art sur notre galerie, n’hésitez pas à contacter notre équipe qui vous répondra rapidement.

Acheter ou vendre une œuvre d’art en ligne avec Artalistic, c’est simple et facile!

Qu’est-ce que la sculpture contemporaine?

L’art contemporain: une rupture de paradigme

L’art contemporain est une nouvelle forme d’art marqué par une période historique qui succède à l’art moderne. D’un point de vue ontologique, l’art contemporain casse les codes de l’art classique et en transgresse les différentes règles pour se réinventer, en perpétuelle innovation. L’un des objectifs importants de l’art contemporain n’est plus de représenter ni même de présenter la beauté du monde, mais d’apporter un nouveau regard sur l’objet esthétique, détaché, distancié, sans pour autant remiser l’esprit critique propre à la contemplation.

Parmi les créations d’art contemporain, la sculpture occupe une place de choix. Mais, qu’est-ce au juste que la sculpture contemporaine? Il en existe plusieurs définitions. L’une des plus répandues sous-tend qu’il s’agit d’une activité créatrice visant à concevoir des formes en relief par l’intermédiaire de différentes techniques de modelage. Le sculpteur contemporain produit des objets volumineux en employant différentes matières:

- le bois,

- l’acier,

- la terre,

- l’argile,

- le métal (bronze, acier, aluminium, étain), le plastique,

- le ciment,

- etc.

Les champs de la création sont très ouverts et un autre but de la sculpture contemporaine entend rendre accessible au plus grand nombre l’art contemporain.

Qu’est-ce que la sculpture contemporaine? De nouvelles formes de création

L’art contemporain laisse la place à de nouveaux arts, par exemple l’art plastique ou encore le pop art, le street art ou le land art. Les formes sont travaillées dans le but de leur conférer un corps esthétique.

La sculpture contemporaine constitue de ce point de vue une branche caractéristique de l’art contemporain. Très souvent, elle véhicule une émotion qui peut engendrer une prise de distanciation critique vis-à-vis de l’objet et amener le spectateur à réfléchir sur le sens de la création en tant qu’empreinte sensible du monde qui nous entoure.

La sculpture contemporaine se déploie dans une multitude de formes et d’approches. Il n’est pas forcément nécessaire de comprendre parfaitement les codes de l’artiste ou de l’œuvre réalisée, la part laissée à l’émotion et à l’interprétation importe souvent davantage dans le postulat d’observation.

Les techniques utilisées

Il existe des moyens variés employés dans la création de sculptures contemporaines. Citons, entre autres:

- le modelage, technique utilisée pour travailler les sculptures avec les mains (terre, argile) ;

- la taille, par exemple le fait d’extraire d’un bloc de matière brute des morceaux solides en vue de travailler les volumes (bois, pierre, glace, métal, polymères, etc.) ;

- l’assemblage : la réunion de différents supports aboutissant à la création d’une œuvre ;

- la création en 3D via des logiciels informatiques permettant de façonner des objets virtuels qui peuvent ensuite être concrétisés en utilisant des imprimantes de haute technologie prévues à cet effet.

Notons que les nouveaux outils numériques et informatiques sont de plus en plus usités dans la sphère de la sculpture contemporaine.

Des exemples de sculptures contemporaines

Les grandes créations dans le monde de la sculpture contemporaine sont nombreuses.

En 2013, l’Américain Paul Riley avait fait parler de lui avec son œuvre « Light Bowl » qui représentait un bol blanc sur un fond rouge symbolisant la solitude.

Le Français Christian Hirlay, qui utilise souvent l’acier comme matière première, est également très connu, notamment pour ses représentations d’animaux ou de licornes.

L’iconique artiste américain Keith Haring (1958-1990), signature parmi les plus représentatives du courant street art, a créé d’innombrables œuvres sur une multitude de supports.

Parmi les sculptures d’art contemporain les plus célèbres, on mentionnera aussi les Balloon Dogs du New-Yorkais Jeff Koons, matérialisant un chien à partir d’un ensemble de ballons sculptés en acier.

Artalistic, la référence de l’art contemporain sur Internet

Voilà pour ce qui est de la sculpture contemporaine! Avec Artalistic, galerie de vente et d’achat d’art en ligne de référence sur le web, vous disposez d’un large choix de sculptures contemporaines présentées sur notre site. N’hésitez pas à parcourir la page dédiée à ce domaine de l’art contemporain qui attire de plus en plus d’amateurs, particuliers comme professionnels.

En visitant les diverses pages de notre galerie, vous découvrirez également d’autres créations d’art contemporain dans les sphères de la peinture, de la photographie, du dessin, ainsi que des éditions limitées d’œuvres signées par de grands noms de l’art contemporain ou des artistes en devenir.

L’horizon foisonnant et indépassable de la peinture contemporaine

Qu’est-ce que la peinture contemporaine?

Plus libres que les peintres de cette lointaine époque, les artistes contemporains peignent ce que leurs émotions et leurs convictions leur dictent.

Le terme de peinture contemporaine est dérivé de la notion plus large d’art contemporain, lequel regroupe de manière conventionnelle les œuvres signées à partir de la seconde moitié du 20^e siècle, et ce jusqu’à nos jours. La peinture moderne s’étendrait pour sa part de 1870 à 1960. Elle prend fin avec l’avènement du pop art, véritable acte fondateur de la peinture contemporaine.

Succédant à l’art moderne, l’art contemporain entend produire une rupture avec les règles de l’art classique dont il s’affranchit de certaines contraintes. Désormais, les peintres ne sont plus dans l’obligation de peindre ce qu’ils voient mais laissent par contre une place importante à ce qu’ils ressentent. Les sujets, les portraits, les paysages cèdent petit à petit le devant de la scène à la peine, la joie, le bonheur, la tristesse, la mélancolie, la nostalgie.

La peinture contemporaine bouscule donc les règles et les codes de l’art classique. Elle se donne comme un espace de liberté qui met en avant les émotions, via, par exemple, l’emploi de formes floues, l’abstraction ou le figuratif. De fait, l’art contemporain a produit plusieurs courants distincts les uns des autres.

Dernièrement, l’art contemporain s’inspire de plus en plus largement du numérique, de la vidéo et des plus récentes technologies de communication, y compris de tout ce qui relève de la sphère informatique et des nouveaux protocoles nés de la blockchain (crypto-art).

En résumé, on associe souvent le mot "liberté" à la peinture contemporaine dont l’un des objectifs vise à effacer le sens ou à en créer un nouveau. Ainsi, il s’agit parfois, voire souvent, pour l’art contemporain, de façonner une œuvre dont le caractère primordial consiste à faire passer un message, soit en provoquant un choc visuel ou spirituel, soit en éveillant la curiosité et l’imagination par l’emploi de techniques particulières ou de formes abruptes ou difficilement descriptibles.

Les principaux courants

Le pop art

Puisant ses origines dans la société industrielle capitaliste de la Grande-Bretagne des années 1950, le pop art se répand très vite à l’ensemble de la planète. Il emprunte à la fois dans la culture pop, le design, la science-fiction, la publicité, les objets de la vie quotidienne, les produits de masse fabriqués en série, les nouvelles technologies. Andy Warhol, Roy Lichtenstein et Keith Haring en sont d’illustres représentants. Vous découvrirez de magnifiques œuvres de pop art sur cette page de la galerie de vente d’art en ligne Artalistic.

L’hyperréalisme dans la peinture contemporaine

L’hyperréalisme naît à la fin des années 60 aux États-Unis. Sa fonction vise à restituer un sujet dans les moindres détails et s’inspire souvent de la photographie. Célèbre peintre britannique, David Hockney est une figure du pop art et également de l'hyperréalisme. Ses tableaux battent régulièrement des records de vente, comme, par exemple, son « Portrait of an Artist », de 1972, cédé pour près de 100 millions de dollars!

L'expressionnisme abstrait

À travers cette forme de peinture contemporaine s’expriment les émotions et les sentiments de l’artiste. L’expressionnisme abstrait se développe principalement dans les années 1950/60 sous l’impulsion de l’illustre Jackson Pollock. Mark Rothko fait également partie de cette mouvance très vaste.

Le néo-expressionnisme

Ce mouvement pictural figuratif né à la fin des années 1970 se dresse face à l’art conceptuel et minimaliste. Il emploie un style émotionnellement violent et une iconographie souvent provocatrice. Jean-Michel Basquiat en est une figure.

Le figuratif

L’art figuratif est l’exact opposé de l’art abstrait. La peinture contemporaine figurative est la représentation réelle du sujet. Le peintre britannique Francis Bacon, même s’il a commencé sa carrière vers 1930, est considéré comme un maître de la peinture figurative. Ses œuvres brutales sont souvent peintes en triptyque.

Le street art 

Comment ne pas associer le phénoménal et mystérieux Banksy à l’art des rues ? Art résolument engagé, le street art se décline partout dans le monde sur les murs des villes et les façades des immeubles. Vous découvrirez ici une sélection d’œuvres célèbres.

Artalistic, galerie de référence de la vente d’art en ligne

Avec Artalistic, galerie de vente d’art en ligne incontournable sur le web, le choix de peintures contemporaines présenté est impressionnant.

Nos spécialistes sélectionnent chaque jour des peintures modernes et contemporaines diverses et variées, selon des critères précis, notamment la qualité dont jouissent les artistes qui ont une cote sur le marché de l’art. 

De grandes signatures y côtoient des artistes en devenir. Laissez-vous guider au gré de vos désirs afin de découvrir de magnifiques œuvres disponibles dans toutes les gammes de prix. L’art n’est pas réservé à une élite et l’acquisition d’un tableau accessible aujourd’hui fera peut-être de vous un collectionneur qui a eu le nez fin dans quelques années!

Vous pourrez également vous laisser porter à la découverte de productions selon vos thèmes de prédilection, les mouvements de peinture contemporaine ayant vos préférences ou les techniques employées pour leur réalisation: peinture à l’huile, acrylique, techniques mixtes, abstrait, figuratif, portraits, paysages, nus, street art, pop art, peinture africaine, art brut, etc. Il y en a pour tous les goûts et toutes les aspirations!

Joindre la galerie de vente d’art en ligne Artalistic lorsqu’on est artiste

Si vous souhaitez exposer vos toiles sur la galerie Artalistic et bénéficier ainsi de l’une des meilleures adresses pour la vente d’art en ligne, n’hésitez pas à solliciter nos experts qui étudieront votre demande et vous répondront dans les plus brefs délais.

Merci et à bientôt sur Artalistic, la galerie de référence de l’achat et de la vente d’art en ligne!

Quel est le rôle de l’art contemporain dans la société? Thématiques et exemples concrets

Aux origines des théories des grands philosophes

Les philosophes de la Grèce antique Confucius et Socrate ont très vite compris, il y a 2500 ans,  le pouvoir qu’offrait la chose artistique dans la structuration symbolique de l’environnement humain.

Leurs enseignements propres à l’art et à la technique peuvent être considérés comme précurseurs d’une approche visant l’interprétation de l’art et de son influence sur l’humanité. Plus de deux millénaires plus tard, il est acquis depuis longtemps que l’éducation artistique et la culture esthétique participent pleinement à la maturation de l’esprit et forgent son rapport au monde sensible.

Au cours des siècles, de nombreux historiens de l’art mentionneront même l’idée que le rôle de l’art dans la société peut amener à une forme d’épanouissement mutuel et de cohésion entre les individus qui la composent : par un détour symbolique, les œuvres d’art permettraient de mieux appréhender la réalité concrète de nos organisations. 

L’art contemporain et son rôle dans la société

Peut-être davantage que l’art dit classique, la valeur esthétique de l’art contemporain détermine le déploiement de dimensions morales, instructives et éducatives. Dernièrement, on a vu que le crypto-art s’inscrit parfaitement dans cet état de fait, les nombreuses œuvres créées à partir des nouvelles technologies numériques interrogeant directement sur notre rapport à l’environnement virtuel et à l’utilisation de ces technologies dans un avenir proche.

De ce point de vue, le rôle de l’art contemporain dans la société consisterait peut-être à engendrer des thématiques en relation avec les préoccupations sociétales de l’homme. Quelles sont au juste ces grandes thématiques ?

La critique d’obédience politique: l’un des rôles de l’art contemporain dans la société

Comment ne pas associer la critique radicale de notre temps et le rôle de l’art contemporain dans la société à l’emblématique street-artiste Banksy, dont on ne connaît par ailleurs toujours pas le vrai nom? Célèbre dans le monde entier, l’auteur de la Petite Fille au ballon s’érige en véritable icône du militantisme par ses thèmes de prédilection allant de l’antimilitarisme à l’anticapitalisme en passant par ses nombreuses prises de position contre le système.

Un peu avant Banksy, au milieu du 20^e siècle, la magnifique et troublante Frida Kahlo n’était pas en reste. Très connue pour ses combats en faveur de l’émancipation des femmes, la créatrice mexicaine à la vie tumultueuse n’a jamais caché ses engagements politiques ancrés à gauche. Ainsi, en 1957, elle livrait une toile trop souvent ignorée, baptisée « Le marxisme guérira les malades ». Histoire de bien marquer ses convictions politiques façonnées par la doctrine communiste.

Autre catégorie d’un art qui peut être accepté sous le prisme politique: le land art, dont les préoccupations souvent écologiques ramènent irrémédiablement à la question aujourd’hui cruciale de la préservation de la nature et de l’environnement. Vous aurez l’occasion de voir sur cette page des réalisations grandioses entrant dans le domaine du land art.

La critique de la société de consommation de masse

Le rôle critique de l’art contemporain dans la société s’exprime avec la montée des 30 glorieuses, dans l’immédiat après-guerre, et se poursuit jusqu’à nos jours par la voix de nombreux artistes. Parmi eux, citons le sculpteur américain Duane Hanson (1925-1996), par exemple avec son fameux Supermarket Lady (1969) qui dénonce cette société de consommation basée sur le paradigme de la croissance infinie. Cette œuvre pose également un regard destructeur sur l’american way of life et le règne de la marchandise-reine.

Le pape du pop art, Andy Warhol, n’est pas en reste dans la critique de la société de consommation. Il réalisera plusieurs œuvres mettant notamment en cause le monde de la publicité à outrance par l’intermédiaire de deux compositions parfaitement illustratrices de cette prise de position: Campbell’s Soup Cans (1962), une peinture polymère synthétique créée sur 32 cadres, et Brillo Boxes (1964), un montage de boîtes de lessive exposées visant à dénoncer le packaging qui détermine les pulsions d’achat.

Les travaux de Barbara Kruger sont aussi très intéressants. Détournement de la célèbre maxime du philosophe du 17^e siècle René Descartes, son photomontage I shop Therefore I Am (J’achète donc je suis) se veut sans équivoque. L’artiste conceptuelle américaine a en outre posé un regard critique sur l’évolution virtuelle de nos sociétés accaparées par la présence des écrans. Dès 1994, elle lançait une série de compositions marquées du slogan « L’empathie peut changer le monde », invitant à une réflexion pour un monde meilleur où l’intérêt premier ne résiderait pas dans les échanges via les réseaux sociaux.

Le street art comme creuset de revendications diverses

Si l’un des rôles de l’art contemporain vise sans aucun doute à poser des constats et à faire réfléchir les personnes quant à leur cadre de vie immédiat, un autre objectif se veut carrément critique et même revendicatif. Cet argument est bien visible dans la sphère du street art. Nous avons déjà évoqué le mystérieux Banksy mais une multitude d’autres artistes sont aussi très célèbres pour leurs œuvres qui interrogent différents pans de nos sociétés.

Quasiment toutes les œuvres de street art agissent comme autant de témoignages historiques de leur époque, bousculant nos sociétés parfois léthargiques. Un capital culturel, pour reprendre les termes du sociologue Pierre Bourdieu, à ne surtout pas sous-estimer. Vous découvrirez ici 10 œuvres de street art emblématiques.

Acheter une œuvre d’art: comment procéder quand on n’y connaît pas grand-chose?

Comment rechercher et acquérir des œuvres d’art?

Connaître les lieux où acheter une œuvre d’art est aisé. Une petite recherche sur le web vous fournira de premiers renseignements. Il existe de multiples opportunités: la visite des ateliers, des galeries ou des lieux d’exposition. Il y en a forcément pas loin de chez vous. Autre possibilité: la fréquentation des salles d’enchères, même si cette solution n’est pas la plus abordable et nécessite un peu d’expérience.

Au contraire, le moyen aujourd’hui le plus facile et efficace est celui-ci: parcourir une galerie d’achat et de vente d’art en ligne depuis votre domicile. Il en existe beaucoup, la principale difficulté va consister à sélectionner une url fiable qui garantit la sécurité des procédures de transaction et vous apporte un conseil personnalisé. Et là, les bonnes adresses ne sont pas légion, une poignée d’entre elles seulement sont réputées pour leur transparence totale. Elles apparaissent régulièrement dans les premières pages de résultat sur Google, au-delà des liens sponsorisés, quand vous tapez par exemple une requête de type « Acheter de l’art en ligne ». Si vous êtes sur cette page, sachez déjà que vous êtes au bon endroit!

Savoir évaluer la qualité d’un objet

La question la plus cruciale lorsque l’on débute une collection est de pouvoir évaluer la qualité d’un objet ou d’un support. Il n’y a pas mille solutions qui permettront de vous aider. Au début, seul l’accompagnement par un expert ou un professionnel vous évitera de vous tromper.

Par la suite, avec l’intérêt croissant et les connaissances acquises, votre œil s’affinera et vous parviendrez vous aussi à distinguer la qualité intrinsèque d’une peinture, d’une sculpture ou d’une photographie. Sur Internet, en choisissant de fréquenter des sites spécialisés et référencés, vous mettez de nombreuses garanties de votre côté. Les adresses connues ne prennent jamais le risque de présenter des œuvres au rabais ou sans intérêt.

Autre point important: il est souvent admis qu’il est essentiel de privilégier la qualité à la quantité. Acheter des œuvres d’art et se lancer dans une collection réclame du temps. C’est un processus long.

Acheter une œuvre d’art: la question du budget

L’idée selon laquelle l’achat d’œuvres d’art est réservé à une élite est d’emblée à réfuter en bloc. Elle fait partie des poncifs du genre sur l’art contemporain. Aujourd’hui, acquérir une œuvre est à la portée du plus grand nombre. Il existe diverses possibilités de devenir propriétaire d’un objet artistique pour quelques dizaines voire centaines d’euros, tout dépend de l’envergure des moyens que vous souhaitez mettre à disposition pour le démarrage de votre collection.

Flairer les bonnes opportunités

Certains objets s’avèrent par ailleurs plus abordables que d’autres. C’est par exemple le cas des éditions à tirage limité sous forme de peintures, de dessins ou de sérigraphies. Une pièce unique due au système de numérotation se voit conférer une certaine valeur.

Autre opportunité à ne pas sous-estimer lorsque l’on débute une collection: miser sur les artistes émergents dont les créations sont beaucoup plus accessibles que les grandes signatures. Qui sait si, avec le temps et la cote grimpante d’un artiste, vous ne ferez pas l’investissement d’un objet à très forte valeur?

S’intéresser, évoluer, progresser

Répétons-le: savoir acheter une œuvre d’art s’apprend avec l’expérience. Le temps sera votre meilleur allié et vous parviendrez à rapidement vous familiariser avec un univers captivant. Avec l’habitude et le travail de votre œil, vous acquerrez une certaine expertise et progresserez de manière régulière dans votre rapport à l’art. Il sera alors plus aisé de ne pas vous tromper lors de l’achat d’une œuvre d’art.

N’hésitez pas à suivre l’actualité de l’art afin de voir l’évolution des tendances et de repérer les parcours des artistes qui montent.

Publié tous les ans, le rapport Hiscox sur le marché de l’art en ligne répertorie les grandes évolutions du marché de l’art contemporain sur le web. C’est là une source d’information très intéressante dont nous nous faisons l’écho de manière régulière.

Conserver et mettre en valeur ses achats

La phase de gestion d’une collection ne doit pas être prise à la légère. Au-delà de l’inventaire que vous réaliserez quand vous achèterez une œuvre d’art (nom de l’œuvre, de l’artiste, date d’achat, prix, facture, certificat d’authenticité, descriptif détaillé) intervient le questionnement au sujet du remisage et de la conservation. Vous trouverez sur cette page diverses informations sur le sujet.

Acheter une œuvre d’art et la protéger

Pour les objets de grande valeur se posera également la question de l’assurance des œuvres. Là, ce sera à vous de peser le pour et le contre d’une souscription éventuelle à une police d’assurance (détérioration, vol, etc.).

Sachez déjà que tous les matériaux sont vulnérables aux variations brusques, qu’il s’agisse des conditions d’humidité, de température ou de vibration et de chocs. La lumière et la poussière ne sont pas non plus des amis des œuvres d’art. Il faudra donc veiller à réduire l’éclairage et à maintenir une certaine propreté dans les lieux d’exposition.

Les expositions à voir à Paris en 2024

Peinture, sculpture, photographie, art classique, art contemporain ou street art: l’année s’annonce riche en événements artistiques dans la capitale française ! Galerie d’achat et de vente d’art en ligne, Artalistic vous propose une petite sélection des expositions immanquables à Paris en 2024.

Les Orientalistes, Atelier des Lumières, du 9 février 2024 au 5 janvier 2025

L'Atelier des Lumières se fend à nouveau d’une exposition magistrale, cette fois-ci à la découverte des mystères de l'Orient, notamment autour d’Ingres, Delacroix, Vernet et bien d'autres illustres artistes. 

L'Égypte des Pharaons, Atelier des Lumières, du 9 février 2024 au 5 janvier 2025

De nouveau à l’Atelier des Lumières, une exposition immersive éblouissante à la découverte des Pharaons devrait ravir les passionnés de l’Égypte antique, de Khéops à Ramsès II.

Brancusi, Centre Pompidou, du 27 mars au 1^er juillet

C’est une grande rétrospective qui permettra aux visiteurs de (re)découvrir les multiples dimensions de la création selon Constantin Brancusi (1876-1957). Au programme: 200 sculptures, des photographies, des dessins et des films de l’artiste, considéré comme l’inventeur de la sculpture moderne.

Paris 1874. Inventer l'impressionnisme, musée d'Orsay, du 26 mars au 14 juillet

Cette exposition prometteuse à Paris en 2021 célèbre les 150 ans de la première exposition impressionniste dans la capitale, laquelle réunissait 31 artistes. Quelque 130 œuvres seront présentées, proposant un regard inédit sur cette période clé qui donna naissance aux avant-gardes. 

Tina Modotti, L'œil de la révolution, Jeu de Paume, du 13 février au 26 mai

Vivez une plongée au cœur de la vie de la photographe et activiste politique d’origine italienne Tina Modotti (1896-1942), citoyenne engagée dans les luttes de son temps, notamment proche de Frida Kahlo et de son mari Diego Rivera. Près de 240 tirages de l’autrice du célèbre cliché Femme au drapeau (1927) seront visibles.  

Théodore Rousseau, La voix de la forêt, Petit Palais, du 5 mars au 7 juillet

Au milieu du 19^e siècle, le peintre Théodore Rousseau (1812-1867) est l’un des précurseurs de l’affirmation d’une nouvelle école française de paysage. Celle-ci ouvre la voie à l’impressionnisme. Elle est notamment réputée par la fréquentation du village de Barbizon et de la forêt de Fontainebleau, creuset de son inspiration. À voir au Petit Palais.

Auguste Herbin, musée de Montmartre, du 15 mars au 15 septembre

Jamais une rétrospective n’avait été organisée au sujet du peintre Auguste Herbin (1882-1960), participant actif à toutes les ruptures créatives du 20^e siècle. Cette exposition parisienne de 2024 balaiera 7 périodes de création: postimpressionnisme, fauvisme, cubisme, objets monumentaux, nouvelle figuration, première et seconde abstraction.

Revoir Van Eyck, La Vierge du chancelier Rolin, musée du Louvre, du 20 mars au 17 juin

Afin de célébrer la restauration du chef-d’œuvre de Jan van Eyck, La Vierge du chancelier Rolin, le musée du Louvre consacre une exposition à cette toile cristallisant les tensions opérant dans l’art flamand du premier tiers du 15^e siècle.

Matisse, L'Atelier rouge, Fondation Louis Vuitton, du 7 mai au 9 septembre

C’est en collaboration avec le MoMA de New York et le SMK de Copenhague que la Fondation Louis Vuitton consacre cet événement sur la genèse et l’histoire du chef-d’œuvre d’Henri Matisse, L’Atelier rouge (1911). Un temps fort des expositions à Paris en cette année 2024.

Ellsworth Kelly, Formes et Couleurs, 1949-2015, Fondation Louis Vuitton, du 7 mai au 9 septembre

Le peintre et sculpteur américain Ellsworth Kelly (1923-2015) est considéré comme l'un des plus importants représentants de l’abstraction. Sa carrière s’étend sur 70 ans. Ses temps forts seront rassemblés à la Fondation Louis Vuitton avec une centaine de pièces: peintures, sculptures, dessins, photographies émanant de musées divers et de collections privées.  

Tania Mouraud, Fluctuart, exposition à Paris du 16 février au 28 avril 2024

Fluctuart, le centre d’art urbain flottant localisé au 2 port du Gros Caillou dans le septième arrondissement de Paris propose une exposition gratuite d’œuvres d’une pionnière de l'art urbain, Tania Mouraud. Titre de l’exposition visible à Paris en ce printemps 2024: «Dans les vents de l’oubli».

L'invention de la Renaissance, BNF Richelieu, de février à juin

La Renaissance a sensiblement modifié le visage de l’Europe par un mouvement humaniste ayant touché de nombreux secteurs de la vie, et notamment les arts. Celle plongée dans l’Italie du 14^e siècle nous le rappelle de très belle façon.

Annie Ernaux et la photographie, Maison européenne de la Photographie, du 28 février au 26 mai

Prix Nobel de littérature en 2022, Annie Ernaux se voit dédier par la Mep une exposition consacrée à son œuvre sensible qui laisse rarement indifférents ses lectrices et ses lecteurs. Une sélection de photographies est mise en parallèle avec des textes, notamment extraits du Journal de dehors (1993).

Robert Ryman, rétrospective, musée de l'Orangerie, du 6 mars au 1^er juillet

Cette rétrospective en hommage à un artiste américain singulier, Robert Ryman (1930-2019), regroupe des œuvres conceptuelles et minimalistes, et autant de peintures fascinantes. À découvrir au musée de l’Orangerie.

Henry Cros, Sculpteur et Dessinateur, musée des Arts décoratifs, du 6 mars au 26 mai

Henry Cros (1840-1907) était un sculpteur et dessinateur dont l’œuvre visionnaire peut être redécouverte au musée des Arts décoratifs ce printemps. Une exposition rare à Paris en cette année 2024.

En jeu! Les artistes et le sport, au musée Marmottan-Monet, du 4 avril au 1^er septembre

Les Jeux olympiques de Paris seront le support à cette exposition consacrée aux sportifs considérés en tant que muses par les artistes. À voir au musée Marmottan-Monet.

Victor Hugo s'escrime, Maison de Victor Hugo, du 30 avril au 15 septembre

Cet événement plonge le spectateur au cœur des combats de Victor Hugo, lesquels auront été nombreux tout au long d’une vie incroyable. Rendez-vous est pris place des Vosges dans la maison même de l'une des plus grandes plumes françaises!

Frida Kahlo, Viva La Vida, Grand Palais immersif, du 18 septembre 2024 au 2 mars 2025

C’est un peu la star des expositions à Paris ces dernières années. En 2024, Frida Kahlo aura de nouveau droit aux feux des projecteurs, cette fois-ci au Grand Palais. Viva La Vida! Vous proposera une immersion exceptionnelle et originale dans la vie et la carrière artistique de cette véritable icône de l’art, par exemple à travers la découverte de son journal intime et de ses amitiés entretenues avec les grands artistes de son temps.

Intelligence artificielle et art: quelle cohabitation dans un futur proche?

L'intelligence artificielle se déploie dans de nombreuses activités et l’art n’y échappe pas, au point de soulever de multiples questions, dont celle de son influence sur la création artistique. Les avis divergent. 

La position des sceptiques: vers une mutation de la pensée artistique?

L’ère du numérique apporte chaque jour son lot de contributions et de modifications majeures à la réalité du quotidien. L’intelligence artificielle (IA) est capable de recueillir puis de développer des données numériques en vue de proposer un contenu informationnel d’un nouveau genre, au point d’effacer l’homme qui était jusqu’ici le seul et unique producteur de ce contenu.

L’artiste s’efface au profit de l’algorithme

Les critiques les plus acerbes se veulent sans équivoque et évoquent tout simplement la disparition de l’artiste devant le "tout technologie". L’intelligence artificielle et l’art s’inscrivent dans une totale hérésie qui met un terme à la conception classique de l’art séculaire. L’idée qui sous-tend que l’art pourrait voir le jour sans l’artiste est impossible. Elle soulève également l’essence même de la création originale, le fondement suprême de l‘art classique et l’unicité de l’œuvre créée des mains de l’artiste. Quand bien même le créateur de l’œuvre serait à l’origine de cette œuvre et partie prenante du processus de création en tant qu’instigateur ou émetteur de l’idée première de conception.

L’art devient ainsi une matière comme une autre et aboutit à l’obtention d’un produit de grande consommation, une marchandise-reine au milieu de la profusion d’objets disponibles dans le temple capitaliste sacré. Ce phénomène est d’ailleurs déjà bien visible dans le domaine de l’édition, certaines enseignes ont commencé à produire des livres uniquement conçus par l’intelligence artificielle. L’art ne vaut-il pas mieux que la machine? Récemment, et à titre d’exemple, Rie Kudan, lauréate du plus prestigieux prix littéraire japonais, a avoué qu'environ 5% de son roman avait été écrit par le logiciel d'intelligence artificielle générative ChatGPT…

Le processus de création spolié

Plusieurs siècles la disparition de figures telles que Cézanne, Monet ou de Vinci, l’intelligence artificielle est à même de reproduire des tableaux emblématiques en quelques secondes… et d’en inventer de nouvelles dans l’esprit de ces maîtres absolus de l’histoire de l’art. Le tout grâce à la puissance de super calculateurs transformant une suite de 0 et de 1 en une peinture bluffante de qualité.

La créativité et l’imaginaire de l’homme paraissent dorénavant inutiles au façonnage d’un chef-d’œuvre et c’est bien là le problème: l’anonymisation de l’artiste laisse la place à des robots dénués d’émotions capables de produire en série d’innombrables peintures, sculptures, photographies, etc. L’anonymisation de la création efface complètement la valeur cultuelle classique de l’art et tout ceci a en effet de quoi effrayer. Art et intelligence artificielle font-ils bon ménage?

Intelligence artificielle et art: une révolution bénéfique pour la création

Le son de cloche n’est pas le même chez les aficionados de l’intelligence artificielle qui représenterait selon eux un support novateur aux artistes afin de leur permettre de laisser libre cours à toute leur expressivité.

Des possibilités d’exploitation infinies

Premier argument: les collaborations des artistes avec les nouvelles technologies n’ont pas attendu l’intelligence artificielle pour exister. L’art contribue à l’invention de nouvelles formes de création en se servant des technologies modernes.  Le meilleur exemple en la matière étant sans doute la récente toile proposée par l’icône de l’art contemporain, David Hockney. A year in Normandy (2020) a en effet été formalisée grâce à un logiciel inédit disponible sur iPad. Cette évolution semble donc, somme toute, logique dans le flux historique marqué à notre époque du sceau de progrès techniques majeurs.

Appliquée à l’art, l’intelligence artificielle offrirait encore davantage de potentialités d’expérimentations impossibles à réaliser sans ce nouveau support technologique. En témoigne l’installation de l’artiste Refik Anadol qui emploie des algorithmes afin de faire naître une image générative en constante mutation. Cette œuvre capte des données environnementales en temps réel dans le but de créer une expérience immersive et évolutive.

Intelligence artificielle et art: un marché déjà opérant

L’intelligence artificielle et l’art constituent déjà un marché spécifique dans de nombreux domaines de la création. Tous les pans ou presque sont touchés par le phénomène, notamment tout ce qui concerne la sculpture 3D et bien entendu la peinture. Certains artistes font usage de logiciels de peinture numérique alimentés par l’IA pour dispenser des jeux de lumière et des effets de texture impossibles à réaliser avec des pinceaux et les outils traditionnels. Pour ces artistes 3.0, l’intelligence artificielle ne constitue aucunement un substitut à la créativité humaine dans la mesure où leur vision créatrice est préservée. C’est par exemple le point de vue de l’artiste allemand Mario Klingemann qui imagine des portraits et des paysages numériques à partir de l’IA, ou encore de l’Américaine Sougwen Chung qui utilise des robots munis de bras automatisés afin de créer des dessins et des peintures.

L’innovation artistique s’affirme telle une évolution naturelle de l’art et les artistes ont toujours cherché à améliorer la représentation du monde, comme les impressionnistes en leur temps décidèrent d’aller travailler en extérieur afin de retranscrire au mieux l’essence de l'environnement immédiat. L’utilisation de l’intelligence artificielle dans l’art pour initier de nouvelles formes de conscience est en tout cas une tendance réelle qui passionne de nombreuses personnes même s’il est évident que la machine ne remplacera jamais l’homme et sa supériorité psychique et sensorielle.

Everydays: the First 5000 Days, par Beeple: une vente record

Everydays: The First 5 000 Days est une œuvre d’art dématérialisée fonctionnant grâce au principe technique de la blockchain (également à l’œuvre dans le domaine des cryptomonnaies). Il s’agit plus précisément d’un collage d’art de quelque cinq mille images numériques réalisé par l’artiste américain Beeple, de son vrai nom Mike Winkelmann. 

L’égal de Koons et Hockney

Le 11 mars 2021, Beeple a défrayé la chronique en vendant son œuvre sous la forme d’un jeton non fongible (NFT) lors d’une vente aux enchères organisée chez Christie’s, pour un montant record incroyable de 69,3 millions de dollars.

Cet événement fait de lui l’un des trois artistes contemporains les plus réputés au monde, au même titre qu’un Jeff Koons (Rabbit, vendu 91 millions de dollars en 2019) ou qu’un David Hockney (Portrait of an artist, vendu pour 90 millions de dollars en 2018).

Cette vente constitue un véritable exploit quand on sait que le prix de départ de l’œuvre était fixé à 100 dollars!

Everydays: the First 5000 Days en detail

L'œuvre Everydays : The First 5 000 Days est donc un collage de 5000 images numériques vectorielles juxtaposées les unes aux autres. Toutes ces images offrent la particularité de pouvoir être agrandies sans perte de qualité.

Beeple a confié s’être inspiré de l'artiste britannique Tom Judd pour ce projet qui l’a amené à travailler de manière quotidienne depuis 2007! Les images incorporées dans le patchwork de Everydays: The First 5 000 Days représentent des personnages de la culture pop classés par ordre chronologique. Certaines images ont été dessinées à la main, même si la plupart d’entre elles ont été produites par ordinateur. On peut ainsi y voir des personnages de Star Wars, de King Kong, des Pokémon ou de Toy Story, au milieu d’images plus abstraites, fantastiques, grotesques ou absurdes, ainsi que d’autres illustrant des événements actuels et des moments plus personnels.

Un projet mûri de longue date pour ce pionnier du design numérique

Père de deux enfants, citoyen lambda vivant en Caroline du Sud, Beeple n’a pas connu la notoriété du jour au lendemain par hasard. « Cela fait 20 ans que j'essaye de convaincre les gens qu'un fichier numérique peut être considéré comme de l'art, confiait-il récemment. Je crée de l'art numérique depuis un moment maintenant. Par contre, ce truc de NFT, c'est nouveau pour moi. J'avais l'impression que ça sortait de nulle part. Tout d'un coup, j’ai compris que c’était le moyen parfait pour vendre les œuvres que je conçois depuis une décennie. »

Du premier essai, un an plus tôt, à la consécration

Beeple, très au fait de la popularité croissante des NFT au sein de la sphère de l’art numérique, décèle une opportunité rentable de pouvoir enfin donner de la valeur à ses créations.

Il prend conseil auprès de spécialistes et ouvre plusieurs comptes sur les réseaux sociaux, notamment sur Instagram. Il acquiert petit à petit plus de deux millions de followers et jouit d’une belle notoriété, parfaite rampe de lancement, avant de finaliser son projet.

Everydays: the First 5000 Days et l’explosion des NFT

Au mois d’octobre 2020, Beeple commence par sortir son premier NFT sur Nifty Gateway, une plateforme d’enchères en ligne spécialisée dans le crypto-art. Sa première vente comprenait trois pièces distinctes éditées à 100 exemplaires chacune, vendues 1 dollar… On mesurera le chemin parcouru en seulement quelques mois!

La stupéfiante croissance du secteur des NFT observée dès le début de l’année 2021 lui permet d’atteindre le Graal en quelques semaines. Fin février, une autre œuvre de Beeple baptisée Crossroads est déjà revendue pour 6,6 millions de dollars sur Nifty Gateway. La suite, on la connaît.

Un visionnaire récompensé

Sa vision a été la bonne et son sens de l’anticipation lui permet alors d’être consacré comme un créateur de génie avec le record de vente d’Everydays : The First 5 000 Days. Beeple ouvre à lui tout seul une nouvelle ère de l’art contemporain.

Aujourd’hui, Beeple est un personnage incontournable du monde de l’art, et bien davantage! Il a ainsi réalisé des collaborations de prestige avec des marques comme Nike, Apple, Samsung, Coca-Cola ou SpaceX.

Le leasing d’œuvres d’art: c’est quoi et c’est pour qui?

Vous désirez décorer de manière majestueuse vos salles de réception ou de réunion, vos bureaux, vos halls de sièges sociaux ou tout autre espace de coworking ou de passage. Le leasing d’œuvres d’art, également appelé location avec option d’achat (LOA) d’œuvres d’art, a tout pour vous séduire.

À qui s’adresse le leasing d’œuvres d’art?

Le Leasing d’œuvres d’art est une pratique qui s’adresse majoritairement aux dirigeants d’entreprises et aux personnes exerçant une profession libérale.

Ces entités sont en effet éligibles à la déduction fiscale associée à la location d'œuvres d'art à la condition qu’elles soient assujetties à l'impôt sur les sociétés (SA, EURL, SARL, SAS) ou à l'impôt sur le revenu dans la catégorie des bénéfices industriels et commerciaux (BIC).

Leasing d’œuvres d’art et charges déductibles

La location avec option d’achat d’œuvres d’art concerne en effet, et surtout, les possibilités d’investissement dans un tableau ou une sculpture tout en réalisant d’importantes économies d’argent.

Ce procédé d’acquisition d’une œuvre d’art offre des avantages fiscaux substantiels, la LOA étant dans ce cas soumise aux règles standard des dépenses déductibles du résultat net d’une organisation, conformément à l'article 39-1 du code général des impôts (CGI). Résultat: vous embellissez votre environnement tout en bénéficiant d’une réduction des charges d'impôt sur le revenu.

Du point de vue pratique, les frais liés à la LOA d’œuvres d’art dans le cadre de la décoration et de l'aménagement des locaux d’entreprise sont affiliés au compte 6068 du plan comptable général.

Bon à savoir: conformément à l'article 238 bis AB du code général des impôts, le montant intégral des loyers versés peut être déduit de l'impôt sur les sociétés et de l’impôt sur le revenu. Ce mécanisme propre au leasing d’œuvres d’art est vraiment très intéressant. 

La mise de la location d’œuvres d’art (LOA)

Avec Artalistic, le leasing d’œuvres d’art, c’est simple et facile! Nous vous accompagnons tout au long du processus qui s’établit comme suit:

- le choix des œuvres: il dépend de plusieurs facteurs, notamment de l’image de l’entreprise, de ses valeurs, ainsi que des conditions et lieux d’exposition. L’important est de créer un espace qui vous ressemble et retranscrit parfaitement la culture d'entreprise, avec des répercussions positives sur la stimulation, l’inspiration et la créativité de l’ensemble des collaborateurs;

- la mise en place du contrat de location d’œuvres d’art: elle s’effectue en fonction de votre situation et de vos préférences. Diverses prestations sont possibles, par exemple la personnalisation du montant des mensualités dans le cadre d’une LOA. Nos experts vous renseignent sur les opportunités optimales de financement pour vous;

- la livraison: une fois tous les documents rédigés et signés, concrètement ou par signature numérique certifiée, vous réceptionnez dans vos locaux les œuvres choisies, dans des conditions de savoir-faire et d’assurance qui ne laissent rien au hasard;

- l’acquisition: en fin de contrat de leasing d’œuvres d’art, possibilité vous est donnée de restituer les œuvres, de repartir sur un nouveau contrat ou de les acquérir selon un montant défini au préalable. Si vous avez signé une option d’achat, vous avez en outre le choix d’échelonner les paiements sur une période allant de 13 à 48 mois.

Les principaux avantages de la location d’oeuvres d’art avec option d’achat (LOA)

Voici un résumé des principaux avantages liés au leasing d’œuvres d’art:

- la possibilité d’acquisition à moindre coût d’une peinture, d’une sculpture, d’un dessin, d’une photographie, d’une édition limitée ou de tout autre objet artistique,

- la valorisation auprès des clients de l’image de votre entreprise,

- la réduction d’impôt, pour les entreprises comme pour les professions libérales,

- l’étalement des coûts dans le temps, programmable sur plusieurs années.

Artalistic et la location d’œuvres d’art avec option d’achat (LOA)

Pour bien réussir dans votre quête de location d’oeuvres d’art avec option d’achat (LOA), l’accompagnement d’un expert en la matière est nécessaire. Galerie de référence de vente d’art en ligne, la plateforme Artalistic est également spécialisée dans le leasing d’œuvres d’art. Son équipe travaille en étroite collaboration avec la société Bail Art, leader dans son activité.

Les avantages Artalistic

Avec Artalistic, vous profitez de l’expérience d’une équipe experte dans le leasing d’œuvres d’art. Son catalogue très riche vous offre l’embarras du choix:

- des dizaines d’artistes internationaux reconnus ou en devenir sélectionnés par nos soins,

- des milliers d’œuvres d’obédience art contemporain dans une multitude d’univers créatifs,

- un accompagnement personnalisé et sur-mesure qui vous guide dans vos choix.

N’hésitez pas à contacter notre équipe pour de plus amples renseignements!

Raisons et conseils pour offrir une œuvre d'art à Noël: pourquoi et comment?

Pourquoi se décider pour un tel cadeau à Noël?

Un geste pas plus onéreux qu’un autre

Une idée commune, mais fausse, largement répandue dans l’imaginaire contemporain, consiste à dire que l’art, c’est cher. Mais non, absolument pas! L’art est à portée de tous les porte-monnaie et offrir une œuvre d’art ne va pas forcément vous ruiner. De nombreux tableaux et sculptures sont abordables et pas seulement réservés à une élite fortunée. En cherchant un peu, vous pouvez aujourd’hui dénicher des créations uniques d'une grande qualité artistique à des montants équivalents à ceux d’une reproduction, par exemple. La majorité des artistes ne bénéficient que peu des feux médiatiques et leurs préoccupations sont très souvent éloignées du mercantilisme et du marketing.  Ils proposent donc des gammes de prix très raisonnables. Par ailleurs, le tarif élevé d’une œuvre n’est pas non plus un gage de qualité.

Un cadeau d’exception   

Même un offrant de petites œuvres d’art telles qu’une lithographie ou une édition reproduite numérotée, vous choisissez un cadeau original et rare, inoubliable et précieux. Un objet banal ou commercial ne bénéficiera pas d’un impact émotionnel aussi chargé. Par ce geste, vous montrez à la personne qu’elle est très importante à vos yeux, c’est la une preuve sentimentale indéniable, qu’elle concerne l’amitié ou l’amour. Un cadeau personnel pour la femme ou l'homme de votre vie, vos parents, vos enfants, les membres de la famille ou les amis sort vraiment de l’ordinaire.

Une partie de vous-même

Offrir une œuvre d’art, c’est un peu offrir une partie de vous-même. Un cadeau reçu possède en effet l’empreinte de celui ou de celle qui en est à l'origine, et un tableau ou toute autre création portera votre signature pour longtemps, et même pour la vie. Une peinture ne brille pas seulement par son esthétique, mais aussi par l’intention qui se dissimule par la personne qui la choisit pour vous. La dimension affective est ici portée à un très haut degré d’expression, impliquant un regard singulier de la part du donneur.

Faites comme pour vous!

Dans l’ordre d’idée précédent, il est fortement conseillé de ne pas offrir une œuvre d’art que vous n’aimez pas vraiment et que vous n’exposeriez pas chez vous. Les émotions que l’on éprouve devant un tableau reposent sur un réflexe de type affectif, elles sont quasi similaires à celles que l’on ressent en présence de l’être aimé ou d’un ami. L’art procure des sensations régulièrement renouvelées et revêt de fait un caractère naturel, un geste auquel on ne pense pas forcément de prime abord!

Conseils pour offrir une œuvre d’art à Noël

Se renseigner sur les goûts du destinataire

Offrir une œuvre d’art ne s’improvise pas. Il est d’abord conseillé de bien se renseigner sur le destinataire et de connaître ses penchants en la matière. Les goûts et les couleurs, ça ne se discute pas, et il va falloir en tenir compte! Quel art est son préféré, la peinture, la photographie, la sculpture? Quel mouvement aime-t-il par-dessus tout, l’impressionnisme, l’art abstrait, le pop art? Toutes ces questions méritent d’être posées afin de mener votre entreprise à bien. 

Déterminer votre budget

Si l’art se démocratise fortement depuis des années et s’affiche comme accessible au plus grand nombre, il conviendra malgré tout de déterminer un budget, ce qui permettra également de guider vos choix et de cloisonner les possibilités d’achat. Surtout, n’oubliez pas, comme nous l’avons déjà évoqué un peu plus haut, la valeur d’une œuvre d’art ne dépend pas de son prix.

Le lieu d’exposition

Offrir une œuvre d’art sera chose plus aisée si vous connaissez l’endroit où celle-ci sera exposée. Accorder un tableau ou une sculpture à son environnement lui confère une aura supérieure. Car l’œuvre d’art révèle des secrets changeants selon le contexte d’exposition, la variabilité de la lumière, les humeurs, les regards… Si vous savez à quoi ressemble le domicile du destinataire du cadeau, son appartement ou sa maison, c’est donc parfait!

Offrir une œuvre d’art et la personnaliser

Si vous avez la possibilité de faire dédicacer l’œuvre d’art par son auteur, c’est le top ! Dans le cas contraire, il existe différents moyens de la personnaliser, par exemple en la faisant encadrer de manière subtile dans le cas d’une peinture ou d’un dessin.  Cette touche personnelle ajoutée à votre cadeau aura de grandes chances de séduire.

2023: une nouvelle réussite pour Paris+ par Art Basel

C’est du 20 au 22 octobre dernier que s’est tenue la nouvelle édition de la foire d’art contemporain. Paris+ par Art Basel avait été lancé en 2022 en remplacement de la célèbre FIAC. Le rendez-vous incontournable de tous les fans d'art contemporain a séduit le public par des propositions artistiques de choix.

Des chiffres impressionnants

Pour cette deuxième édition, près de 160 galeries issues de 33 pays ou territoires ont investi le Palais éphémère, à Paris. Au programme: de nombreuses expositions et installations visibles gratuitement, l’une des clés probables du nouveau succès rencontré par l’événement.

La foire était divisée en trois secteurs: Galeries principales, Galeries émergentes et Sites hors les murs. Des œuvres d'art contemporain de qualité exceptionnelle ont été présentées à un public enthousiaste, parmi lesquelles peintures, dessins, sculptures, installations, photographies, vidéos, arts numériques. 

Les temps forts

Des chefs-d’œuvre des 20^e et 21^e siècles aux propositions émergentes de la jeune génération, les visiteurs ont pu apprécier une déclinaison de l’art contemporain sous ses formes les plus variées. Il est bien sûr impossible de dresser tous les succès rencontrés par les exposants, même si certains d’entre eux ont retenu notre attention. Il en va ainsi:

- du peintre français Jean Hélion avec ses œuvres Applicat-Prazan,

- des œuvres d’artistes du courant art brut, parmi lesquels Paulina Peavy et Karla Knight,

- des travaux d’artistes du Moyen-Orient et d’Afrique du Nord issus de la Selma Feriani Gallery,

- des œuvres de l’artiste indigène brésilien Denilson Baniwa et du peintre afro-brésilien Arjan Martins.

On notera également le très intéressant programme de conversations organisé en collaboration avec le Centre Pompidou, riches en échanges fructueux.

Paris+ par Art Basel 2023: des événements dans l’ensemble de la capitale

Si le secteur «Galeries Émergentes» a connu un vif succès en présentant de jeunes artistes en devenir, les divers événements organisés hors les murs ont réuni une foule considérable. Différents projets artistiques se donnaient en effet à voir dans de multiples endroits au cœur de Paris, au-delà des frontières du Grand Palais éphémère. Une autre très belle réussite pour ce Paris+ par Art Basel 2023.

Jardin des Tuileries

Au Jardin des Tuileries, près de vingt artistes internationaux ont exposé leurs créations au public. Les visiteurs ont ainsi pu profiter d’une belle promenade dans les allées du jardin en marchant entre des œuvres éphémères réalisées par les grands noms de l’art contemporain. Baptisé La Cinquième saison, cet événement en plein air s’est affirmé comme l’un des temps forts de Paris+ par Art Basel 2023.

Place Vendôme

L’écrin de la place Vendôme est propice à l’organisation de performances artistiques. Comme l’année dernière, elle a accueilli un événement spectaculaire: l’installation d'Urs Fischer nommée Wave. Cet artiste de renommée mondiale avait été choisi pour présenter une construction monumentale faite d’argile et recouverte d’un matériau reflétant la lumière et jouant sur les textures. Un savoir-faire technique et une proposition artistique qui ont ébahi les nombreux visiteurs.

Institut de France

Paris+ par Art Basel 2023 s’est également déplacé juste en face du Pont des Arts, précisément sur le parvis de l’Institut de France, temple des sciences et des arts. Au programme: une création de l'artiste américaine Sheila Hicks, notamment réputée pour son travail employant les matières textiles ainsi que son univers coloré. Cette installation imposante a aussi séduit et même fasciné, les couleurs changeant au gré des variations de lumière.

Chapelle des Petits-Augustins

À la Chapelle des Petits-Augustins, la peintre Jessica Warboys a présenté plusieurs œuvres emblématiques de son style et de sa technique si particulière du collage. L’exposition mettait en avant des peintures flottantes conçues à l’aide de matériaux naturels tels que la cire d'abeille, le sable, différents minéraux, etc. Cette présentation était doublée d’une installation audiovisuelle faisant le lien entre les hommes et la nature, emportant les visiteurs dans une forêt séculaire, dans un couvent du 17^e siècle ou dans une bibliothèque dorée. Mystique et beau. Un autre grand moment.

Palais d’Iéna, site incontournable de Paris+ par Art Basel 2023

Lors de cette édition de Paris+ par Art Basel 2023, on aura aussi pu découvrir l’œuvre du Français Daniel Buren et de l'italien Michelangelo Pistoletto, qui ont laissé parler leur inspiration au cours d'un travail commun. Leur installation a sublimé l’architecture du Palais d’Iéna par un jeu sur les lumières, les perspectives et la symétrie.  Il en est ressorti un dialogue sur les volumes et les niveaux d’observation vraiment bluffant. Un autre sommet de l’événement.

Histoire et logiques de l’art contemporain

Il est communément admis que la naissance de l’art contemporain se situe à la fin de la Seconde Guerre mondiale. Plusieurs mouvements y sont associés, tels que l’art figuratif, l’hyperréalisme, le pop art, le street art, l’art féministe, l’art conceptuel, l’art vidéo, l’art numérique, etc. Car, plus qu’un phénomène temporellement inscrit, l’art contemporain captive par sa capacité à se renouveler constamment, transcendant les codes, les techniques et les supports qui permettent son expansion.

Appréhension idéologique et pratique

Interrogeant leur époque, les œuvres d’art contemporain bénéficient de fait des progrès de la technique qui permettent des formes de représentation multiples et sans limites via différents supports et processus de création: la peinture, la photographie, la sérigraphie, les technologies numériques, etc.

De nouvelles perspectives

L’art contemporain est donc synonyme d’un renouveau stylistique qui transcende les canons de l’art classique et moderne et élargit la palette d’expression des artistes. Le champ des arts plastiques constitue son univers de prédilection. La notion de concept est au cœur de son ontologie, la quête essentielle de nouvelles opportunités d’expression l’opposant formellement et fondamentalement à l’art figuratif. Sa visée critique et son questionnement du réel se révèlent à travers ses différentes approches et ses diverses contradictions. L'art contemporain se donne comme le reflet des crises de la société en même temps qu’il se définit tel un lieu d'expression de valeurs.

De Paris à New York en passant par Londres, l’art contemporain se décline sous une pluralité d’apparences héritées de l’art moderne notamment initié par les impressionnistes à partir de 1850 et pendant toute la première partie du 20^e siècle. Le désir de sortir l'art des lieux traditionnels et institutionnels et de le déplacer en extérieur s’érige comme l’une de ses composantes majeures. De nombreux artistes adoptent le fait de pouvoir s’adresser de façon directe au public, une interaction révolutionnaire dans le cheminement et la transmission de l’art entre émetteur et récepteur.

La notion d’expérimentation dans l’art contemporain

L’expérimentation représente une posture implantée au cœur de l’art contemporain, lequel délaisse la réalité idéalisée propre à l’art moderne. Cette discipline inédite explore de nouveaux territoires en repoussant sans cesse les barrières de la création.

Si l’art contemporain perd graduellement sa fonctionnalité représentative à travers le temps, il s’affirme surtout avec force et vigueur à partir des années 1960 et l’émergence du pop art, mouvement qui opère une rupture radicale par rapport à l’art moderne.

Le pop art s'affiche par ailleurs comme un art politique qui pointe les dérives de la société de consommation dans les pays industrialisés.

Quelles évolutions possibles?

L’apparition de la photographie au 19^e siècle a exercé une influence directe sur l’art contemporain et sa représentation du réel, plus fiable et meilleure que la peinture, par exemple. Et, au-delà, l’art contemporain s’affranchit même du désir de vouloir à tout prix représenter le réel pour laisser libre cours aux nouvelles idées et expérimentations qui le définissent. Au point qu’art digital et art classique se mélangent parfois!

Art contemporain et révolution technologique

À partir des années 1980, l’art vidéo et l’art numérique offrent une multitude de possibilités conceptuelles encore renforcées par l’apparition de l’Internet un peu plus tard. Ces nouveaux dispositifs de médiation sont concomitants de l’entrée de l’art contemporain dans l’ère de la globalisation. Les arts à forte composante technologique progressent et suivent les avancées de la recherche industrielle en la matière, leur expression la plus aboutie à ce jour étant illustrée par le domaine du crypto art.

La création émancipatrice

Les nouvelles technologies de l’information et de la communication induisent de nouveaux enjeux et démocratisent parallèlement l’art contemporain. Ce dernier touche désormais de plus en plus d’artistes issus des pays dits « en voie de développement », jusque-là très peu présents sur la scène internationale.

L’art contemporain s’universalise et tisse de multiples passerelles dans le village global qu’est aujourd’hui notre planète. Les paradigmes de la mondialisation et l’effacement des repères spatio-temporels classiques aboutissent à la valorisation de nouveaux modes d’approche de l’art contemporain aux quatre coins du monde. L’interdisciplinarité des champs d’expression définit des formes de création illimitées.

Un objet artistique autant que sociétal

De plus en plus de programmes institutionnels soutenus par les politiques publiques et les grandes fondations privées voient le jour. Citons, à titre d’exemple, pour la France, la création du réseau national des Centres d’art contemporain, lieux de sensibilisation, d’exposition et espaces de création et d’expérimentations.

Il existe dans le pays 23 Fonds régionaux d’art contemporain (FRAC) qui les financent. Ces derniers sont à l’origine de l’organisation de plus de 600 événements et expositions chaque année. Cette prise en charge par la collectivité traduit l’importance qu’occupe aujourd’hui l’art contemporain dans notre société.

Une polémique qui n’a plus lieu d’être

Art classique et art digital: un clivage en passe de s’effacer

Même s’ils sont encore nombreux à considérer aujourd’hui que l’art numérique relève de la tricherie, de la supercherie et du factice, de plus en plus d’artistes s’inscrivent dans une démarche opposée. Ces derniers défendent même une conception inédite de l’enrichissement de l’art classique par les nouvelles solutions offertes par l’art digital, estimant que leurs créations apparaissent en fin de compte comme tout aussi authentiques que les œuvres d’art traditionnelles. 

Les potentialités de l’art digital

Art classique et art digital ne formeraient donc plus deux domaines distincts et les plus grands noms de l’art contemporain en témoignent, comme nous le verrons dans la deuxième partie de cet article.

Faut-il craindre que la technologie ne supplante les formes traditionnelles de création et qu’elle s’érige telle une menace pour l’œuvre d’art physique séculaire qui a fait l’histoire de l’art? Si cette vision respectable est encore défendue par certains artistes et critiques, de plus en plus d’artistes se réjouissent au contraire des possibilités apportées par l’art numérique et l’intelligence artificielle.

Indépassable valeur cultuelle de l’art classique

Si l’art digital occupe une place croissante — il est de plus en plus présent dans notre quotidien (médias, marketing, etc.) —, l’art classique n'est pas pour autant en voie d'extinction. Il demeure incontournable. Ainsi, les galeries, musées et autres maisons de vente ne disparaîtront pas, qu’on se le dise! L’aura de l’œuvre d’art unique, concrète et éblouissante attirera toujours les regards.

Les principes fondamentaux de la création sont immuables et les techniques qui ont traversé les siècles formeront à jamais des références archétypales, qu’elles concernent les théories de la couleur, la composition, les expressions graphiques ou esthétiques, etc. Pour autant, de nombreux artistes n’hésitent pas à faire appel aux nouvelles technologies informatiques dans le processus de création, et certains sont immensément réputés!

5 artistes célèbres maniant l’art classique et l’art digital

David Hockney

Les différents champs de l’art digital explosent et l’immense David Hockney, célèbre auteur du tableau A Bigger Splash, n’y est pas resté insensible. L’exposition qui lui a été consacrée fin 2021 par le musée de l’Orangerie à Paris a connu un vif succès, notamment cette grande frise peinte représentant sa maison et son jardin. Celle-ci a été réalisée à partir de la technologie numérique disponible sur sa tablette iPad! C’est en effet à l’aide de son iPad et d’un logiciel spécialement conçu pour lui que cette peinture monumentale de 90 mètres de long est née! Baptisée A Year in Normandy (2020), elle donne à observer la variation de saison en Normandie où ce chantre du pop art vit depuis 2019.

Marina Abramovic

La photographe et vidéaste Marina Abramovic s'est fendue en 2019 d'une performance des plus remarquées en réalité virtuelle, The Life (2019). Le public était présent dans une salle vide, muni d’un casque VR. L’artiste y réalisait sa performance à partir d’une modélisation 3D conçue par son inventivité et sa maîtrise des nouvelles technologies. Une manière de porter la réflexion sur la place de l’artiste dans l’univers de la création.

Jeff Koons

L’illustre Jeff Koons tisse depuis de nombreuses années les passerelles entre art classique et art digital. Le plasticien néo-pop américain fait ainsi régulièrement appel à des ingénieurs et à des modélisateurs 3D afin de conceptualiser ses œuvres qui sont ensuite envoyées aux responsables d’ateliers qui les fabriquent. Dès 2017, il collaborait également avec le réseau social Snapchat avec pour objectif de proposer des œuvres en réalité augmentée dans des lieux publics. Enfin, Jeff Koons a été l’un des premiers artistes à sortir des versions NFT de certaines de ses modélisations 3D. Un précurseur dans bien des domaines, en somme!

Damien Hirst

Autre adepte de l’art crypto, notamment avec le lancement du projet de 10000 NFT appelé The Currency, le Britannique Damien Hirst, leader des YBA (Young British Artist) dans les années 1990 a réalisé de nombreuses toiles connues sous le nom de Spots paintings. Celles-ci représentent des ronds de couleur juxtaposés à l’aide de l’informatique, sans que l’artiste n’intervienne jamais.

Jérôme Oudot «Trëz»

Le Français Jérôme Oudot, dit Trëz, n’est pas le plus connu de ce petit panorama. Son travail est pourtant très intéressant dans la mesure où il marie à merveille art classique et art digital. Il est à l'origine de créations numériques à partir de dessins sur papier, lesquels sont scannés puis améliorés via une interface informatique. Ses œuvres sont ensuite imprimées sous différents formats et supports en éditions limitées. Un artiste à suivre avec attention au cours des prochaines années.

Photo: Rémy de la Mauvinière (AP-SIPA).

Une exposition immanquable sur les œuvres de 2010 à 2022  

À la fois moderne et contemporain, Pierre Soulages (1919-1922)est associé dès la fin des années 1940 à l'art abstrait. Ce grand nom de l’art est très connu pour son usage particulier des reflets de la couleur noire, termes génériques désignés sous les appellations «outrenoir» ou «noir-lumière». Nous vous en parlions il y a quelque temps dans un article consacré à son œuvre.

Un siècle d’histoire artistique

Pierre Soulages, c’est aussi une vie de plus d’un siècle dédiée à la création sous ses formes les plus variées, de la décoration théâtrale à la gravure, en passant par le travail sur céramique ou l’activité d’illustrateur. Une immense carrière d’une richesse inouïe dont les derniers développements picturaux sont mis à l’honneur en ce moment par le musée Soulages de Rodez à travers l’exposition «Les derniers Soulages: 2010-2022».

Des tableaux de Pierre Soulages encore jamais exposés

Même au crépuscule de sa vie, Pierre Soulages continuait à peindre. Directeur du musée, Benoît Ducron explique que l’artiste a créé environ 300 tableaux au cours des dix dernières années de son existence, dont une cinquantaine est mise à l’honneur lors de cette exposition temporaire. Ils proviennent de l’atelier de l’artiste et de collections privées.

Direction Rodez au musée Pierre Soulages!

Sa toute dernière toile, datée du 15 mai 2022, soit moins de six mois avant sa disparition, a été réalisée sur sa terrasse ouverte sur la mer Méditerranée. Cet ultime tableau empli de nostalgie côtoie six autres œuvres tardives de Pierre Soulages en provenance d’une donation effectuée par la veuve du créateur aveyronnais. Un ensemble de cinq peintures, de grands formats verticaux, sont également réunis pour la première fois jusqu’au mois de janvier 2024. Il est encore temps de vous rendre à Rodez si ce n’est déjà fait!

Même après sa mort Pierre Soulages continue à faire l’actualité!

D’une rive à l’autre

L’éditeur Actes Sud a récemment publié un excellent ouvrage, «Soulages, d’une rive à l’autre», un livre parfait pour se plonger dans le parcours de Pierre Soulages. Écrit par  Michaël de Saint-Chéron et Matthieu Séguéla, ce volume met l’accent sur l’œuvre ainsi que sur le cheminement  du natif de Rodez.

On y découvre les références qui ont amené Pierre Soulages à peaufiner une vision inimitable de l’archéologie et l’art pariétal à l’abstraction en passant par Conques et l’art roman. Des noms tels que ceux de Picabia, Hartung, Atlan, Senghor, Georges Duby ou Jacques Le Goff apparaissent au cours d’un récit passionnant, sans oublier le Japon, pays que Pierre Soulages appréciait.

En toile de fond, on distinguera une analyse érudite de l’ «outrenoir» via le prisme novateur de sa confrontation à l’histoire du XX^e siècle et au dialogue des cultures et des arts.

Le mystère de la liquéfaction des tableaux

Pierre Soulages a récemment fait également l’actualité à propos du mystère entourant la liquéfaction de la peinture de certaines de ses œuvres. En effet, les couches de peinture apposées sur certains de ses tableaux exécutés dans les années 1960 ont tendance à se ramollir et à couler.

Cet étrange phénomène interpelle les scientifiques qui sont pour l’heure incapables d’en expliquer la raison. Habituellement, lorsqu’une peinture vieillit, elle se craquelle et devient cassante, à l’inverse de ce qui est observé avec ces toiles de Soulages.

Une mission d’investigation

Une mission d’inspection a été confiée à une équipe du CNRS et à l'Institut d'optique de Saint-Étienne. L’objectif vise à tenter d’expliquer le phénomène et surtout à proposer des techniques qui pourraient permettre de limiter, voire de prévenir les altérations observées sur les tableaux.

Les toiles concernées ont été peintes entre décembre 1959 et mars 1960.

Deux arguments ont pour l’instant été retenus: une peinture de mauvaise qualité vendue par le fournisseur et des conditions de séchage qui n’auraient pas été optimales. «Ce sont des toiles qui ont été exposées immédiatement après leur création, dans des expositions qui sont parfois parties très loin, donc qui ont été stockées tout de suite dans des caisses, mises dans l'obscurité et avec des variations de climat», livre Pauline Hélou de la Grandière, restauratrice spécialiste de Soulages. Affaire à suivre!

5 couples célèbres dans l’art

Cet article fait suite au texte publié il y a quelques mois dans lequel nous retracions déjà la vie de cinq autres couples d’artistes mythiques.

Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely

Parmi les couples célèbres de l’histoire de l’art figure bien évidemment celui formé par Niki de Saint Phalle (1930-2002) et Jean Tinguely (1925-1991), tous deux éminents sculpteurs. Leur mariage intervient en juillet 1971, plus de 15 ans après leur rencontre, époque où ils étaient chacun en couple. Leur première collaboration les marque à jamais, elle préfigure une aventure hors du commun au cours de laquelle les deux amants deviennent inséparables. Membres du groupe des Nouveaux Réalistes, ils mûrissent leur amour au gré des réflexions et des échanges artistiques, Jean Tinguely jouant souvent le rôle d’assistant et de conseil auprès de la plasticienne franco-américaine.

Malgré des divergences parfois grandes quant à leur objet d’étude, ils resteront unis jusqu’à la mort de Jean, lequel déclara: « Nous sommes deux sculpteurs attachés l’un à l’autre, qui vivent dans deux mondes très différents, opposés dans les matériaux, opposés idéologiquement. On se combat. » On doit à Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely des réalisations somptueuses telles que la Fontaine Stravinsky qui jouxte le Centre Pompidou ou encore le Cyclop de Milly-la-Forêt. Le Jardin des Tarots, en Toscane, est considéré comme l’œuvre emblématique de Nikki de Saint Phalle.

Christo et Jeanne-Claude

Christo (1935-2020) Vladimiroff Javacheff est né en 1935 en Bulgarie. Après la guerre, il étudie les beaux-arts, avec une prédilection pour le dessin. Fuyant le régime communiste imposant des directives propagandistes aux artistes, il s’installe à Vienne puis à Paris en 1958. C’est dans la capitale française qu’il rencontre Jeanne-Claude Denat de Guillebon (1935-2009). Hasard ou coïncidence de la vie, celle-ci est née le même jour que Christo, le 13 juin 1935! Dans les années 1960, le couple fréquente lui aussi les Nouveaux Réalistes à une époque où l’art gagne la rue et l’environnement extérieur.

Christo commence à empaqueter ses premiers objets, bouteilles et meubles, inventant ainsi sa signature artistique. Christo et Jeanne-Claude partent s’installer à New York en 1964 et deviennent rapidement inséparables. Ils forment un binôme complémentaire au sein duquel Christo dessine, Jeanne-Claude gérant la logistique et la concrétisation de projets de plus en plus monumentaux: l’empaquetage complet de monuments, de sites, de paysages. Parmi les principales réalisations du célèbre couple d’artistes, citons l’emballage du Pont Neuf, à Paris, en 1985, ou celui du Reichstag, à Berlin, en 1995. L’installation The Gates, un parcours de trente-sept kilomètres au cœur de Central Park, à New York, en 2005, a également marqué une carrière bien remplie.

Marina Abramovic et Ulay

L’artiste serbe Marina Abramovic, née à Belgrade en 1946, rencontre en 1975 Frank Uwe Laysiepen, plus connu sous le nom d’Ulay (1943-2020). Les deux performeurs vivront une vie de romance pendant 12 ans, parsemée de créations emblématiques marquées du sceau de l’art engagé. À travers des performances originales, parfois extrêmes, le duo explore diverses notions telles que celles du mouvement, de la liberté, de la vie et de la mort.

L’approche de ce couple célèbre d’artistes remet en cause les expressions plastiques traditionnelles, par exemple à travers Rest Energy (1981), œuvre majeure brouillant les frontières entre art et vie, ambitieuse exploration des limites du corps, de l’ego et de l’union. En 1988, après s’être rejoints sur la muraille de Chine à l'occasion d'un happening, ils se séparent. En 2010, leurs retrouvailles sont bouleversantes lors d’une performance donnée par Marina Abramovic au MoMA de New York, au cours de laquelle l’artiste contemporaine ne peut résister à saisir par la main son amour d’antan, enfreignant les règles conceptuelles de sa performance. Une séquence vraiment poignante passée à la postérité.

Mitchell et Riopelle

C’est dans un café du boulevard Saint-Germain à Paris que Joan Mitchell (1926-1992) rencontre en 1955 le Canadien Jean-Paul Riopelle (1923-2002). La peintre américaine est déjà reconnue comme un membre important de l’École de New York. Dès ses 20 ans, elle travaille dans l’atelier d’Hans Hofmann et découvre l’avant-garde new-yorkaise, notamment Jackson Pollock.

Son histoire d’amour avec le peintre, graveur et sculpteur québécois durera 25 ans, un quart de siècle fait d’échanges et de travaux collaboratifs oscillant entre l’expressionnisme abstrait américain et l’abstraction lyrique à la française. Le célèbre couple d’artistes élabore des toiles aux dimensions gigantesques, inspirées par le sentiment de la nature, dans lesquelles la surface peinte absorbe physiquement le spectateur. La technique du « all over » chère à Pollock n’est jamais loin.

Ce couple de la démesure signera diverses œuvres, parmi lesquelles La Fontaine de Mitchell (1957) répondant aux Labours sous la neige (1957), de Riopelle, socle d’une admiration partagée pour Van Gogh. Ils s’étaient installés en Normandie mais l’aventure se terminera en 1979 après que Riopelle décida de regagner son Québec natal au bras d’une jeune artiste.

Les Lalanne, le plus fusionnel des célèbres couples d’artistes

La sculptrice Claude (1925-2019) et le graveur-sculpteur François-Xavier (1927-2008) Lalanne ont de tout temps partagé les mêmes centres d’intérêt et un univers poétique similaire qui les a naturellement rapprochés. Ce célèbre couple d’artistes était très fusionnel. Tous deux s’étaient rencontrés 1952, année à partir de laquelle ils ne se quitteraient plus jusqu’à la disparition de François-Xavier en 2008. Amis d’Yves Saint Laurent et de Pierre Bergé qui leur ont permis l’accès aux musées, ils travaillaient côte à côte dans le même atelier à Ury, près de Fontainebleau.  

Faune et flore sont omniprésentes dans leurs créations qui ont traversé la deuxième moitié du 20^e siècle en dépit des modes, entre la recherche de formes surréalistes, facétieuses et fantaisistes. Les moutons en ciment et en bronze de François-Xavier Lalanne sont passés à la postérité. Après la mort de Claude en 2019, la dispersion du contenu de leur maison-atelier a été accomplie avec un franc succès par Sotheby’s à Paris.

5 expositions immanquables en cours et à venir à Paris pour la rentrée 2023

Corps à corps, histoire(s) de la photographie, Centre Pompidou, du 6 septembre 2023 au 25 mars 2024

Ce ne sont pas moins que deux siècles de photographie et des centaines de regards posés sur le corps, l'humain que propose le Centre Pompidou à travers l'exposition Corps à corps, histoire(s) de la photographie, en cours à Paris pour la fin d’année 2023, et jusqu’en mars 2024.

Plus de 500 photographies des 20^e et 21^e siècles en provenance de la collection publique du musée ainsi que des trésors personnels de Marin Karmitz plongent les visiteurs dans l’art du portrait, de l'autoportrait et du nu.

L'humain est ainsi mis à l'honneur via le prisme d’artistes reflétant une représentation singulière des hommes et des femmes, mettant en exergue les émotions gratifiant que nous sommes toutes et tous des êtres uniques à la personnalité propre. Au programme, donc, des œuvres de Berenice Abbott, Walker Evans, Henri Cartier-Bresson, Shomei Tomatsu, Barbara Probst, William Klein, Andy Warhol, Helga Paris, Vivian Maier, Man Ray et bien d'autres!

Trésors en noir et blanc, les grands maîtres de l'estampe, Petit Palais, du 12 septembre 2023 au 14 janvier 2024

Le Petit Palais réunit les grands maîtres de l'estampe pour une exposition regroupant de multiples trésors en noir et blanc. Au programme: Goya, Toulouse-Lautrec, Rembrandt, Dürer, entre autres!

Plus de 200 œuvres situées entre le 15^e et le 20^e siècle, signées par les plus grands artistes du genre nous plongent dans la richesse et la complexité de l'estampe, art majeur parfois délaissé, voire sous-coté.

Le public découvrira au total 45 artistes lors d’un parcours qui se veut didactique et initiatique, présentant des pièces inédites et méconnues telles que La Pièce aux cent Florins de Rembrandt ou des épreuves de la Tauromachie de Goya.

Cet événement sera aussi l’occasion d’effectuer un magnifique voyage dans l’histoire de l’art, de la Renaissance italienne à l'art moderne, tout en revivant la période romantique, naturiste, le classicisme.

Gertrude Stein et Pablo Picasso, musée du Luxembourg, du 13 septembre 2023 au 28 janvier 2024: une exposition en cours à Paris très attendue en 2023

Cette exposition artistique exceptionnelle bientôt en cours à Paris dès le 13 septembre 2023 présente les liens qui unissaient la poétesse et écrivaine américaine Gertrude Stein (1874-1946) au jeune Pablo Picasso.

Le parcours est scindé en deux parties. L’une se focalise sur l'originalité du travail de Stein et de Picasso posant un panorama d'ensemble de la scène artistique de l'époque à travers la peinture, le théâtre, la poésie et la musique de Warhol, Nauman, Wilson et Glass. L’autre partie s’intéresse à l'amitié qui liait Gertrude Stein et Pablo Picasso, née de leurs expériences et de leurs passions partagées.

Si l'exposition peut s’enorgueillir de la présentation notoire de 28 œuvres de la période cubiste de Picasso, elle met aussi en lumière l'héritage laissé par Gertrude Stein, véritable icône outre-Atlantique.

Réflexions, d'Emmanuel Barrois, Jardin du Palais Royal, du 15 septembre au 15 novembre 2023

Attention, événement grandiose en perspective ! Le Jardin du Palais Royal accueille cet automne Réflexions, une installation monumentale de 15 mètres de haut, mise en place par le maître verrier Emmanuel Barrois. Cette prouesse artistique et technique bénéficie du soutien d’ingénieurs et d’architectes de renom tels Rudy Ricciotti, Kengo Kuma et Christian de Portzamparc.

À travers ce dispositif gigantesque, Emmanuel Barrois invite à une réflexion sur la place de l'homme dans le monde de demain, en jouant sur la dualité de la matérialité de l'œuvre et de l'immatérialité de la lumière.

Cette installation aura nécessité 8 tonnes de verre et 6000 mètres de prismes entremêlés, éblouissant par son impact visuel, notamment ses reflets arc-en-ciel se projetant sur les surfaces alentour. Une exposition en cours à Paris dès le 15 septembre 2023 à ne surtout pas manquer!

Nicolas de Staël, l'exposition rétrospective, musée d'Art moderne de Paris, du 15 septembre 2023 au 21 janvier 2024

Le musée d'Art moderne de Paris consacre une exposition très attendue au peintre atypique français d’origine russe Nicolas de Staël (1913-1955).

L'artiste a réalisé pas moins de 1120 tableaux pendant une quinzaine d’années, balayant des influences et des styles très divers, de l’abstraction au cubisme en passant par l’expressionnisme, l’impressionnisme, le naturalisme ou le fauvisme.

Cette grande rétrospective rassemble plus de 200 tableaux, dessins, gravures et carnets de l’artiste exposés de manière chronologique mettant en exergue le processus de création de l'artiste, ainsi que quelques-uns de ses thèmes de prédilection: la mer, le football, les portraits, les natures mortes, les fêtes populaires, les paysages, etc. Une inspiration sans fin soulignée par un usage non dissimulé des couleurs et de la lumière expérimentées de façon à conférer à son art toute la liberté qui en émane.

Les questions à prendre en compte avant l’achat d’une œuvre d’art

Pour quelles motivations et quels besoins, au juste?

De manière générale, deux raisons principales déterminent les personnes résolues à l’achat d’une œuvre d’art:

- la logique d’investissement avec pour objectif d’augmenter et diversifier son patrimoine. Investir dans l’art peut se révéler un excellent placement sur le long terme, à l’instar de ce qui s’effectue dans la finance ou l’immobilier. Ce choix se montre rentable lorsque l’on sait faire preuve de patience, un tableau prenant par exemple de la valeur avec le temps. Et si jamais les fonds nécessaires à l’acquisition font défaut, la pratique du leasing d’œuvres d’art, de plus en plus répandue, est une alternative crédible connaissant un succès croissant auprès des entreprises mais aussi des particuliers.

- l’envie de se faire plaisir avec un objet décoratif qui va embellir un lieu de vie. Cette action répond à un besoin hédoniste qui ne doit surtout pas être sous-estimé, elle correspond même à une décision qui place l’esthétique au cœur de l’existence, une pulsion très noble de l’âme humaine. L’art représente une façon de s’accomplir et de relever l’estime de soi-même, ainsi qu’un excellent moyen d’assouvir sa soif du beau ou encore de s’approprier un lieu qui nous ressemble, avec, dans chacun de ces cas, le plaisir au centre du processus affectif.

Faut-il miser sur les artistes connus?

Il paraît évident qu’une œuvre d’art originale signée par un grand nom demande un investissement parfois très conséquent. Pour autant, l’achat d’une œuvre d’art demeure à la portée du plus grand nombre.

De nombreuses peintures, photographies ou sculptures sont accessibles pour quelques centaines d’euros, voire moins. Ces supports sont souvent proposés par des artistes en développement qui ne doivent surtout pas être sous-estimés, bien au contraire. À titre d’exemple, sachez que le célèbre «Impression, soleil levant» de Monet, peint en 1872, s’est échangé pour quelques centaines de francs jusqu’au milieu du 20^e siècle, avant de devenir l’un des tableaux les plus convoités et les plus prisés au monde!

Laissez-vous surtout guider par vos coups de cœur, de même par l’originalité d’une œuvre d’art ou le regard iconoclaste d’un artiste. Et si jamais votre bourse n’est pas à la hauteur de vos envies, ayez conscience qu’une édition limitée d’une œuvre reproduite à quelques exemplaires numérotés possède également une réelle valeur.

Achat d’œuvre d’art: comment connaître la cote des artistes?

La sphère de l’art peut a priori effrayer les novices en la matière, surtout lorsque l’on envisage l’achat d’une œuvre d’art. En faisant preuve d’un minimum d’engouement et avec quelques habitudes, vous parviendrez cependant à vous familiariser assez vite avec un environnement foisonnant et passionnant.

Ainsi, pour connaître la cotation des artistes, il existe des éditions provenant de la presse spécialisée qui paraissent régulièrement, généralement tous les ans. Ayez l’œil ou laissez-vous guider par des personnes averties qui prendront le temps de vous renseigner sur les bons réflexes à acquérir. La fréquentation des galeries d’art est un bon compromis pour commencer: vous y rencontrerez de véritables passionnés qui sauront vous conseiller.

Achat d’œuvre d’art: quid de l’authenticité et de la certification?

Ayez bien à l’esprit que le sérieux et la réputation d’un vendeur ou d’un galeriste sont primordiaux dans l’acte d’achat d’une œuvre d’art.

Ainsi, chaque œuvre doit être vendue avec un certificat d’authenticité attestant de sa paternité. Celui-ci permettra de connaître son historique et de vérifier son authenticité. Un tel certificat comprend les mentions suivantes:

- titre de l’œuvre,

- nom de l’artiste,

- année de création,

- lieu de création,

- caractéristiques techniques: dimensions, type de support,

- la mention «original» ou «édition».

Dans tous les cas d’achat d’une œuvre d’art, exigez ce certificat d’authenticité. Consultez au besoin un professionnel qui attestera de son caractère légal. Cette remarque est valable pour l’achat d’œuvres d’art en ligne qui explose ces dernières années.

Quelles seront les conditions de conservation?

Avant l’achat d’une œuvre d’art, il faudra réfléchir au lieu où celle-ci prendra place afin d’optimiser les conditions de conservation. Y accorder le plus grand soin est primordial, certaines œuvres étant très fragiles.

Il conviendra ainsi de porter une veille attentive:

- à la luminosité de la pièce et à l’exposition au soleil;

- au taux d’humidité de l’endroit et à sa température (en moyenne entre 45 et 55% d’humidité et 20 °C). Évitez les lieux humides ou ceux situés près des radiateurs ou des cheminées;

- au système d’exposition ou d’accroche qui devra se montrer solide.

Faire assurer un tableau ou une sculpture, est-ce nécessaire?

Pour l’achat d’une œuvre d’art de grande valeur, la faire assurer est recommandé. Vous aurez le choix entre les possibilités suivantes:

- l'assurance multirisque habitation (MRH), qui couvre généralement une valeur de 3000 € d'objets d'art;

- l'assurance d'œuvres d'art en valeur déclarée;

- l'assurance d’œuvres d'art en valeur agréée, ce processus nécessitant une expertise.

Les œuvres les plus connues de Jean-Michel Basquiat: la sélection Artalistic

À travers un langage saccadé, un graphisme franc, et une expression mélancolique à la thématique sociale forte, voire très sombre, l'œuvre de Basquiat naît et s'inspire d’un style urbain fait de graffitis transposés au début sur les murs de New York, puis s’exportant sur la toile. Voici quelques-unes des œuvres les plus connues de Jean-Michel Basquiat, véritable pionnier du mouvement « underground » américain et signature éminente de l’art contemporain.

1. Irony of a negro policeman, 1981

Tout au long de ses années de création, l’artiste new-yorkais prendra le parti de la dénonciation de l’oppression subie par la communauté noire. «Irony of a negro policeman» est l’une des œuvres les plus connues de Jean-Michel Basquiat se classant dans cette posture qui l’habitera jusqu’à la fin de sa vie. Contempteur du racisme ambiant, il mènera la lutte avec acharnement, en témoigne un art marqué par d’innombrables toiles de cet acabit.

2. The Field Next to the Other Road, 1981

A contrario de la grande majorité des œuvres les plus connues créées par Jean-Michel Basquiat, cette peinture met en scène des personnages assez aisément identifiables. Elle est née lors de la période où l’imagerie allégorique représentait pour lui un axe de travail fort. «The Field Next to the Other Road» est un tableau réalisé lorsque Basquiat fut invité en Italie par le marchand d’art Emilio Mazzoli. Elle a été vendue chez Christie’s pour 37,1 millions de dollars en 2015.

3. La Hara, 1981

«La Hara» n’est peut-être pas l’une des œuvres les plus connues de Jean-Michel Basquiat, elle revêt pourtant une grande importance dans son parcours. Elle date d’une époque où son auteur concrétisait visuellement la violence à laquelle étaient confrontées les communautés urbaines, thème éminemment récurrent dans son travail. Cette peinture représente un policier en forme de squelette se tenant derrière des barreaux, un symbole de l’autorité inversée. En argot, «La Hara» signifie «flic». Cette pièce a été vendue pour 35 millions de dollars chez Christie’s en 2017.

4. Dustheads, 1982, peut-être la plus connue des œuvres de Jean-Michel Basquiat

La noirceur attribuée aux créations de Basquiat réside pour partie dans la réalisation de figures semi-vivantes. «Dustheads» dépeint deux toxicomanes comme des personnages frénétiques immergés dans un fond noir. Précisons que l’artiste serait décédé d’une overdose d’héroïne et de cocaïne, son addiction n’était un secret pour personne. Ce tableau a été cédé en 2016 pour 35 millions de dollars.

5. Untitled Skull, 1982

Également référencée parmi les œuvres les plus connues de Jean-Michel Basquiat, cette toile a atteint un record d’enchères en 2017 chez Sotheby’s New York: elle a été adjugée pour 110,5 millions de dollars à l’entrepreneur et collectionneur d’art japonais Yusaka Maezawa, à l’époque un nouveau record pour le prix le plus élevé payé pour une œuvre d’un artiste américain aux enchères. Ce record a été battu par le «Shot Sage Blue Marilyn» d’Andy Warhol, vendu pour 195 millions de dollars en mai 2022. Warhol et Basquiat, toujours inséparables!

6. Versus Medici, 1982

Ce tableau fait référence à la famille Médicis, célèbre lignée de banquiers italiens considérée comme la plus riche de toute l’Europe entre 1400 et 1500 et rend parallèlement hommage aux grands artistes de la Renaissance. Basquiat éprouvait un intérêt pour cette période, notamment pour les figures centrales de Léonard de Vinci et Michel-Ange. La toile a été vendue en mai 2021 pour 50,8 millions de dollars.

7. Warrior, 1982

Parmi les œuvres les plus connues de Jean-Michel Basquiat figure ce célèbre «Warrior». Certains critiques affirment qu’il s’agirait d’un tableau mettant en exergue l’expérience et la créativité de Basquiat en tant qu’artiste noir dans les années 1980. On notera le motif de la figure couronnée du personnage, marque de fabrique chez Basquiat, personnage qui tient une épée, symbole de l’invincibilité. Ce tableau a récemment été acheté pour 41,9 millions de dollars dans une salle de vente en Asie.

8. In this case, 1983

«In This Case» se dévoile telle une pièce créée comme le tiers d’un triptyque comprenant un célèbre trio de crânes formé avec les deux créations baptisées «Untitled» de 1981 et 1982. En 2018, une exposition organisée par la Fondation Louis Vuitton avait permis de réunir ces trois œuvres pour la première fois. En mai 2021, le présent tableau été acquis chez Christie’s, à New York, pour 93,1 millions de dollars, l’un des nombreux records de l’artiste.

9. Flexible, 1984

D’une valeur de 45,3 millions de dollars, cette œuvre parmi les plus connues de Jean-Michel Basquiat est aussi l’une des plus grandes puisqu’elle mesure deux mètres et demi. Sa particularité est d’être peinte sur des lattes de clôture, ce qui la rend tout à fait unique au sein du vaste univers de son auteur. Elle met en avant la culture africaine, récurrente et même prépondérante chez Basquiat, messager de la communauté noire qui prônait avec fierté son identité créole.

10. Riding with death, 1988

Basquiat a de tout temps éprouvé un réel intérêt scientifique pour ce qui concerne le corps, sa composition, son fonctionnement.  Sa mère lui avait offert le prestigieux manuel de médecine Gray’s Anatomy lorsqu’il fut renversé à l’âge de 7 ans par une voiture, cet accident entraînant de longues journées d’hôpital. Le petit Basquiat de 10 ans se fascinait même pour l’anatomie… et la mort, élément central de son travail ici mis en évidence.

Cinq peintures et tableaux célèbres de paysages connus

Impression, soleil levant, Claude Monet, 1872

Toile fondatrice de l’impressionnisme, «Impression soleil levant» est exposée au musée Marmottan, à Paris. Ce mouvement artistique a vu le jour en France, au milieu du 19^e siècle. Son essence repose sur une représentation précise de la lumière, la juxtaposition de couleurs vives et une certaine candeur des paysages et sujets traités.

Le nom de ce tableau de paysage connu exécuté par Claude Monet (1840-1926) donne donc son nom à un courant artistique majeur. Il est peint au petit matin, un jour de novembre 1872 depuis la fenêtre de l’hôtel l’Amirauté, sur le port du Havre. La lumière et les reflets à la surface de l’eau, cette enveloppe vaporeuse autour du soleil permettent à l’artiste de saisir sur l’instant des sensations fugitives.

L’aspect flou et semblant inachevé de l’œuvre est en totale rupture avec les canons classiques de l’époque. Elle n’intéresse d’ailleurs pas grand monde et sa valeur fluctue entre 200 et 800 francs pendant des années (environ 5000 à 30000 euros de notre époque). La toile ne sera exposée qu’à partir de 1946, date à laquelle elle prendra son essor pour devenir un objet cultissime, symbole d’une révolution artistique majeure.

La montagne Sainte-Victoire, Paul Cézanne, 1897, incontournable tableau de paysage connu

Cette peinture de paysage célèbre a fait la réputation de Paul Cézanne (1839-1906). Elle donne à voir un lieu localisé en Provence désormais passé à la postérité: la montagne Sainte-Victoire. Celle-ci ne représentait pas qu’un simple prétexte de peindre pour son auteur, mais bel et bien une raison probablement autant physique que spirituelle. Ce massif peut même être considéré comme une véritable muse pour Cézanne puisqu’il en créera une vingtaine de versions différentes tout au long de sa vie, dont des dessins et des aquarelles.

La montagne Sainte-Victoire est aujourd’hui naturellement rattachée au peintre originaire d’Aix-en-Provence, caractéristique d’un style inimitable faisant la part belle au motif et mettant en exergue la lumière, comme on le voit sur cette pièce majeure de Cézanne, cette sublime montagne triangulaire s’élevant derrière des arbres ou sous un magnifique ciel bleu.

Le Pont-Neuf, Pierre-Auguste Renoir, 1872, peinture de paysage célébrant Paris

Parmi les peintres impressionnistes ayant mis à l’honneur la ville de Paris, Pierre-Auguste Renoir (1841-1919) se pose en maître rarement égalé tant son œuvre brille par une effervescence colorée et lumineuse. Célèbre tableau de paysage connu, « Le Pont-Neuf » immortalise un quartier et une rue de la capitale au 19^e siècle.

Paris est alors une source d’inspiration inépuisable pour les artistes, à tel point que son aire urbaine est célébrée par de nombreuses signatures dans les moindres détails. On citera, à titre d’exemples, «Rue de Paris par temps de pluie», de Gustave Caillebote ou «La gare Saint-Lazare», de l’incontournable Monet. Il y en a tant d’autres!

Vue du port de Marseille, Paul Signac, 1905

Toujours en France, mais de nouveau vers le sud du pays et la cité phocéenne, «Vue du port de Marseille» est une peinture de paysage célèbre. La ville et le port de Marseille y sont représentés de manière délicate à l’aide de la technique du pointillisme, particulièrement maîtrisée par l’auteur.

Les couleurs vives employées soulignent le côté énergique et vivant de l’endroit, saisissant un instantané de la vie urbaine à travers un subtil mélange d'impressionnisme traditionnel et d’abstraction moderne. Le coup de pinceau puissant et précis de Paul Signac (1863-1935) provoque en effet émotionnel certain sur le spectateur. L’approche artistique esthétique et significative du peintre et paysagiste français a inspiré par la suite de nombreux artistes modernes.

Le moine au bord de la mer, Caspar David Friedrich, 1810

La question qui se pose d’emblée à la contemplation de ce tableau de paysage célèbre faisant penser à la mer du Nord est la suivante: quel moment de la journée évoque-t-il?  Le matin ou le soir? La présence du moine capucin marchant seul ne nous apportera pas la réponse, ce mystère jouant de l’aura durable d’une pièce unique au monde. Signalons que la toile n’a pas été peinte en bord de mer, mais dans la ville de Dresde.

Son auteur, Caspar David Friedrich (1774-1840), s’inscrit dans le romantisme allemand de la fin du 18^e siècle. Il développe des scènes inspirées par la philosophie et l’invitation à la contemplation, voire à la réflexion. La technique artistique de Friedrich est minimaliste, qu’elle concerne le trait ou la couleur, portant de manière abstraite l’objet vers une zone de transcendance de la pensée énigmatique de l’âme humaine. Au fond, le plus important n’est-il pas que l’esprit puisse s’adonner librement au vagabondage et à la rêverie, comme le fait peut-être ce moine à la céleste solitude, perdu au bout du monde face à une nature sombre et une destinée potentiellement cruelle?

Les musées en plein air à visiter absolument

Associant street art sauvage, politiques publiques et initiatives citoyennes, l’appropriation de l’espace public à visée artistique aboutit à la concrétisation de musées en plein air somptueux mêlant nature, rues, sculptures, fresques, installations, etc.  

De l’Europe à l’Amérique du Sud en passant par les USA: les musées en plein air de la planète

Le Skansen à Stockholm, en Suède

C’est dans la capitale suédoise, plus précisément sur l’île de Djurgarden, qu’est localisé le plus ancien musée en plein air du monde. Créé en 1891, le lieu vous emmène à la découverte de l’histoire de la Suède en pleine nature. Au programme: traditions colorées, artisanat mais aussi, chants, danses, ateliers divers (verre soufflé, tannage) et fêtes qui rythment l’activité de ce petit village tout au long de l’année.

L’Ekebergparken, près d’Oslo, en Norvège

Toujours en Scandinavie, mais cette fois-ci en Norvège, l’Ekebergparken est considéré comme le plus beau musée en plein air du pays. Il a été créé en 2013 à l’initiative du collectionneur d’art Christian Ringnes. Une quarantaine d’œuvres d'artistes renommés sont disposées au cœur d’un écrin de fleurs, notamment la Vénus de Milo de Salvador Dali ou encore des sculptures d’Auguste Rodin, de Louise Bourgeois et de Marina Abramovic. L’art contemporain y côtoie des gravures rupestres de plusieurs milliers d’années.  Vraiment étonnant!

L’East Side Gallery à Berlin (Allemagne)

Sur la Mühlenstrasse, le visiteur pourra y admirer une partie de la célèbre frontière en béton qui coupait la ville de Berlin en deux jusqu’en 1989, notamment un tronçon préservé de plus d’un kilomètre de long sur lequel une centaine d’artistes ont laissé libre cours à leur créativité. Ce gigantesque musée en plein air fait la part belle au street art et à la liberté sur un support hautement symbolique.

Le Ballenberg à Brienz, en Suisse

Depuis les années 1970, le Ballenberg est un musée en plein air qui abrite d'anciennes fermes, granges et étables restaurées pierre par pierre. Une centaine d’édifices rappellent la vie à la campagne du temps jadis, mettant en exergue les métiers d’autrefois tels que la fabrication de fromage, la vannerie et la sculpture sur bois. Le lieu propose également un parcours en pleine nature parsemé de jouets anciens pour les enfants, ainsi qu’une ferme pédagogique.

Le Giardino dei Tarocchi à Garavicchio de Pescia Fiorentina, en Italie

Direction l’Italie et la magnifique Toscane pour admirer les 22 sculptures monumentales colorées et scintillantes du Jardin des Tarots. Ce musée en plein air, jardin unique au monde, est un projet porté par l’artiste franco-américaine Niki de Saint Phalle (1930-2002) et son mari Jean Tingueley. Entre rêverie et psychédélisme, il est fortement inspiré par l’œuvre de Gaudi et représente des divinités et monstres en lien avec les figures du Tarot. Les matériaux utilisés (mosaïques faites de verre, de miroirs et de céramique) confèrent au lieu une touche magique et féérique.

Le Parco Sculture del Chianti de Toscane, en Italie

Toujours en Toscane, à Pievasciata, dans un paysage ondulant de vertes collines recouvertes de vignobles, d'oliviers et de cyprès, un romantique sentier ombragé serpente au milieu d’une collection de statues et de sculptures appartenant à Piero Giadrossi. L’objectif vise à intégrer l’art de manière subtile et homogène au cadre naturel. L’entreprise regroupant de nombreux artistes internationaux, parmi lesquels Jeff Saward ou Dominic Benhura, est une franche réussite et confère à ce musée en plein air un caractère multiculturel prégnant.

Le Parco dei Mostri à Bomarzo, en Italie

Nous restons en Italie, à moins de 100 kilomètres de Rome, où se trouve le plus ancien musée en plein air de sculptures. Le Parc des Monstres date du 16^e siècle et a été conçu par le Duc de Bomarzo Vicino Orsini, considéré à l’époque comme très anticonformiste. Le visiteur y croisera ainsi des sirènes, des dragons, des tortues géantes, des sphinx, des ogres ou encore des nymphes. Une promenade grandiose au contact de décors surréalistes dans une végétation luxuriante ou l’impression d’évoluer dans un monde parallèle.

Musée en plein air à Lille, en France

C’est précisément à Villeneuve-d’Ascq, à quelques kilomètres de Lille, que se situe ce musée en plein air idéal pour une promenade en famille. Il prend la forme d’un village reconstruit inspiré de l’architecture des Flandres et de l’Artois des 17^e, 18^e et 19^e siècles. Au programme, donc, des constructions rurales typiques de la région agrémentées de jardins et de potagers. Les enfants seront aussi ravis par la faune locale composée de moutons boulonnais, d’oies flamandes, de poules de Bourbourg et de canards d’Estaires.

Wynwood Walls à Miami, aux États-Unis

C’est à Miami que se situe le plus grand musée en plein air de street art au monde. Référence en la matière, il est composé de murs recouverts par des œuvres apposées par des artistes de renommée internationale, au premier rang desquels Obey, Pink, Miss Van, Eduardo Cobra ou Os Gêmeos. Localisé au nord de Downtown Miami, il attire chaque année de nombreux fans d’art urbain venus de toute la planète. Ce quartier est d’ailleurs devenu la Mecque du street art dans le pays puisqu’il présente en outre 5 musées, 70 galeries et ses 7 complexes artistiques dédiés à l’art contemporain.

Le Parque De Las Esculturas à Santiago, au Chili

Ce musée en plein air est né de la collaboration entre artistes et citoyens soucieux d’inventer un espace culturel ouvert à toutes et à tous. Plus d’une trentaine d’œuvres d’art y sont actuellement recensées, signées par des artistes locaux et d’autres déjà renommés à l’international.  Des expositions temporaires s’y tiennent régulièrement, de même que le célèbre Festival de jazz Providencia Jazz.

Art digital: les artistes contemporains incontournables

L’art digital ou numérique regroupe un vaste champ de pratiques couvrant diverses disciplines basées sur des technologies variées: l’informatique, le multimédia, la modélisation 3D, la réalité virtuelle et augmentée, l’intelligence artificielle, les NFT et la blockchain, etc.

Les possibilités de création sont très étendues, notamment portées par les artistes les plus connus de l’art digital dont nous dressons ici un petit panorama, loin d’être exhaustif, dans lequel le virtuel se concrétise par des œuvres grandioses qui font partie prenante de l’art contemporain.

Les classiques: d’Ai Weiwei à David Hockney

Ai Weiwei, le symbole de l’hyperconnexion

Véritable activiste de la création, l’artiste chinois Ai Weiwei utilise depuis longtemps les technologies numériques afin d’assurer la promotion médiatique d’une œuvre foisonnante. Les relais permis par les réseaux sociaux donnent de l’ampleur à son travail, il n’hésite pas à s’en servir pour diffuser un message résolument engagé contre toutes les formes d’injustice et le totalitarisme, à tel point que son omniprésence dans l’espace virtuel peut être considérée comme une extension de son art. Par ailleurs, ces dernières années, le célèbre artiste contemporain a adapté son rapport à l’art digital en le faisant évoluer au gré de l’apparition de nouvelles technologies par exemple utilisées dans ses installations.

Damien Hirst se lance dans le crypto art

Artiste réputé pour ses nombreuses provocations parfois trash, le Britannique Damien Hirst a dominé l’art contemporain outre-Manche pendant les années 1990, notamment à travers les YBA (Young British Artist), groupe de créateurs réputés pour leur cynisme s’affranchissant des règles de l’esthétique classique. Ainsi, depuis le milieu des années 1980, Damien Hirst a réalisé plus de mille toiles baptisées «spot paintings», des peintures et supports représentant des ronds de couleur juxtaposés, dont une majorité conçue par ses assistants sans que l’artiste intervienne lui-même. En 2021, il s’est lancé dans l’aventure de l’art digital. L’artiste a développé la production de 10 000 NFT appelés «The Currency Project», une déclinaison digitale de ses spots paintings. Son objectif: utiliser l’art digital pour questionner la définition de la valeur artistique.

Jeff Koons et l’art de la réalité augmentée

Les nouvelles technologies et l’art digital, l’artiste Jeff Koons en est également friand puisqu’il fait régulièrement appel aux services d’ingénieurs et de modélisateurs 3D. Le plasticien et sculpteur américain conçoit ainsi ses œuvres sur ordinateur avant de les envoyer en production. Depuis 2017, il propose des œuvres en réalité augmentée installées dans des lieux publics. Enfin, il s’est lui aussi lancé dans des versions NFT des modélisations 3D de ses œuvres, uniquement développées pour le métavers.

Marina Abramovic et la réalité virtuelle

Célèbre pour ses performances, Marina Abramovic est aussi renommée pour ses photos, vidéos et installations. Sa pratique artistique polymorphe met en perpétuelle évolution les liens qu’elle tisse avec un public de passionnés. En 2019, la créatrice contemporaine serbe a proposé une performance en réalité virtuelle, les spectateurs munis de casques VR assistant dans une salle vide à une modélisation in situ dirigée par l’artiste. L’art digital au centre d’un dispositif pas seulement virtuel mais également physique.  

David Hockney et l’impressionnisme digital

La récente exposition consacrée à David Hockney au musée de l’Orangerie, à Paris, a été un franc succès. Elle mettait en valeur une grande frise peinte illustrant une année de l’artiste britannique passée en Normandie. Sa spécificité: cette œuvre a été réalisée avec un iPad! À l’instar des peintres impressionnistes, David Hockney a capté les effets de lumière, de texture et de couleur au fil des saisons. Le mélange de la peinture traditionnelle et de la technologie a abouti à un processus créatif novateur vraiment bluffant. Une nouvelle ère de l’art digital?

Art digital: les artistes issus de la technologie crypto et l’art NFT

Beeple

Au premier rang des vendeurs d’art NFT, Beeple est aussi le plus connu des artistes d’art digital évoluant dans le domaine du crypto-art. Très populaire, le dénommé Mike Winklemann a en effet vendu l’une de ses œuvres, « Everyday: the first five thousand days », pour 69 millions de dollars. De quoi faire réfléchir les personnes qui s’intéressent de près à l’investissement dans l’art numérique.

Trevor Jones

Si Trevor Jones n’a pas encore atteint la cote de Beeple, il est pourtant un acteur majeur de l’art digital NFT. Il suffit de mentionner le succès de «The Bitcoin Angel» qui lui a rapporté la coquette somme de 3,2 millions de dollars lors d’une vente aux enchères. La particularité du peintre écossais est de produire ses créations artistiques sous forme physique avant de les digitaliser.

XCOPY, l’art digital ciblé pour un artiste à l’ascension fulgurante

Le Londonien XCOPY se montre beaucoup moins productif que ses compères Beeple et Trevor Jones. Ses quelque 2000 NFT au prix moyen de 5000 dollars en font pourtant un acteur qui compte sur le marché de l’art digital NFT. Sa base de fans sur les réseaux sociaux, notamment sur Twitter, lui a permis de gagner en popularité très rapidement. Son record de vente: le NFT «Death Dip» qui lui a rapporté 1,8 million de dollars.

Fewocious

Artiste américain très jeune d’une vingtaine d’années, Fewocious aurait déjà vendu plus de 3000 NFT pour une somme estimée à 22 millions de dollars. Ce succès précoce ne semble pas se démentir au vu de l’œuvre d’art digital «The Everlasting Beautiful» cédée pour 550 000 dollars. Le petit génie du crypto-art.

José Delbo

L’Argentin José Delbo est le roi de la bande dessinée présentée sous forme de NFT. Son succès est tel qu’il est devenu en quelques années l’un des meilleurs créateurs d’art digital. Ses œuvres sont évaluées à ce jour à plus de 8 millions de dollars.

Foire internationale d’art contemporain Art Basel 2023: demandez le programme!

Un succès déjà prévisible

Foire internationale d’art contemporain la plus prestigieuse de Suisse, avec des déclinaisons régulières sur l’ensemble de la planète, de Miami à Paris en passant par Hong Kong, Art Basel se prépare à accueillir près de 100 000 visiteurs dès la mi-juin. Ce rendez-vous incontournable du calendrier culturel permettra une nouvelle fois au grand public et à la critique de prendre le pouls de la création contemporaine.

Les amateurs et professionnels venus du monde entier pourront découvrir environ 300 galeries d’art en provenance de 35 pays regroupant tous les continents, pour un total de 4000 artistes exposant leurs dernières créations. Galeristes, commissaires d’expositions, directeurs de musées, collectionneurs, acheteurs et passionnés d’art ont donc rendez-vous pour cet événement haut en couleur unique au monde.

Un rendez-vous international incontournable

Car si la Foire internationale d’art contemporain Art Basel s’exporte aujourd’hui dans les plus grandes villes du monde, c’est bien dans la ville suisse de Bâle que l’aventure a débuté il y a plus de 50 ans, dans les années 1970, sous la houlette de trois galeristes bâlois: Ernest Beyeler, Trudi Bruckner et Balz Hilt.

Elle s’affiche actuellement comme une vitrine de référence de l’art contemporain. L’événement n’a cessé de grandir, attirant 60 000 personnes dans les années 2000 et plus de 90 000 lors des dernières éditions.

Le rendez-vous annuel qui se tient en Suisse est bientôt complété par des versions internationales avec Art Basel Miami Beach en 2002, créée par le directeur de l’époque, Samuel Keller, puis Art Basel Hong Kong en 2013 et Paris + par Art Basel, en 2022.

Une organisation bien huilée

La Foire internationale d’art contemporain Art Basel se déploie dans plusieurs halls représentant autant de sections dédiées aux différentes formes d’art, dont plusieurs, nommées «Young Galleries» ou «Statements» mettent à l’honneur les artistes encore méconnus du grand public.

Les visiteurs auront bien évidemment l’opportunité de côtoyer également les œuvres de grands noms de l’art contemporain, autant de signatures de référence dans le microcosme de la création. Les galeries les plus influentes et innovantes de la planète seront présentes.

Foire internationale d’art contemporain Art Basel 2023: à voir

Si la liste alléchante des galeries présentes prochainement à Bâle est disponible sur le site officiel de l’événement, et qu’il ne nous est pas possible de retranscrire ici de manière exhaustive, citons, malgré tout, les noms de David Castillo (Miami), Martos Gallery et Thomas Erben Gallery (New York), M77 Gallery (Milan), Jacky Strentz (Francfort) ou la Galerie Bene Taschen de Cologne. Que du beau monde, et c’est là seulement un tout petit échantillon des participants annoncés!

Une installation de l’artiste Latifa Echakhch

Attirons également l’attention sur la vaste installation qui sera proposée sur la Messeplatz par la plasticienne Latifa Echakhch à l’invitation de Samuel Leuenberger, commissaire du secteur «Parcours».

Latifa Echakhch est une artiste franco-marocaine née en 1974 au Maroc. Elle vit et travaille entre les villes de Vevey et Martigny, en Suisse. Ses créations exposées à Paris, Los Angeles ou Londres sont portées par l’envie de prendre position face à certains préjugés, aux contradictions et aux stéréotypes de notre société. Cette installation est d’ores et déjà annoncée comme un temps fort de la Foire internationale d’art contemporain Art Basel. L’artiste était notamment la représentante de la Suisse à la dernière Biennale de Venise.

Informations pratiques

Foire internationale d'Art contemporain Art Basel 2023: renseignements et horaires

Lieu : Messe Basel – Messeplatz 10,  4056 Bâle

Dates et horaires: du jeudi 15 juin 2023 au dimanche 18 juin 2023, de 11 h à 19 h.

Nocturne grand public le jeudi 15 juin de 19 h à 22 h.

Nocturne le samedi 17 juin de 16 h à 23 h.

Billets à la journée (en vente sur le site officiel):

- Tarif plein : 67 CHF,

- Étudiants : 54 CHF,

- Retraités : 54 CHF,

- Friends Ticket (pour un groupe de 3 personnes): 62 CHF par personne.

- After Work (valable uniquement le 15 ou le 16 juin de 17 h à 19 h): 35 CHF

Billet permanent (valable les 4 jours, du 15 au 18 juin) : 230 CHF

Restauration sur place.

Tous les halls d'exposition sont accessibles aux personnes handicapées se déplaçant en fauteuil roulant.

Plus d’informations sur www.artbasel.com.

En attendant l’événement

Profitez bien de la Foire internationale d’art contemporain Art Basel 2023 si vous avez l’occasion de vous y rendre. Cette édition devrait encore une fois tenir toutes ses promesses!

D’ici là, vous pouvez déjà faire le plein de sensations en parcourant les différentes pages de ce site mettant à l’honneur des artistes contemporains renommés ou en devenir, lesquels proposent de multiples œuvres dans les domaines de la peinture, du dessin, de la photographie et de la sculpture.

Bonne visite et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques avec Artalistic!

Défiscalisation d’œuvres d’art: comment faire?

Pour les particuliers

Tout comme un investissement immobilier, l'art peut se révéler être un placement judicieux et intelligent profitable sur le plan financier. Pour les particuliers, la défiscalisation des œuvres d’art est tout à fait possible. En effet, bien que la pratique soit surtout prisée des entreprises, et compte tenu du fait que les œuvres d'art n'entrent pas dans la base taxable de l'impôt sur la fortune immobilière (IFI), un investissement dans un tableau ou une sculpture donne droit à une défiscalisation pour tous les contribuables français.

Défiscalisation d’œuvres d’art pour les particuliers: bon à savoir

L'acquisition d'œuvres d'art se montrera particulièrement bénéfique pour les personnes assujetties au paiement de l’IFI. Ainsi, les œuvres d’art acquises sont totalement exonérées d'impôts, elles ne doivent donc pas être mentionnées sur votre déclaration.

Notez que les œuvres d’art peuvent aussi être utilisées pour régler les droits de succession via la procédure appelée «datation de paiement», très utiles dans certains cas pour satisfaire à des obligations fiscales imprévues.

Quels types d’œuvres entrent dans ce dispositif?

Les œuvres d'art ouvrant droit à la défiscalisation sont définies par l'article 98 A du Code général des impôts. Celui-ci est également valable pour les entreprises. Sont prises en compte les œuvres d’art suivantes:

- tableaux, peintures, dessins, aquarelles, gouaches, pastels, monotypes;

- gravures, estampes, lithographies tirées en nombre limité;

- photographies prises par l'artiste, tirées par lui ou sous son contrôle, signées et numérotées dans la limite de 30 exemplaires, tous formats et supports confondus;

- sculptures à tirage limité à 8 exemplaires, contrôlées par l'artiste ou ses ayants droit;

- tapisseries faites à la main.

Tous les objets considérés comme « objets de collection » entrent également dans cette nomenclature portant sur la défiscalisation des œuvres d’art.

Cession et imposition des plus-values

Seule la cession d’une œuvre d’art dont le prix de vente est supérieur à 5 000 euros est soumise à une imposition. Ainsi, lors de la revente de l’œuvre d’art, vous avez le choix entre deux options de prélèvement fiscal:

- l’imposition forfaitaire sur le prix de cession, à un taux de 6,5% (taux de 11,5% pour les œuvres comportant des métaux précieux);

- l’imposition des plus-values mobilières: l’imposition porte sur la différence entre le prix d’achat et le prix de vente. Le taux d’imposition d’une plus-value est de 36,2%. Cependant, un abattement fiscal de 5% s’opère chaque année dès la deuxième année de détention. Sur le long terme (plus de 20 ans), une exonération totale d’impôt sur la plus-value est donc envisageable.

Défiscalisation d’œuvres d’art pour les entreprises

En France, l’acquisition d'œuvres et d'objets d'art donne droit à une réduction d'impôt, à tel point que de plus en plus d’organisations intègrent cet état de fait dans leur politique globale. La défiscalisation des œuvres d’art permet en outre d’embellir les espaces intérieurs et de valoriser son patrimoine, tout en réalisant des économies d’impôts, donc. Oui, mais comment faire?

La loi n° 2003-709 du 1er août 2003 indique que les entreprises ou les professions libérales qui font acquisition d’œuvres d'art originales conçues par des artistes vivants peuvent recourir à une défiscalisation de ces œuvres d’art.

La marche à suivre est celle-ci: la dépense afférente doit être déduite des bénéfices industriels et commerciaux (BIC).

Attention! Ce dispositif est prévu pour les organisations soumises à l'impôt sur les sociétés ainsi que les entreprises et entrepreneurs individuels soumis à l'impôt sur le revenu dans la catégorie des BIC. Par contre, les entreprises soumises à l'impôt sur le revenu dans la catégorie des bénéfices non commerciaux (BNC) sont exclues de ce règlement.

Les avantages pour les entreprises

Pour une entreprise, l’intérêt financier de l’investissement dans l’art réside dans la possibilité de choisir l’option la plus avantageuse, à savoir, de manière générale:

- une réduction à hauteur de 0,50 % du chiffre d’affaires hors taxe,

- une réduction de 20 000 euros.

En résumé, concernant la défiscalisation des œuvres d’art, une entreprise peut envisager de déduire le montant d’achat de l’œuvre d’art pendant 5 ans à fraction égale. Elle est donc autorisée à déduire un cinquième du prix de l’œuvre chaque année dans la limite de 0,5% du chiffre d’affaires hors taxe ou de 20 000 euros. Le montant à prendre en compte est le prix de l’œuvre d’art hors taxe. Dans tous les cas, la réduction d’impôt ne pourra jamais dépasser 5 % du chiffre d'affaires annuel de l'entreprise.

Obligations comptables

Si une organisation entreprend un investissement avec objectif de défiscalisation des œuvres d’art, il lui incombe:

- de procéder à l’enregistrement de l’œuvre en immobilisation dans sa comptabilité;

- d’affecter le montant des déductions fiscales à un compte de réserve spéciale qui figurera au passif du bilan. Un document qui devra être joint au résultat annuel est prévu à cet effet par l’administration.

Obligations contractuelles

En cas d’achat ou de leasing d’œuvres d’art, la législation stipule que les œuvres doivent être exposées au public durant au moins cinq ans après leur acquisition. Elles ne peuvent pas être placées dans un bureau privé ou dans un lieu réservé aux seuls salariés ou clients de l'entreprise. Les œuvres d’art doivent pouvoir être vues du public et des visiteurs.

5 endroits incontournables dans le monde

Voici 5 lieux répartis sur l’ensemble de la planète qui sont susceptibles de vous faire apprécier l’art contemporain de manière différente.

Urban Spree, Berlin

C’est dans le quartier underground Friedrichshain de Berlin que se situe l’Urban Spree, lieu alternatif de création d’art contemporain ayant pour cadre une ancienne station de train. Reconverti en espace culturel et artistique, il est également connu sous le nom de RAW Gelände. On y trouve des galeries d’art, des ateliers d’artistes et des sessions dédiées à l’initiation à la poterie et au dessin. Le street art est omniprésent dans ses murs recouverts de nombreuses œuvres du genre. Ce remarquable espace de 1700 m² est d’ailleurs reconnu pour accorder une large place à la culture urbaine, notamment à la musique, l’ensemble formant un carrefour de foisonnement artistique désormais célèbre.

LX Factory, Lisbonne

Cette ancienne grande fabrique portugaise de filature bâtie en 1846 est localisée à Lisbonne, dans le quartier Alcantara. La LX Factory s’étend sur pas moins de 23 000 mètres carrés reconvertis en mini-village alternatif au centre duquel la culture et l’art contemporain occupent une place à part. Comme à l’Urban Spree de Berlin, le street art y est en vogue, de nombreuses fresques décorant les murs. Il s’agit d’un véritable lieu de création et d’émulation artistiques, l’un des plus connus sur le vieux continent. Chacun est libre d’y intervenir et d’y présenter son art ou ses idées.

Le Hangar Bicocca, Milan

Direction l’Italie dans l’un des endroits les plus emblématiques de l’art contemporain alternatif. Le Hangar Bicocca est une ancienne usine de construction de locomotives située à Milan. Depuis 2004, sous la houlette de Marco Tronchetti Provera, PDG de Pirelli, celle-ci a été reconvertie en une institution dont le succès va croissant. C’est en fait un espace d’expérimentation artistique qui s’étend sur plus de 15000 m², l’un des plus vastes halls d’exposition en Europe. Il accueille des expositions temporaires d’artistes de renom ainsi que, de manière permanente, l’œuvre d’Anselm Kiefer, Les Sept Palais Célestes, un ensemble composé de 7 tours de 90 tonnes chacune conçues pour l’ouverture du Hangar il y a déjà bientôt 20 ans.

The Bass, Miami

Aux États-Unis, le Bass, musée d’art contemporain de Miami Beach, est un lieu institutionnel d’exposition mais sa philosophie en fait un endroit inédit dédié à l’art contemporain à visiter d’urgence. Sa vocation vise à établir des liens entre l’art contemporain international, ses formes plurielles et son public varié. La ville de Miami regorge d’autres adresses emblématiques en la matière (ICA, MOCA, Rubell Museum) mais le Bass est considéré comme l’un des piliers du genre dans le pays. Son approche transdisciplinaire est séduisante, le Miamai Bass intégrant diverses disciplines culturelles de l’art contemporain, en les élargissant à l’architecture, au design et à la mode. Sa visite est une expérience passionnante et réellement stimulante.

La Maison de rendez-vous, Bruxelles

À Saint-Gilles, quartier de Bruxelles aux allures de village, siège un lieu expérimental d’art contemporain bien trop méconnu: la Maison de Rendez-Vous. Cette vaste et confortable bâtisse réunit entre ses murs lambrissés des créations émanant de plusieurs continents. Vous voyagerez ainsi de Tokyo à Mexico en passant par Los Angeles grâce à quatre galeries internationales aussi innovantes qu’expérimentales mixant les horizons dans un esprit de partage. Ce haut lieu dynamique de la capitale belge soutient de nombreux artistes émergents.

Les hauts lieux de l’art contemporain en France

Fluctuart, Paris

Incontournable, Fluctuart s'affirme comme le premier centre d’art urbain flottant au monde! Ce lieu d’art contemporain unique en France se distingue par un espace de 1 000 m² totalement transparent sur trois 3 niveaux. Il est situé à côté du pont des Invalides et est ouvert à tous les acteurs de la scène artistique urbaine, professionnels ou non. De nombreuses expositions et performances de création contemporaine y sont organisées.

Le FRAC, Rennes

Dans un surprenant bâtiment imaginé par l’architecte Odile Decq, le FRAC permet aux visiteurs d’admirer une collection de près de 5000 œuvres réunies par le Fonds régional d’art contemporain. En France, cet endroit atypique connaît un grand succès, notamment grâce aux colonnes de l’Alignement du 21^e siècle d’Aurélie Nemours, un écho au site mégalithique de Carnac, dans le Morbihan. À l’intérieur de ce vaisseau rouge et noir, de nombreuses expositions thématiques ou monographiques sont également à découvrir.

La Kunsthalle, Mulhouse

Localisé dans a ville de Mulhouse, la Kunsthalle est un centre d’art contemporain important en France. Il est installé à la Fonderie, ancien bâtiment industriel partagé avec l’Université de Haute-Alsace, les archives de la Ville et les Ateliers Pédagogiques d’Arts Plastiques. Le lieu propose quatre expositions par an avec l’objectif de promouvoir la création artistique locale, nationale et internationale.

Labanque, Béthune

Dans le Pas-de-Calais, Labanque (ex- Lab-Labanque) est aménagée dans l'ancienne Banque de France de Béthune. Le lieu accueille le public depuis 2007. Il est né de la volonté de la Communauté d'agglomération de développer une politique culturelle de fond dans le Nord. C’est une réelle réussite qui s’exprime grâce à de multiples créations signées par des artistes plasticiens dans des champs aussi diversifiés que la photographie, la vidéo, la sculpture, la peinture, le design, etc.  

Le CAIRN, Digne-les-Bains, exemple du développement de l’art contemporain régional en France

Trop méconnu, le CAIRN est un centre d’art contemporain français né en 2000. Il déploie son action culturelle à travers des œuvres et des expositions produites sur place par des artistes en résidence. Les créations se veulent pérennes ou éphémères, elles constituent une collection d’art contemporain au fil de la découverte de sites naturels et de l’histoire et des traditions locales. Ce véritable laboratoire diffuse la création contemporaine en milieu rural en participant à la dynamique du développement régional.

Les meilleures applications mobiles d’art

Amateurs d’art, munissez-vous sans tarder de votre smartphone ou de votre tablette! Nous vous emmenons aujourd’hui à la découverte des meilleures applications mobiles d’art que vous pourrez télécharger facilement en vous rendant aux adresses des stores habituels qui les proposent.

Les applis généralistes

Google Arts & Culture 

Le géant Google propose sans doute l’une des meilleures applications mobiles d’art, certainement la plus complète. Avec une multitude de dossiers thématiques et d’expériences artistiques, parmi lesquelles la visite de musées se trouvant à l’autre bout du monde, elle intègre aussi des programmes interactifs bluffants qui vous permettront par exemple de retrouver votre sosie dans les œuvres des musées ou encore de projeter votre tableau préféré sur les murs de votre maison ou de votre appartement!

DailyArt

DailyArt pique la curiosité des amateurs d’art en leur proposant régulièrement des anecdotes et autres histoires étonnantes sur les artistes et les œuvres produites. Cette application recense aussi plus de 2500 chefs-d’œuvre, et près de 800 biographies d’artistes. Parfait pour étayer son stock de connaissances culturelles!

Minitopo

Résolument didactique, Minitopo fait office de professeur vraiment sympathique vous amenant vers une nouvelle façon de vous familiariser au quotidien avec l’univers de l’art. Des sujets peuvent être sélectionnés au choix dans une vaste librairie de contenus classés par thème. Cette interface collaborative mérite assurément une grande attention. C’est l’une des meilleures applications mobiles d’art du style.

Smartify

Lancée en 2017, Smartify permet une reconnaissance visuelle d’œuvres d’art. Elle est munie d’un détecteur qui vous aide à mettre un nom sur un tableau que vous avez repéré. Elle joue en quelque sorte un rôle similaire à celui de Shazam pour la musique. Intégrant une carte interactive, Smartify est également très pratique pour découvrir les lieux culturels à proximité de votre emplacement. Son album virtuel étoffé recense enfin un large panel d’œuvres d’art.

Street Art Cities

Fans de street art, voici l’une des meilleures applications mobiles d’art contemporain! Street Art Cities héberge en effet un catalogue de près de 40 000 œuvres répertoriées dans 950 villes de 90 pays! Une carte de chaque zone urbaine est disponible, mentionnant les endroits à ne pas manquer. Essentiel pour combler l’appétit des grands voyageurs.

Les meilleures applications mobiles d’art pour la création

Quelles sont les meilleures applications mobiles d’art permettant de générer des contenus et des créations numériques grâce à l’AI (intelligence artificielle)? Leur nombre explose ces dernières années, en voici quelques-unes qui ont retenu notre attention.

Lensa

Ce générateur d’images transforme les photos de votre smartphone en une œuvre d’art de façon instantanée. Il y a juste à télécharger un cliché dans le logiciel et la magie opère! Lensa est une application qui se veut ludique, elle impressionnera vos amis!

Fotor

Fotor est également un générateur d’art employant l’AI. Le principe est le même qu’avec Lensa, vous pouvez facilement transformer vos photos en œuvres d'art. De nombreux styles sont disponibles à travers un large panel de filtres applicables.

Deep Art Effects

Toujours sur le même principe que les deux applications mobiles d’art précédentes, Deep Art Effects renferme de nombreuses options débouchant sur un résultat fantastique pour transformer des photos en magnifiques œuvres d'art. Son fonctionnement est très instinctif, quelques clics suffisent à obtenir un rendu épatant, avec une retranscription étonnante des petits détails.

Wonder

Wonder est assurément l’une des meilleures applications mobiles de génération d’art avec AI. Elle crée des œuvres à partir d’un texte saisi.  Une courte description de vos attentes aboutit à la concrétisation d’une œuvre d’art de votre conception! Facile et rapide.

StarryAI

StarryAI crée en seulement quelques minutes des illustrations étonnantes à partir de mots-clés et de phrases saisies dans un moteur textuel. La qualité de résolution est formidable, cet outil en séduira plus d’un! La version de base permet de peaufiner 5 œuvres d’art gratuitement.

Pour connaître le prix des œuvres d’art

Les trois applications mobiles d’art ou site Internet qui suivent sont des références pour les amateurs ainsi que pour les spécialistes du marché de l’art. Elles fournissent une mine d’informations dans le domaine de l’art.

Artprice, la meilleure application mobile d’art pour les pros, mais pas seulement!

Référence en la matière, Artprice a vu le jour en 1997 en France. Ses utilisateurs ont accès à des données intégrant plus de 700 000 artistes, 130 millions d’œuvres et 30 millions de résultats de vente, secteur d’actualité dans lequel son hégémonie est bien prégnante. Artprice est un site Internet disponible sur mobile. Il existe différentes gammes d’abonnement en fonction de vos niveaux d’attente.

Artnet

Dans la même famille que Artprice, Artnet est une référence historique du marché de l’art. Cette entreprise a été créée en 1989 en Allemagne. Elle repose sur une base de données recensant de plus de 200 000 œuvres ainsi que tous les résultats de vente depuis 1985. Artprice s’affiche comme un outil précieux et incontournable pour tous les acteurs du marché de l’art.

Art Loss Register

Art Loss Register est une base de données informatique fondée en 1991. Elle est considérée comme la plus importante au monde dans le domaine des objets d’art disparus ou volés. Très utile pour juger de la valeur d’une œuvre d’art dont on ignore la provenance, ou pour éviter d’acheter une œuvre volée sans le savoir.

Qu’est-ce que l’art contemporain? Définition et illustration

Une définition de ce qu’est l’art contemporain sur l’échelle du temps

La temporalité de l’histoire de l’art est fréquemment utilisée pour le définir. Qu’est-ce que l’art contemporain? Sur la ligne historique, il désigne l’ensemble des œuvres créées depuis 1945 jusqu'à nos jours, indépendamment de leur style et de leur support ou médium. L’art contemporain regroupe ainsi des domaines tels que la sculpture, la peinture, la photographie, le dessin, les installations visuelles, audio-visuelles ou numériques, etc.

Une rupture avec l’art moderne

L’art contemporain succède à l’art moderne, lequel est ancré sur la période s’étendant de 1850 à 1945. L’art moderne avait déjà ouvert la voie par le début d’une transgression des règles de la représentation classique, bousculant et se libérant des codes normés de la conception du réel, notamment à travers les mouvements cubistes, surréalistes, art brut, ou impressionnistes.

L’art contemporain va encore plus loin dans la mesure où la révolution sur la forme est accompagnée d’une réflexion sur le fond et la signification des créations. Une œuvre d’art contemporain questionne son époque avec l’objectif de susciter une réaction de la part du public et de la critique.

Sur le plan conceptuel

À partir de ce constat, une définition de l'art contemporain pourrait être la suivante: c’est l’expression et la concrétisation d’une idée artistique via des pratiques et des réalisations esthétiques véhiculant des concepts (comme dans l’art conceptuel) transcendant les frontières entre l'art et les approches traditionnellement exclues de la sphère artistique (par exemple l'art performatif).

Qu’est-ce que l’art contemporain et comment le définir? Par la prégnance de l’idée!

L’art contemporain est initié par des artistes qui affichent la volonté de s’éloigner des canons de l’art moderne figuratif. Il s’inscrit en opposition avec le souhait de retranscrire une réalité idéalisée. De fait, tous les grands noms de l’art contemporain questionnent, critiquent et révèlent le réel tout en ne dissimulant pas ses contradictions et ses failles, bien au contraire, allant même jusqu’à extrapoler les crises de nos sociétés.

Le domaine de la création évoqué à partir de ce postulat est très vaste, à tel point que l’objectif de vouloir donner une définition ontologique précise de ce qu’est l’art contemporain semble très difficile, et même inutile. Il existe en effet plusieurs définitions de l'art contemporain qui se complètent, en témoignent la diversité et la richesse des mouvements qui lui sont rattachés.

Mouvements et techniques

Le pop art en porte-étendard

Si certains critiques et historiens considèrent que le pop art marque les débuts de l’art contemporain à partir des années 1960, de nombreux courants artistiques se développent déjà dès les années 1950 dans plusieurs pays.

Aujourd’hui, on comptabilise diverses écoles dont font partie l’expressionnisme abstrait, le minimalisme, le nouveau réalisme, le pop art bien entendu, l’hyperréalisme, l’art postmoderne le néo-expressionnisme, l’art féministe, le street art, le land art, le bio art, l’art informatique ou numérique avec ses derniers dérivés, le crypto art.

De nombreuses techniques

Ce serait une grave erreur de penser que l’art contemporain se limite uniquement aux formes d’expression classiques telles que la peinture ou la sculpture. Il est en effet caractérisé par de multiples œuvres créées avec diverses techniques et englobe un large champ de disciplines associant peinture et sculpture, mais aussi art vidéo, art numérique, musique, événements, performances, mises en scène, etc.

La dimension expérimentale de l’art contemporain figure même comme l’un des piliers de cette forme d’art, offrant une source d’inspiration inépuisable aux artistes qui peuvent ainsi donner libre cours à leur inventivité et à leur créativité.

Une démarche réflexive

Afin de donner une définition complète de ce qu’est l’art contemporain, il paraît essentiel de mentionner qu’il inclut une véritable réflexion de l’artiste par rapport à son environnement. Le questionnement sur l’espace qui l’entoure, physique ou symbolique, est au centre de ses préoccupations.

L’art contemporain dresse une passerelle avec le spectateur, lequel est invité à réagir et à réfléchir au-delà de l’apparence première de l’œuvre et de son esthétique, afin d’essayer d’en décrypter le langage visuel.

Où voir l’art contemporain ?

Les musées d’art contemporain semblent les lieux les plus indiqués pour pouvoir admirer les nombreuses œuvres d’art contemporain recensées dans le monde.
Tous comme les centres d’art ou les fondations privées, ils accueillent des collections et organisent des expositions thématiques d’artistes contemporains.

Autre possibilité, les galeries d’art qui sont des endroits très prisés des amateurs et des professionnels à la recherche des dernières tendances et des artistes en voie de développement.

Avec l’émergence des opportunités offertes par les nouvelles technologies de la communication, de l’Internet et du numérique, les galeries d’art en ligne représentent enfin un moyen facile de découvrir un secteur au bouillonnement créatif illimité. Sur Artalistic, vous aurez ainsi l’occasion de vous promener à travers différentes galeries vous présentant des centaines d’artistes regroupés au sein d’un univers riche de créations sous différents formats: peintures, sculptures, photographies, dessins, etc. Bonne visite!

Acheter des œuvres d’art en leasing: comment faire?

Si le leasing est couramment utilisé par les professionnels de multiples secteurs, par exemple pour le financement avantageux d’un véhicule ou d’un outil de production, il gagne peu à peu le domaine de l’art.

La location avec option d’achat est en effet de plus en plus souvent employée pour s’assurer l’acquisition d’un tableau, d’une sculpture, d’une photographie ou de mobilier d’art. Elle s’adresse tout particulièrement aux organisations diverses, aux entreprises, aux professions libérales, etc. 

Acheter des œuvres d’art en leasing est en outre très simple, surtout si vous vous adressez à une enseigne experte en la matière comme l’est Artalistic!

Acheter des œuvres d’art en leasing: la marche à suivre

Si vous êtes intéressé par le fait d’acheter des œuvres d’art en leasing, la première chose à faire consiste assurément à parcourir les nombreuses galeries de la plateforme de vente et d’achat d’art en ligne Artalistic. Acteur incontournable du secteur, celle-ci fonctionne grâce au talent et à l’expérience d’experts et d’amoureuses et amoureux de l’art.

Artalistic propose des milliers d’œuvres d’art majoritairement contemporain réalisées par des centaines d’artistes reconnus ou en développement, dans toutes les gammes de prix. Il y en a donc pour tous les goûts et toutes les bourses sans exception! Peintures, sculptures, photographies, dessins, éditions limitées: vous aurez l’embarras du choix. De manière concrète, voici la façon de procéder pour vous lancer.

Sélection des œuvres

Choisissez une ou plusieurs œuvres sur Artalistic.com en n’hésitant pas à vous faire accompagner par notre équipe dévouée et à l’écoute afin de dénicher l’œuvre qui vous correspond. Vous pouvez nous laisser un message, nous vous répondrons rapidement et vous guiderons dans votre démarche. Pour de plus amples informations, vous pouvez aussi vous rendre sur cette page.

Rédaction et finalisation du contrat

La deuxième étape concerne la mise en place du contrat de leasing et sa finalisation. Les mensualités qui vous conviennent sont définies en fonction des données qui vous permettent de mesurer les économies d’impôt générées par l’acquisition.

Livraison des œuvres

Une fois le contrat signé et validé lors de l’acte d’achat des œuvres d’art en leasing, ces dernières vous sont livrées rapidement. Le processus d’acquisition via Artalistic est transparent et très sécurisé, à la hauteur de la réputation de notre enseigne.

Fin de contrat

Au terme du contrat, plusieurs solutions existent en fonction de ses clauses, dont celle, très avantageuse, de payer la part résiduelle des œuvres pour en devenir propriétaire, très souvent en réalisant des économies substantielles par rapport au prix de vente initial.

L’intérêt de la pratique pour une entreprise

Exposer des œuvres dans un espace pour le public et les employés

L’achat puis l’exposition d’œuvres d’art en leasing est un phénomène de plus en plus courant. Il présente de nombreux avantages pour les entreprises, administrations et propriétaires de locaux loués aux travailleurs libéraux.

Il permet de créer un lieu agréable pour vos clients et les collaborateurs et renforce de manière simple et esthétique l’image et l’identité de votre structure ainsi que ses valeurs. Cette symbolique de l’aménagement de l’espace d’accueil et de travail ne doit pas être sous-estimée dans la stratégie de communication moderne des organisations.

Les avantages financiers

Outre le fait de pouvoir acheter une œuvre d’art à moindre coût tout en étalant les frais d’acquisition sur la durée, le prix facturé lors de la vente peut être déduit du résultat fiscal annuel de l’entreprise, ce qui réjouira votre comptable, en plus de la satisfaction de réaliser un investissement forcément profitable !

Acheter des œuvres d’art en leasing pour payer moins d’impôts

Les entreprises peuvent donc déduire le prix d’acquisition des œuvres d’art de leur résultat fiscal, ce qui fait de l’art un investissement judicieux. 

En plus de la valeur culturelle et patrimoniale de votre tableau ou de votre sculpture, l’existence de mesures fiscales incitatives liée à l’achat d’oeuvres d’art en leasing est fort appréciable.

Le loyer du leasing (en général compris entre 12 et 48 mois) entre dans le cadre de la décoration et l’aménagement des bureaux, au compte 6068 du plan comptable général. Il est par conséquent considéré comme une charge d’exploitation entièrement déductible de l’assiette imposable.

Artalistic, le partenaire privilégié des professionnels

Acheter des œuvres d’art en leasing permet donc aux entreprises et aux professions libérales d’acquérir de manière simple et progressive des œuvres intégrées aux ressources de chaque organisation.

De nombreuses entreprises ont choisi Artalistic ces dernières années pour leurs projets de décoration.

Si la démarche du leasing vous intéresse, ou si vous vous posez des questions quant à son opérabilité pour vous, n’hésitez pas à joindre notre équipe qui vous guidera de façon personnalisée en fonction de vos objectifs. Merci pour votre confiance.

Artistes les plus vendus: les records historiques

Si le marché de l’art est en pleine effervescence ces dernières années, battant des records de vente jusque là rarement ou jamais observés, comme nous le verrons dans la deuxième partie de cet article, les artistes les plus vendus ne sont pas forcément pourtant tous associés à l’art contemporain.

La sphère classique de la création est même très présente dans le décompte historique des plus grosses reventes relevées jusqu’à ce jour, comme en témoigne le classement suivant.

Classement des artistes les plus vendus

De Léonard de Vinci à Willem De Kooning, en passant par Gauguin, Cézanne, Modigliani, Picasso et Andy Warhol, voici le palmarès actuel des artistes les plus vendus dans le monde du point de vue des records des sommes dépensées pour l’acquisition de leurs tableaux:

1. Salvator Mundi, Léonard de Vinci (1500), vendu pour 450 millions de dollars en 2017;

2. Quand te maries-tu, Paul Gauguin (1892), vendu pour 300 millions de dollars en 2015;

3. Interchange, Willem De Kooning (1955), vendu pour 300 millions de dollars en 2015; 

4. Les joueurs de cartes, Paul Cézanne (1892), vendu pour 274 millions de dollars en 2011;

5. Shot Sage Blue Marylin, Andy Warhol (1964), vendu pour 195 millions de dollars en 2022;

6. Les femmes d’Alger, Pablo Picasso (1955), vendu pour 180 millions de dollars en 2015;

7. Nu couché, Amedeo Modigliani (1917), vendu pour 170 millions de dollars en 2015;

8. Woman III, Willem De Kooning (1952), vendu pour 159 millions de dollars en 2006;

9. Nu couché, Amedeo Modigliani (1917), revendu pour 157 millions de dollars en 2018;

10. Le rêve, Pablo Picasso (1932), vendu pour 155 millions de dollars en 2013.

Les autres artistes les plus vendus du classement

Citons également Gustav Klimt (Portrait d’Adèle Bloch-Bauer I), Vincent Van Gogh (Portrait du Dr Gachet), Roy Lichtenstein (Nurse), Edvard Munch (Le cri) ou Jean-Michel Basquiat (In this case) dont une exposition organisée par la Fondation Louis Vuitton devrait attirer la foule en cette année 2023. Tous ces grands noms apparaissent dans le Top 20 des artistes les plus vendus dans le monde.

Focus sur les années 2021 et 2022

Depuis environ une dizaine d’années, le marché de l’art connaît une progression constante et assez importante. Les ventes et échanges se multiplient, mais c’est surtout les sommes record allouées à certaines œuvres qui entraînent les chiffres vers les sommets, en termes de masse financière. Les dernières années ont été très parlantes en la matière, comme en témoignent les données suivantes.

Les records de l’année 2021

Voici la liste des artistes les plus vendus pour l’année 2021:

1. Pablo Picasso, vente de 3452 lots pour 671 millions de dollars;

2. Jean-Michel Basquiat, vente de 104 lots pour 439 millions de dollars;

3. Andy Warhol, vente de 1586 lots pour 348 millions de dollars;

4. Claude Monet, vente de 26 lots pour 305 millions de dollars;

5. Gerhard Richter, vente de 298 lots pour 246 millions de dollars;

6. Zhang Daqian, vente de 467 lots pour 240 millions de dollars;

7. Vincent Van Gogh, vente de 24 lots pour 235 millions de dollars;

8. Banksy, vente de 1186 lots pour 205 millions de dollars;

9. Cy Twombly, vente de 87 lots pour 182 millions de dollars;

10. Yayoi Kusama, vente de 778 lots pour 178 millions de dollars.

Le Top 10 de ce classement représente une valeur totale de ventes de plus de 3 milliards de dollars!

Les chiffres de 2022

Toutes les données de l’année 2022 ne sont pas encore totalement disponibles mais la tendance observée sur le marché de l’art reste la même, marquée par une activité constante au sein de laquelle les artistes les plus vendus continuent à faire parler d’eux.

C’est ainsi le cas de Paul Cézanne (1839-1906), toujours très coté, dont la Montagne Sainte-Victoire a été cédée pur 137 millions de dollars. Ce mont de la région d’Aix-en-Provence revient régulièrement dans l’œuvre du peintre français qui en a réalisé de nombreuses versions.

Seurat explose les compteurs

On signalera aussi la toile de Georges Seurat, Les Poseuses, vendue chez Christie’s pour près de 150 millions de dollars, un sommet de l’année écoulée. Cette œuvre est considérée comme un chef-d’œuvre du pointillisme.

Enfin, outre l’art catégorisé comme classique, l’art contemporain d’obédience pop art continue de séduire les collectionneurs, avec comme illustration le succès non démenti de l’illustre Andy Warhol, éternelle idole déjà mentionnée dans le classement des artistes historiques les plus vendus avec Shot Sage Blue Marylin, cédé pour 195 millions d’euros.

Lancez-vous avec Artalistic, la galerie d’art en ligne qui ne cesse de monter!

Acheter de l’art n’est pas réservé à une élite. De nombreuses œuvres d’intérêt sont disponibles à des prix accessibles, vous en aurez une idée en parcourant les centaines de galeries de peintures, dessins, photographies, sculptures et éditions limitées présentes sur Artalistic, galerie d’art en ligne de référence. Qui sait, les artistes pour lesquels vous éprouverez un coup de cœur sont peut-être les Warhol ou Basquiat de demain!

Si vous êtes artiste, ou si vous disposez d’œuvres d’art que vous souhaitez mettre en vente, n’hésitez pas à nous contacter également. Nous vous indiquerons la marche à suivre afin d’intégrer notre plateforme de vente en ligne, par exemple en vous apportant une aide pour l’estimation de vos biens. Notre équipe experte vous prodiguera aussi des conseils avisés en vue d’atteindre vos objectifs et de rencontrer des acheteurs potentiels.

Expositions 2023 à Paris: à ne surtout pas manquer!

Sayed Haider Raza, Centre Pompidou, du 15 février au 15 mai 2023

C’est la première fois qu’est consacrée une rétrospective à Sayed Haider Raza (1922-2016), artiste indien membre du Progressive Artists Group fondé en 1947 à Mumbai. Ce sera l’occasion de plonger dans la période la plus prolifique d’un créateur qui a passé une partie de sa vie à Paris, une époque marquée par le développement d’une œuvre formelle et conceptuelle imprégnée d’une dynamique transculturelle bien palpable et visible. Cette exposition parisienne à voir en début d’année 2023 offre des points de repère permettant de jauger de la complexité du projet moderne indien des années 1950 à 1990, via l’appréhension de l’espace globalisé de la création contemporaine. 

Chagall, Paris - New York, Atelier des Lumières, du 17 février 2023 au 14 janvier 2024

Immense peintre et créateur prolifique et inclassable, Marc Chagall (1887-1985), né en Biélorussie et naturalisé français, sera mis à l’honneur par l’Atelier des Lumières lors d’une spectaculaire et attendue exposition numérique qui présente des pièces retraçant l'ensemble de sa création. L’accent est porté sur ses liens avec Paris et New York, places centrales de l’art moderne représentant deux périodes cruciales dans la trajectoire de l’artiste. Ce sera là une occasion unique de voir sous un autre angle un artiste moderne à l’inventivité débordante, un voyage à travers un dispositif inédit dont seul l’Atelier des Lumières a le secret!

Germaine Richier, Centre Pompidou, du 1^er mars au 12 juin 2023

C’est d’un véritable hommage dont il s’agira au Centre Pompidou en l’honneur de la sculptrice Germaine Richier (1909-1952), qui fut la première artiste femme exposée de son vivant. Cette exposition restitue l’originalité de sa création et rappelle la place majeure qu’elle occupe dans l’art du 20^e siècle, notamment par son travail du bronze et son renouvellement idéologique des images de l’homme et de la femme, faites d’hybridations avec les formes de la nature.

Matisse. Cahiers d’art, le tournant des années 30, Musée de l’Orangerie, du 1^er mars au 29 mai 2023

Cette exposition mettra en lumière une période assez méconnue de l’œuvre d’Henri Matisse (1869-1954). Elle proposera la découverte de dessins, gravures, photographies, documents d’archives, extraits de films et publications diverses de la collection dédiée au maître du fauvisme. À ne pas manquer!

Giovanni Bellini, Influences croisées, Musée Jacquemart-André, du 3 mars au 17 juillet 2023

Parmi les expositions 2023 à Paris ayant trait à l’art classique, celle consacrée à l’artiste italien Giovanni Bellini vaudra assurément le détour. Elle plongera les visiteurs à l’époque de la Renaissance, à la découverte de son œuvre. Au programme: une magnifique exploration des toiles de ce grand maître de la peinture de la seconde moitié du 15^e siècle. Une cinquantaine d’œuvres issues de collections publiques et privées européennes de ce précurseur de l’école vénitienne seront visibles, mettant en exergue un langage artistique original sans cesse renouvelé.

Néo-romantiques, Un moment oublié de l'art moderne, Musée Marmottan Monet, du 8 mars au 18 juin 2023

Le musée Marmottan Monet réunira au printemps près d’une centaine d’œuvres afin de faire (re)découvrir au public l’un des premiers mouvements post-modernes reposant sur la remise en cause de l’abstraction et le retour à la figure. L’élan partit du Paris des années 1920 pour gagner les scènes artistiques américaine, anglaise ou italienne, tissant des passerelles entre Picasso, le surréalisme, les figuratifs du 20^e siècle ou les arts vivants. Une occasion rare d’admirer les œuvres de Christian Bérard (1902-1949), de Pavel Tchelitchew (1898-1957), d’Eugène (1899-1972), de Léonide Berman (1898-1976) ou de Kristians Tonny (1907-1977).

Léon Monet, Musée du Luxembourg, du 15 mars au 16 juillet 2023

Le musée du Luxembourg organisera également ce printemps une exposition insolite dédiée à Léon Monet (1836-1917), le frère de Claude (1840-1926). Si l’on ne présente plus ce dernier, le premier cité est moins connu. Il a pourtant joué un rôle important, voire décisif, dans la carrière du célèbre peintre impressionniste. Léon Monet était à la fois chimiste en couleurs, industriel et collectionneur. Cette exposition de 2023 à Paris réunit une centaine d’œuvres des maîtres de l’époque: Monet, bien sûr, mais aussi Sisley, Pissarro ou Renoir, ainsi que des livres de couleurs, des échantillons de tissus, des estampes japonaises, des documents d’archives, etc.

Manet/Degas, Musée d’Orsay, du 28 mars au 23 juillet 2023

Cette rencontre entre deux grands maîtres de la peinture augure d’un très bon moment. Peintres essentiels entre 1860 et 1880, Édouard Manet (1832-1883) et Edgar Degas (1834-1917) brillent par contre par une grande divergence quant à leur choix de carrière ou d'exposition. Pour cette exposition 2023 à Paris, le public aura l’opportunité de découvrir leurs contrastes saisissants ainsi qu’une mise en perspective inédite sur la période ante et postimpressionniste.

Elliott Erwitt, Musée Maillol, du 23 mars au 15 août 2023

Elliott Erwitt est un photographe américain d'origine russe né à Paris en 1928. Il est réputé pour ses clichés mettant en avant des scènes de rue ainsi que des portraits de personnalités telles que Marilyn Monroe, Jackie Kennedy, Charles de Gaulle, Che Guevara, etc. L’exposition organisée au musée Maillol proposera notamment de superbes photographies en noir et blanc et en couleur de 1949 aux années 2000, le tout à travers diverses thématiques.

L’exposition 2023 très attendue à Paris: Basquiat x Warhol, À quatre mains, Fondation Louis Vuitton, du 5 avril au 28 août 2023

On termine par l’un des temps forts des expositions 2023 à Paris: l’événement organisé par la Fondation Louis Vuitton autour de Basquiat et Warhol devrait attirer la foule. Il fait suite à l’exposition qui s’était tenue en 2018 exclusivement consacrée à l’artiste américain protéiforme et néo-expressionniste Jean-Michel Basquiat (1960-1988). Cette fois-ci, c’est de la collaboration entre Basquiat et Andy Warhol (1928-1987) dont il sera question, ces deux grands noms de l’art contemporain ayant réalisé environ 160 toiles ensemble, au milieu des années 1980. Des œuvres individuelles de chaque artiste seront également exposées.

Prolongez le plaisir avec la galerie d’art en ligne Artalistic!

Voilà pour le calendrier des expositions 2023 à ne manquer sous aucun prétexte à Paris. Si vous avez la chance de séjourner dans la capitale ou l’opportunité de vous y rendre, vous aurez donc l’embarras du choix !

En attendant, n’hésitez pas à parcourir l’exposition virtuelle permanente que vous propose la galerie d’art en ligne Artalistic à travers ses pages dédiées à la peinture, à la photographie, à la sculpture, au dessin et aux éditions limitées d’œuvres conçue par des artistes reconnus ou en devenir. Merci pour votre assiduité sur ce blog et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

Exposition Frida Kahlo à Paris: dépêchez-vous, il est encore temps!

Mauvaise nouvelle: les six mois consacrés à l’exposition sur Frida Kahlo à Paris touchent à leur fin. Bonne nouvelle: il vous reste encore environ un bon mois pour vous rattraper et profiter comme il se doit d’un événement incontournable de ce début d’année 2023. Histoire de (re)découvrir la vie, l’œuvre et la pensée de la peintre mexicaine au plus près de son intimité.

Une artiste iconique consacrée sur le tard

Frida Kahlo (1907-1954) est assurément l’une des artistes les plus reconnues et influentes du 20^e siècle, par son œuvre, sa vie et la signification d’une existence mêlée de joies et de beaucoup de larmes.

Peintre mexicaine réputée en tant que dépositaire d’un art surréaliste à nul autre pareil, Frida Kahlo est largement inspirée par l’histoire du Mexique, sa patrie. La nature et l’art populaire imprègnent son œuvre de manière harmonieuse, laquelle recense de nombreux autoportraits, une signature distinctive de la native du territoire de Coyoacan. Frida Kahlo a même peint plus d’autoportraits que Van Gogh et Rembrandt.

Le thème de la douleur — elle a énormément souffert physiquement une grande partie de son existence et fut handicapée suite à un accident de bus survenu alors qu’elle avait 18 ans, en plus des peines de cœur consécutives à une vie de couple tumultueuse avec le célèbre peintre de fresques murales Diego Riva — est également bien palpable dans ses compositions, de même que ceux du post colonialisme, du genre, de l’identité des cultures (celle des peuples indigènes du Mexique). L’exposition Frida Kahlo organisée à Paris reprend de magnifique manière ces divers sujets.

Un symbole d’émancipation à la fois féminine, politique et romantique

Si cette artiste autodidacte n’a pas toujours été célébrée à sa juste valeur durant sa vie, elle est petit à petit devenue un symbole de progressisme à partir des années 1990, et même une icône associée à de nombreuses prises de positions politiques émergentes teintées d’humanité et d’ouverture d’esprit, probablement en vue de rassembler le meilleur de la communauté et de cultiver l’élan collectif de groupe.

Frida Kahlo n’a jamais caché sa proximité avec le communisme. On lui prête d’ailleurs une liaison avec l’une des figures de la révolution russe de 1914, Léon Trotski, à l’époque où ce dernier fut obligé de fuir son pays pour se réfugier au Mexique. Son « Autoportrait à la frontière entre le Mexique et les États-Unis », réalisé en 1932, fait par ailleurs largement écho à son anti-américanisme avéré et sa détestation de l’impérialisme de la terre de l’Oncle Sam.

L’amour de sa vie

Sa vie aux côtés de Diego Rivera, humaniste au grand cœur, n’aura pas non plus été sans lien avec le parcours spirituel de Frida Kahlo, malgré les envolées volages de ce dernier. Mais un partage sensible pour la même vision du monde et une admiration réciproque pour les œuvres de chacun fonderont le socle immuable de leur relation et de leur amour immortel.

Ce célèbre couple d’artistes fait assurément partie de la mythologie de la grande histoire de l’art. « Une passion mélancolique selon Frida Kahlo », l’excellent livre de la docteure en histoire de l’art Christine Frérot le confirme de subtile façon.

À visiter de toute urgence sans tarder!

Si Frida Kahlo ne portait pas forcément la France ni la capitale française dans son cœur, au point d’être déçue d’un voyage organisé en 1938 — notamment par la ville qu’elle trouvait sale ainsi que par le microcosme intellectuel de l’époque, elle ira jusqu’à qualifier André Breton et les surréalistes de « bande de fils de putes lunatiques » — c’est pourtant dans l'Hexagone que se tient l’une des plus belles expositions de ce début d’année. À Paris. Frida Kahlo, sa vie et son œuvre y sont mises en exergue de façon remarquable.

Les origines de l’exposition Frida Kahlo à Paris

En 2003, l’ouverture des pièces de la Casa Azul, la maison de Frida Kahlo au Mexique jusque-là placée sous scellés à sa mort par Diego Rivera (1886-1957), révèle un prodigieux trésor renfermant plus de six mille photographies, trois cents vêtements, de nombreux documents, lettres, photos, bijoux et accessoires. Une partie (200 objets) est exposée à Paris au Palais Galliera, en plus de toiles emblématiques de l’artiste.

Une somptueuse garde-robe

L’exposition sur Frida Kahlo à Paris est notamment l’occasion d’admirer les robes de l’artiste mexicaine. En tête de cette prodigieuse garde-robe, les célèbres tenues traditionnelles mexicaines portées au quotidien, mais aussi des pièces du Guatemala ou de Chine, d’Europe ou des États-Unis. L’apparence de Frida Kahlo constituait pour elle un moyen d’exprimer ses préoccupations identitaires et politiques.

Exposition Frida Kahlo à Paris: renseignements

Voici tout ce qu’il faut savoir pour profiter de l’exposition sur Frida Kahlo à Paris, une bouleversante plongée intimiste dans la vie de l’artiste très bien orchestrée selon une rétrospective autobiographique et divers parcours thématiques.

Titre

«Frida Kahlo, au-delà des apparences»

Lieu et date

- Palais Galliera — 10 Avenue Pierre 1er de Serbie, 75116 Paris

- Du 15 septembre 2022 au 5 mars 2023

Horaires

- Du mardi au dimanche: 10 h à 18 h (21 h le jeudi soir)

- Fermeture: lundi et jours fériés

Tarifs

  - Tarif plein: 15€

  - Tarif réduit: 13€ 

  - Gratuit moins de 18 ans

  - Accessibilité Personnes à Mobilité Réduite (PMR)

Réservation fortement conseillée. Billeterie disponible ici.

Commissaires 

- Circe Henestrosa, conceptrice et commissaire de l’exposition, directrice de l’école de mode Lasalle College of the Arts, Singapour;

- Miren Arzalluz, directrice du Palais Galliera;

- Gannit Ankori, directrice en chef du Rose Art Museum, États-Unis.

Art numérique et art classique: amis ou ennemis?

L’art numérique n’est pas nouveau

Résolument sur le devant de la scène depuis une dizaine d’années, notamment en regard du boom des NFT et du crypto-art, l’art numérique puise pourtant ses racines au siècle dernier.

Si le terme art numérique a bien évidemment évolué au cours des décennies, sa naissance est ancrée dans les années 1960, en corrélation avec l'avènement puis la montée en puissance progressive de l’informatique et du langage binaire.

Très confidentiel malgré la présence d’artistes tels que Frieder Nake, mathématicien allemand pionnier de l’art informatique, l’art numérique gagne en consistance au fil du temps, par exemple dans le domaine de l’art vidéo avec les expérimentations de l’homme de télévision français Jean-Christophe Averty, dans les années 1980. C’est d’ailleurs à cette époque qu’est employé pour la première fois le terme art numérique, le distinguant de l’art classique (peinture, dessin, sculpture) riche de plusieurs siècles de création.

Avec l’explosion du World Wide Web à partir des années 2000, l’art numérique se démocratise, dans sa pratique comme dans ses usages.

Un art à part entière?

Comparée à l’histoire de l’art classique, celle de l’art numérique demeure cependant réduite, au point de remettre en cause sa légitimité et de soulever cette question qui revient régulièrement sur le devant de la scène: l’art digital est-il véritablement un art?

S’il diffère fondamentalement de la notion d’art classique, matériel et concret, l’art numérique produit des œuvres qui ne peuvent pas être exclues du champ de la création. Ce fait indubitable peut être illustré par les ventes records observées dans le domaine du cyber-art, notamment celles de l’incontournable artiste américain Beeple.

Son abstraction serait par contre un frein pour de nombreux critiques qui lui reprochent sa conception uniquement virtuelle ou immatérielle, à la différence de l’art classique et de son assise physique ou manuelle.

Les passerelles entre art numérique et art classique

Les artistes entremêlent pourtant de longue date les différents outils à leur disposition dans le processus créatif, utilisant divers supports ou moyens technologiques pour laisser libre cours à leur inspiration pour inventer et réinventer. Dans le cas de l’art numérique, cette assertion prend tout son sens, en outre sublimé par la maxime du Marshall McLuhan: «Le message, c’est le médium» (Pour comprendre les médias, 1964).

Cette affirmation du philosophe et sociologue canadien des médias mérite considération à l’ère moderne marquée par les progrès des techniques de l’information et de la communication au sein desquelles l’art numérique s’épanouit pleinement. En quoi le langage informatique binaire serait-il un outil non approprié à l’expression artistique? D’autant que de nombreux artistes contemporains, et pas des moindres, comme nous allons le voir, confirment par leurs pratiques récentes cette tendance irréfutable.

Art classique: modification et réinvention des pratiques

La technologie a de tout temps été étroitement liée à la création artistique propre à l’art classique: l’usage de la peinture à l’huile daté du 15^e siècle, la possibilité de se déplacer pour peindre en extérieur et ainsi de profiter des variations de lumière pour les impressionnistes, l’invention de l’appareil photo pour la captation du réel, ou, plus près de nous, donc, la naissance du digital.

L’avènement des artistes digitaux

Aujourd’hui, de nombreux artistes sont considérés comme uniquement « digitaux ». Ils innovent dans une sphère qui n’existait pas il y a quelques années encore. La démocratisation de l’accès leur offre une visibilité croissante et leur permet de vivre de leur activité, ce qui apparaît comme éminemment positif. Une évolution somme toute logique de notre époque et des modes de transmission adoptés par les nouvelles générations nées à l’heure de l’Internet.

Hockney et Koons aussi!

La révolution numérique n’a pas seulement permis de mettre en lumière ces nouveaux artistes, comme l’illustrent les œuvres récentes de signatures incontournables de l’art classique contemporain. Ils sont de plus en plus nombreux à intégrer les outils novateurs offerts par le numérique, de la modélisation en 3D à la réalité virtuelle en passant par l’intelligence artificielle.

Il en va ainsi du Britannique David Hockney, dont la dernière exposition au musée de l’orangerie à Paris a connu un vif succès (du 13 octobre 2021 au 14 février 2022). Cette icône du pop art et de l’hyperréalisme s’est fendue d’une grande frise peinte illustrant son cadre de vie en Normandie. Une œuvre monumentale de 90 mètres de long d’abord conçue sur iPad, sans pinceau ni peinture!

Autre exemple parlant, celui de l’artiste néo pop et plasticien américain Jeff Koons. Ce dernier utilise depuis plusieurs années les nouvelles technologies digitales, notamment la modélisation 3D et la réalité augmentée, en étroite collaboration avec des informaticiens et modélisateurs spécialistes des algorithmes. De l’art classique au numérique, la frontière apparaît alors bien ténue!

Marché de l’art 2022: l’année des records

Malgré les événements conjoncturels négatifs divers, dont la guerre en Ukraine, la crise de l’énergie ou la récession économique ayant gagné une bonne partie de la planète, le marché de l’art 2022 a affiché une santé éclatante au point de placer les curseurs de vitalité à des niveaux encore jamais entrevus.

La tendance printanière se confirme

Dans un contexte de sortie progressive de la période Covid, peu significative au niveau de l’activité et des chiffres, les ventes ont battu des records, les enchères se sont multipliées et les expositions, salons et foires ont connu une belle fréquentation, à l’instar de la première de Paris+ par Art Basel.

Les données du rapport annuel rédigé par The Art Market publiées par Art Basel & UBS dès le printemps dernier indiquaient déjà que le marché de l’art 2022 avait retrouvé et même dépassé le niveau observé avant la pandémie de Nouveau Coronavirus. Les informations recueillies mentionnaient un chiffre d’affaires impressionnant de 65,1 milliards de dollars.

Le reste de l’année a surfé sur la même vague porteuse à travers un marché qui n’a connu aucune faiblesse ni aucune crise, notamment grâce à la vente d’œuvres d’art de grands maîtres ayant rassemblé des collectionneurs et philanthropes reconnus, par exemple autour du nom de Paul Allen, fondateur de Microsoft, dont le décès a entraîné la vente monumentale de ses collections privées (1,6 milliard de dollars atteint le 11 novembre).

Marché de l’art 2022: plus de 50 œuvres franchissent la barre des 30 millions de dollars!

Dans le détail, ce sont plus de 50 œuvres qui ont été échangées moyennant des sommes supérieures à 30 millions de dollars, alors que le précédent record en la matière s’élevait à 36, lors de l’année 2015. Sur les 52 œuvres entrant dans cette catégorie, 24 d’entre elles ont même dépassé les 50 millions de dollars, gommant également le record de 15 œuvres de cette tranche établi en 2014. Quant à la barre des 100 millions de dollars, elle a été franchie à six reprises, tandis qu’elle ne l’avait jamais été plus de trois fois la même année. Là encore une première pour ce marché de l’art 2022!

Les collections privées ont le vent en poupe

La course effrénée aux chefs-d’œuvre est illustrée par des transactions jamais ou rarement vues. Il en va ainsi du portrait Shot Sage Blue Marilyn d’Andy Warhol, issu de la collection Ammann, cédé chez Christie’s pour 195 millions de dollars, ce qui en fait le tableau du 20^e siècle le plus cher vendu aux enchères.

Chez Sotheby’s, on peut également s’enorgueillir de la vente colossale de L’Empire des lumières de René Magritte, adjugé pour 79,8 millions de dollars lors d’une journée marquée par des sommets à Londres avec près de 300 millions de vente réalisés en 24 heures, moment important sur le marché de l’art 2022!

Quelles futures évolutions?

Si le tableau dressé ici apparaît idyllique, il convient malgré tout de tempérer cette vision, du moins de la nuancer. À commencer par avertir sur une éventuelle trop grande hégémonie des poids lourds du secteur.

Un bilan à nuancer

Comme expliqué précédemment, l’année du marché de l’art 2022 est en effet largement boostée par des ventes colossales. Et une fois de plus, ce sont les grandes maisons qui se sont partagé la plus grosse part du gâteau, les structures moins importantes devant se contenter de quelques miettes. Ainsi, les premières estimations laisseraient entendre que près de 95% des ventes d’arts impressionniste, moderne et contemporain auraient été réalisées par les iconiques enseignes Christie’s et Sotheby’s, dont 80% principalement à New York.

La capitale des USA réaffirme d’ailleurs son rôle de place forte de l’art, devant Londres, Hong Kong et Paris.

Les répercussions d’une trop forte concentration

La situation s’avère donc logiquement moins glorieuse pour les « petites » maisons et d’autres courants moins cotés que ceux précités, à tel point que les chiffres faramineux observés sur le marché de l’art 2022 pourraient bien masquer une santé économique bien plus nuancée qu’il n’y paraît pour la majorité des acteurs, lesquels ne disposent pas de la force de frappe stratégique et financière des leaders du secteur.

Marche de l’art 2022: quid de la dématérialisation du marché?

Les NFT dans le rouge?

S’il est trop tôt pour dresser un bilan de l’art digital, les premières tendances seraient très décevantes en ce qui concerne l’art numérique, certains spécialistes n’hésitant pas à parler d’ores et déjà d’un effondrement des NFT. Si cette évolution venait à se confirmer, elle serait probablement à mettre en grande partie sur le compte du krach observé dans la sphère des cryptomonnaies et de la blockchain à partir de l’été 2022.

La vente en ligne toujours en progression?

Par contre, le marché de l’art numérique pourrait encore une fois tirer son épingle du jeu, comme l’indiquait le dernier rapport Hiscox 2021. La dématérialisation des pratiques d’échange profiterait aux plateformes de vente d’œuvres d’art en ligne, notamment celles réputées pour leur niveau élevé d’expertise et de fiabilité. Vous le savez déjà, vous qui avez l’habitude de visiter le site Artalistic!

Une artiste contemporaine de poids… célèbre pour ses pois!

Yayoi Kusama est née au Japon, en 1929, à Matsumoto, près de la ville de Nagano. Célèbre artiste contemporaine toujours performante, elle a acquis ses lettres de noblesse à travers plusieurs disciplines: la peinture, la sculpture et la mise au point d’installations diverses.

Également écrivaine et même chanteuse, elle assoit son œuvre sur une constante, la place du "moi" dans l’immensité, en laissant voyager un esprit créatif qui se concrétise dans les formes artistiques naviguant de l’expressionnisme abstrait au pop art, en passant par le minimalisme ou l’art brut.

Les pois et la couleur

Créatrice prolifique et hors normes, Yayoi Kusama est aussi connue pour les motifs à pois qui sont omniprésents dans ses réalisations pléthoriques. Les pois colorés estampillent en effet ses œuvres et installations depuis des décennies. C’est dans son enfance que cette inspiration puise ses racines.

Les résonnances d’une maladie mentale

À 10 ans, elle souffre d’hallucinations qui la plongent dans une pièce se remplissant de pois de toutes les tailles et toutes les couleurs. Elle trouve alors dans le dessin un apaisement à son environnement qu’elle ressent comme oppressant, un univers invisible mais pourtant bien présent dans lequel elle craint d’être engloutie. C’est dans cette pathologie mentale que Yayoi Kusama puise son inspiration, la couleur étant un autre aspect important et caractéristique de ses productions.

En photo, la célèbre Citrouille de Yayoi Kusama dont une sculpture géante est érigée sur la plage de Naoshima.

Une trajectoire entièrement dédiée à l’art

Enfant, la future célèbre artiste contemporaine suit des cours à l’école municipale d’arts appliqués de Tokyo. Employée pour la confection de parachutes militaires, elle sera marquée par la période de conflit vécue par le Japon durant la Seconde Guerre mondiale.

Dès les années 1950, elle se consacre à l’exploration de formes plus abstraites qui interpellent dans les cercles artistiques japonais. La première exposition qu’elle organise en 1952 est un succès, mais la société traditionnelle japonaise, très hiérarchisée, semble être un frein à son épanouissement.

Elle projette un temps de partir pour Paris, mais sa correspondance avec une autre célèbre artiste contemporaine, l’Américaine Georgia O’Keeffe, pilier de l’abstraction et mère du modernisme américain, la conduit finalement à s’installer aux États-Unis, en 1957. L’artiste déclarera des années après: «Pour un art comme le mien, le Japon était trop petit, trop servile, trop féodal et trop méprisant pour les femmes. Mon art avait besoin d’une liberté plus illimitée, et d’un monde plus vaste.»

Une célèbre artiste contemporaine reconnue sur le tard

À New York, Yayoi Kusama étudie à la Arts Students League. Elle réalise alors la série «Infinity Net», un réseau infini de lignes et de pois, exposée à la Brata Gallery, en 1959. «Infinity Net» est également le titre de l’autobiographie écrite par l’artiste.

La critique de l’époque la classe dans le mouvement de l’Eccentric Abstraction, caractérisé par un refus du minimalisme strict et l’inclusion des émotions. Dans ce courant prédominent en outre la sensualité et les résonances sexuelles, exprimées au moyen de l’emploi de matières synthétiques et de formes organiques. En 1963, sa toute première installation a lieu dans la célèbre galerie Gertrude Stein, toujours à New York.

La célèbre artiste contemporaine est aujourd’hui réputée pour ses installations saturées de pois, une signature qui est devenue son emblème, mais Yayoi Kusama n’a acquis cependant une reconnaissance internationale qu’à partir des années 1990.

Les principaux coups d’éclat d’une artiste contemporaine parmi les plus célèbres au monde

Créatrice acharnée, Yayoi Kusama travaillait parfois de manière obsessionnelle, jusqu'à 50 heures d’affilée. Si son rayonnement mondial n’est pas immédiat, elle devient pourtant rapidement une figure centrale de la scène artistique new-yorkaise, côtoyant la sphère du pop art et des noms aussi prestigieux que ceux d’Andy Warhol et de Claes Oldenburg, ce dernier récemment disparu, le 19 juillet 2022.

Floor Show

Mêlant une approche de son art à la fois avant-gardiste et anticonformiste, l’artiste parvient à se renouveler avec une étonnante aisance tout en conservant son empreinte inimitable. À titre d’exemple, en 1965, son exposition à la Castellane Gallery de New York est un grand succès. Baptisée «Floor Show», elle propose aux visiteurs une folle immersion dans un espace rempli de larges miroirs et de ballons aux motifs à pois gonflés à l’hélium.

Venise

En 1966, Yayoi Kusama participe pour la toute première fois à la Biennale de Venise… Sans y avoir été invitée! Elle y organise un happening qui fait du bruit en lâchant 1 500 sphères miroitantes dans les eaux des canaux de Venise.

Le Kusama Art

Aujourd’hui, la célèbre artiste contemporaine japonaise est considérée comme une éminente signature du monde de l’art. Sa créativité débordante rend difficile le classement de son œuvre, au point que certains critiques n’hésitent pas à parler de «Kusama Art» pour définir une approche unique dans l’histoire de l’art.

Les motifs colorés de Yayoi Kusama se déclinent de nos jours dans de nombreux univers dont ceux de la mode (sacs à main de grandes marques, vêtements de créateurs), du mobilier et même de la construction (immeubles).

Impact environnemental de l’art numérique et des NFT: observations et critiques

Nous avons dernièrement publié plusieurs articles sur le phénomène de l’art digital qui explose littéralement depuis une dizaine d’années, au point de révolutionner possiblement le marché, du moins de le diversifier vers des territoires inexplorés. Les NFT et les artistes qui y sont associés défrayent la chronique, les records de vente se succèdent et l’engouement pour cette nouvelle forme artistique ne semble pas faiblir.

Le revers de la médaille

Si cette tendance a de quoi réjouir en regard d’une certaine démocratisation de l’art et d’opportunités inédites pour la création, notamment en ce qui concerne les jeunes générations portées sur les nouvelles technologies capables de briser les codes, les critiques se font de plus en plus sévères quant au désastre écologique que représenterait le phénomène, pointant, arguments à la clé, l’impact environnemental du numérique et des NFT.

Une empreinte carbone désastreuse

L’engouement généralisé autour de la légitimité, de la visibilité et de la popularité de l’art digital est en effet contrebalancé par son empreinte carbone pour le moins élevée. La situation est à mettre en corrélation avec la grande consommation d’énergie des machines et serveurs constitutifs de la blockchain.

Puisqu’un exemple sera plus parlant, prenons celui du GIF NFT «Space Cat» (représentant un chat dans une fusée se dirigeant vers la lune) qui équivaut à la consommation d’électricité d’un résident européen pendant deux mois. Le problème est que ce cas est loin d’être isolé, comme le rapporte une analyse de l’artiste numérique Memo Atken qui est parvenu à la conclusion que l’empreinte moyenne d’un NFT correspond à plus d’un mois d’électricité consommée par un habitant du vieux continent.

Impact environnemental de l’art numérique et des NFT: une consommation énergétique élevée

Si l’incidence carbone globale du monde numérique représentera 9% des émissions de gaz à effet de serre en 2025, l’impact environnemental des NFT depuis leur apparition ne risque donc pas d’améliorer la situation.

Dans le cas présent, le problème réside dans leur consommation importante d’énergie, et plus précisément celle de la blockchain qui leur donne vie. Cette technologie est composée de blocs d’informations binaires qui enregistrent des transactions et des échanges de signaux sur un réseau.

Les réseaux Bitcoin et Ethereum sont les plus connus, et la majorité des supports de l’art digital passe par cette dernière blockchain Ethereum. Problème: celle-ci est considérée comme très énergivore et son impact environnemental numérique est réel. Mais les choses ne sont pas figées et l’évolution récente de son protocole rebat les cartes.

La blockchain Ethereum opère sa mutation verte

PoW et PoS

De manière générale, les blockchains fonctionnent selon deux algorithmes de consensus différents, centralisés et sans aucun intermédiaire:

- le PoW (Proof of Work/Preuve de Travail): il comprend d’énormes pools de minage, des personnes possédant le matériel informatique nécessaire pour miner la chaîne et maintenir sa puissance. Ce protocole est très gourmand en énergie;

- le PoS (Proof of Stake/Preuve d’Enjeu): plus récent, il permet aux personnes (les forgeurs) de construire des blocs en mettant en jeu des jetons (tokens), par exemple des actifs de cryptomonnaies. Ce protocole se montre beaucoup moins énergivore. Il offre en outre une meilleure scalabilité (c’est-à-dire la capacité d'adaptation d'un réseau à une forte demande) et débouche sur des transactions beaucoup plus rapides et à moindre coût.

Le protocole PoS semble représenter l’avenir de la blockchain dans la mesure où il améliore les conditions de création et de cession des NFT d’un point de vue énergétique, réclamant nettement moins de ressources que le protocole PoW.

Ethereum 2.0

Alors que la blockchain Ethereum, celle par laquelle transitent majoritairement les œuvres d’art digital, reposait jusque récemment sur le protocole PoW, ses principaux instigateurs, dont l’entrepreneur et informaticien russo-canadien Vitalik Buterin, ont annoncé le passage au protocole PoS, réalisé en septembre 2022.

Baptisée The Merge, l’opération a été qualifiée de succès et pourrait à terme redorer le blason de l’Ethereum, dont le cours est en forte baisse depuis 6 mois, à l’instar, d’ailleurs, de celui des autres cryptomonnaies. Surtout, cette révolution devrait avoir des conséquences importantes et immédiates sur l’impact environnemental de l’art numérique et des NFT: avec Ethereum 2 et le protocole PoS, la consommation d’énergie de la blockchain serait réduite de 99,95%, ce qui est considérable.

Quid de l’impact environnemental futur de l’art numérique et des NFT?

Cette annonce a de quoi ravir les défenseurs de l’univers crypto et, par extension, celui de l’art digital. Pour autant, l’industrie du crypto-art demeure toujours confrontée à cet enjeu majeur de respect de l’environnement. La problématique écologique est au cœur des questions sociétales contemporaines et les règles devraient encore évoluer dans un avenir proche.

Ainsi, de nombreux professionnels du secteur rassemblant 200 entreprises d’envergure entendent se réunir rapidement afin de définir un accord mondial de réduction de l’empreinte carbone des cryptomonnaies. Le Crypto Climate Accord devrait à terme fixer des objectifs résolument élevés: une transition vers les énergies renouvelables d’ici 2030 pour toutes les blockchains, avec une empreinte carbone nette réduite à zéro d’ici l’année 2040. L’ambition est belle, même s’il faudra attendre pour juger de sa réelle réussite qui est celle du gommage complet de l’impact environnemental du numérique relatif à la blockchain.

D’ici là, et même si chacun se fera son propre jugement, il peut apparaître plus sage d’investir dans le modèle traditionnel de l’art. Vous aurez l’embarras du choix en visitant les galeries de la plateforme Artalistic qui recense une profusion de peintures, photographies, dessins, sculptures et éditions limitées d’œuvres réalisés par des artistes contemporains reconnus ou émergents.

Le meilleur de l’art contemporain avec Paris+ par Art Basel 2022, anciennement FIAC

Art contemporain: Paris+ par Art Basel succède à la FIAC

Pas de FIAC 2022 cette année à Paris, mais une nouvelle foire internationale d'art contemporain qui est en fait la première édition parisienne du salon né en 1970 à Bâle, décliné ensuite à Miami et à Hong Kong. Nommé Paris+ par Art Basel, ce rendez-vous inédit a été couronné de succès. Plus de 40 000 visiteurs ont en effet admiré les différents projets qui ont animé le Grand Palais Éphémère pendant trois jours sur le Champ de Mars, en attendant la fin des travaux au Grand Palais prévue pour 2024. Le dynamisme de la manifestation a été salué par de nombreux observateurs conquis par une programmation très dense proposant un large choix d’activités: conférences, expositions, stands divers, etc.

Une première très réussie

Les responsables d’Art Basel avaient un objectif en tête, celui de donner naissance à un événement voué à créer de nouvelles « passerelles entre l’art contemporain et les industries culturelles françaises telles que la mode, la musique, le design et le cinéma. » Mission visiblement accomplie quand on sait que cette édition inaugurale de Paris+ par Art Basel a rassemblé 156 galeries ayant des adresses en France mais également dans des pays d’Europe, d’Afrique, d’Asie, d’Amérique du Nord et du Sud et du Moyen-Orient. Les organisateurs annoncent l’enregistrement de nombreuses ventes grâce à la participation active de collectionneurs de standing et d’institutions internationales diverses. Paris conforme ainsi sa place de choix sur la scène de l’art contemporain.

D’ailleurs, ce succès repose sans aucun doute en partie sur l’étroite collaboration des organisateurs avec les institutions culturelles de la ville Paris.

Des chiffres à plusieurs zéros!

Ce sentiment de réussite est également bien palpable chez les artistes, comme le témoignait Patrick Goddard, Britannique de 38 ans qui a séduit avec ses maquettes d'escargots envahissant des lieux de vie communs comme l’habitat ou les gares: «Paris redevient une place centrale de l'art contemporain et moderne en Europe.»

Parmi les transactions les plus remarquées de Paris+ par Art Basel, on citera la vente d’un tableau de Kehinde Wiley cédé pour 880 000 euros, un Joan Mitchell pour plus de 4,5 millions d’euros, un Giacometti pour 2,7 millions d’euros, un George Condo pour 2,6 millions d’euros et un Christopher Wool pour 1,5 million d’euros.

Paris+ par Art Basel déjà incontournable dans le panorama de l’art contemporain

Appelé à devenir un rendez-vous incontournable de l’art contemporain, Paris+ par Art Basel s’est aussi appuyé sur tout un circuit hors-les-murs en développant un programme de sculptures et d’installations à travers Paris, et autres expositions en plein air, avec pour objectif de créer de nombreux événements off. On notera par exemple le magnifique travail de l’artiste plasticienne germano-polonaise Alicja Kwade qui a présenté sur la place Vendôme sa plus grande installation réalisée à ce jour – Au cours des Mondes –, ou encore la programmation remarquée du secteur « Sites », au jardin des Tuileries.

Clément Delépine, directrice de Paris+ par Art Basel, se réjouissait ainsi: «Je crois que cette semaine marque un véritable point d’inflexion pour la communauté artistique en France, un point où les acteurs culturels de Paris se sont réunis pour présenter collectivement, sur la scène mondiale, le meilleur de ce que la ville a à offrir. L’effervescence qui règne dans les halls et dans tout Paris témoigne du nouvel élan de la ville et de l’esprit de collégialité qui a rendu possible l’extraordinaire succès de cette première édition.»

Place aux nouveaux talents!

Dénommé Galeries Émergentes, tout un secteur de Paris+ par Art Basel était dédié uniquement aux jeunes artistes contemporains.

Il n’aura donc pas échappé à l’œil des spécialistes le beau succès rencontré par les artistes émergents de l’art contemporain. Paris+ par Art Basel a ainsi mis en lumière certains d’entre eux appelés à devenir des signatures incontournables dans un futur proche.

À titre d’exemple, on citera la directrice de la galerie parisienne Sans Titre, Marie Madec, qui a offert une belle visibilité à l’artiste suisse d’origine malgache Jessy Razafimandimby, tout juste âgée de 27 ans, dont la totalité des œuvres a trouvé preneur!

Autant de talents qui auront séduit le président français Emmanuel Macron et la ministre française de la Culture Rima Abdul Malak, dont les visites ne sont pas passées inaperçues, à la grande satisfaction des représentants de Louis Vuitton, l’un des éminents partenaires de Paris+ par Art Basel.

Vivement la prochaine fois!

Paris+ par Art Basel, c’est terminé, mais, afin de prolonger le plaisir et ce bel événement de l’art contemporain, n’hésitez pas à parcourir les diverses galeries du site Artalistic à la découverte de peintures, sculptures, dessins, photographies et éditions limitées réalisés par des signatures reconnues ou les grands noms de demain. Merci et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

5 célèbres photos en noir et blanc

Le champignon atomique de Nagasaki, Lieutenant Charles Levy, 1945

Le 9 août 1945, à très précisément 11 h 02, l’armée américaine lâche Fat Man, une deuxième bombe atomique sur le Japon, trois jours après le largage de Little Boy, la première bombe atomique, au-dessus de la ville d’Hiroshima.

Emblématique de l’horreur de la guerre et de la folie des hommes, ce moment a été figé sur pellicule par le lieutenant de l’US Air Force Charles Levy, à bord d’un bombardier qui survolait la zone à 16 kilomètres au-dessus de la ville de Nagasaki.

La masse étrange qui monte de façon monumentale dans les airs est nouvelle à l’époque. Elle dissimule l’effroi qui se joue à terre et sur le sol jonché de corps brûlants et sans vie. La cité nipponne est soufflée, rasée. L’humanité vient de basculer dans une folie qui valorise les vainqueurs au détriment de victimes qui n’existent pas. Cette célèbre photo en noir et blanc exprime une fascination malsaine retranscrite par les mots du photographe: « Nous avons vu ce grand panache s’élever jusqu’au ciel, violet, rouge, blanc, de toutes les couleurs – comme du café bouillant. Ça avait l’air vivant ! »

La guerre est un enfer, de Horst Faas, 1965

Autre célèbre photo en noir et blanc en rapport avec la barbarie sous-tendue par la guerre, cette prise de vue a été réalisée au Vietnam, le 18 juin 1965, par le photographe Horst Faas. Elle met à l’honneur le soldat Larry Wayne Chaffin, de la 173^e Brigade Aéroportée Bataillon qui défendait la piste d’atterrissage Phouc Vinh, dans le sud du pays.

Cette photo est absolument fantastique dans la mesure où elle laisse apparaître deux « punctums », pour reprendre un pan de la théorie de Barthes développée dans La chambre claire: le regard perçant et rempli de sincérité de ce jeune homme, diamétralement opposé au slogan qu’il a apposé sur son casque, War is hell. Ce contraste symbolise à merveille l’insoluble contradiction entre la vie promise à une jeunesse avide de rêve et la volonté politique guerrière des dirigeants qui brisent les espoirs d’une génération entière. 

L’histoire raconte que le soldat Chaffin, originaire de Saint-Louis, dans le Missouri, a éprouvé beaucoup de problèmes à se réadapter à la vie civile quand il est rentré du Vietnam. Il décédera en 1985 à l’âge de 39 ans, vaincu par une maladie attribuée à son exposition à l’agent orange, exfoliant herbicide et arme toxique très utilisée au Vietnam.

Gandhi et son rouet, par Margaret Bourke-White, 1946

Célèbre photographie en noir et blanc signée Margaret Bourke-White, cette œuvre fige pour la postérité Gandhi près d’un rouet, instrument ancien qui était utilisé pour le filage de la laine. Le rouet traditionnel indien est appelé chakra. Il est le symbole de la liberté en Inde et figure sur le drapeau national.

On ne présente plus Gandhi, sage parmi les sages, figure politique de l’Inde indépendantiste avec Nehru et précurseur de la désobéissance civile non violente face à l’oppression du pouvoir. Les Indes britanniques obtiendront leur indépendance en 1947, un an avant que le Mahatma ne soit assassiné par un extrémiste hindou.

Grande voyageuse, la photographe Margaret Bourke-White est quant à elle célèbre pour ses clichés de bâtiments et de la Seconde Guerre mondiale.

Le salut Black Power, par John Dominis, 1968, célèbre photo sportive en noir et blanc

En ce 17 octobre 1968, les Jeux olympiques de Mexico sont marqués par un événement faisant souffler un vent de révolte sur le monde du sport, et bien plus que ça. Lors d’une cérémonie protocolaire, deux des trois médaillés de l’épreuve du 200 mètres brandissent leur poing ganté de noir, les yeux rivés vers le sol. Il s’agit des athlètes américains Tommie Smith et John Carlos, qui expriment ce jour-là une revendication contre le racisme et l’exclusion dont sont toujours victimes les Afro-Américains aux USA.

L’image de John Dominis fait le tour de la planète et cet acte politique tourne au scandale, dans la mesure où le geste reproduit par Smith et Carlos, le poing levé, est un signe de reconnaissance symbolique du Black Panther Party, bien qu’ils n’appartiennent à aucune formation revendiquée Black Power.

Nick Brandt, Factory with elephant, 2014

Photographe anglais qui consacre exclusivement son art à la réalisation de clichés illustrant la vie sauvage en Afrique, Nick Brandt est un aventurier qui ne se sert jamais de téléobjectif, comme c’est ordinairement le cas dans la sphère de la photographie animalière. Il s’approche au plus près des scènes qu’il capture, parfois à ses risques et périls!

Le message de l’artiste anglais est clair: «Livrer l’un des derniers témoignages de la magnificence des paysages et des animaux sauvages, avant leur destruction par l’homme». Pour y parvenir, il utilise l’argentique, scanne ses négatifs et retouche les images, sans ajouter aucun élément. Il ressort de son travail un voyage dans le temps qui restitue de manière majestueuse la beauté de l’Afrique, sa faune, sa flore et ses paysages.

Les jetons non fongibles, une révolution?

Investir dans l’art numérique NFT: un marché en pleine explosion

Les NFT (non fungible tokens, jetons non fongibles) sont-ils capables de révolutionner le marché de l’art contemporain? Cette question se pose de plus en plus fréquemment dans un secteur jusqu’ici soumis à des règles classiques d’achat et de vente basées sur la matérialité des œuvres.

Atteignant parfois de très hautes valeurs et s’échangeant contre des millions de dollars, certaines créations attirent un nombre croissant d’investisseurs, à l’instar des œuvres de Beeple. Attention cependant: l’art digitalisé façon NFT semble aussi rentable que risqué au point qu’investir dans l’art numérique NFT n’est pas forcément recommandé par certains experts.

Sur les deux dernières années, l’impact des NFT est tel que leur valeur a été multipliée par 10 sur le marché de l’art numérique. Les chiffres de l’année 2021 révèlent que les NFT généraient jusqu’à 10 millions de dollars par jour!

Un tableau a-t-il toujours plus de valeur qu’un NFT?

Depuis quelques années, les NFT ont envahi la sphère numérique et notamment l'art digital, au point d’entraîner une spéculation notoire dans le domaine des transactions.

Un NFT est en fait une donnée informatique chiffrée composée d'un type de jeton cryptographique représentant un objet. Sa valorisation est rattachée à une identité numérique qui n’est pas échangeable (non fongible, en opposition aux jetons fongibles), ce qui en fait sa rareté et lui confère parfois son fort potentiel attractif en tant qu’objet unique. C’est là le principal argument technologique en faveur des NFT, dans la mesure où un contenu numérique est à l’ordinaire échangeable et duplicable à l’infini.

L’investissement dans l’art numérique NFT, la panacée postmoderne?

À ce titre, la définition de la valeur d’un NFT correspond à la même logique que celle qui fonde celle des tableaux ou des peintures classiques, à savoir la valeur cultuelle d’une œuvre d’art telle que l'interprétait Walter Benjamin en reprenant les préceptes de Hegel. Il semble dès lors de plus en plus difficile d’opérer une distinction fondamentale entre ces deux formes d’art: un tableau a-t-il plus de valeur qu’un NFT? Le fait d’investir dans l’art numérique NFT va-t-il devenir la nouvelle norme du prochain siècle?

Investir dans l’art numérique: oui ou non?

Oui, c’est l’avenir de l’art!

Les NFT sont donc des données binaires et virtuelles stockées et identifiées via un protocole de chaînes de blocs, la fameuse Blockchain sur laquelle repose également l’univers des cryptomonnaies dont le Bitcoin et l’Ethereum sont actuellement les représentants les plus connus et porteurs.

À l’instar des plus grands tableaux peints par les maîtres de l’impressionnisme, ou plus près de nous, les icônes du pop art, les NFT sont uniques et numérotés, acquérant la rareté des toiles exposées dans les plus grandes galeries ou musées du monde.

Ces œuvres digitales sont instantanément dotées du pouvoir de rareté garanti par un certificat d’authenticité numérique. Il est alors devenu possible de vendre une œuvre numérique en tant qu’œuvre originale.

Les bénéfices de l’avènement de l’art numérique NFT sont également pluriels. Précisons notamment que:

- les artistes numériques trouvent de nouveaux débouchés et des modes inédits de rémunération à la hauteur de leur travail;

- l’art numérique participe à la démocratisation de l’art de manière générale.

Ce panorama n’est pourtant pas forcément aussi idyllique qu’il y paraît et investir dans l’art numérique NFT n’est peut-être pas tant porteur que le laisse présager l’engouement actuellement observé.

Non, ce nouveau marché est peu fiable!

Une valeur d’exposition quasiment nulle

La légitimité artistique des NFT interroge d’abord par leur valeur d’exposition. Un tableau est entièrement concret et matériel. Le fait de pouvoir l’admirer dans un musée ou de pouvoir en profiter chaque jour à la maison constitue un plaisir que ne pourra jamais remplacer le stockage de jetons dans un disque dur d’ordinateur ou un téléphone portable, même si les geeks ne seront probablement pas d’accord avec cette version qui remet en cause la notoriété des Cryptopunks qu’ils vénèrent!

Une unicité pas si unique…

Si un NFT est unique, il n’en demeure pas moins fractionnable et les milliers de parties qui le composent peuvent être vendues à de nombreuses personnes en même temps. C’est ainsi le cas de l’œuvre The Merge, divisée en 266 445 unités numériques, elles-mêmes partagées entre 28 983 acheteurs et acheteuses! Avouez qu’on est quand même assez loin de la valeur cultuelle fondée sur la rareté dont nous parlons un peu plus haut!

Un marché très volatil

Si investir dans l’art numérique NFT apparaît porteur et que les œuvres digitales sont encore bien cotées aujourd’hui, le marché demeure peu fiable, à l’instar des faits observés récemment dans la sphère des cryptomonnaies. Tout comme le Bitcoin et l’Ethereum qui sont en chute libre ces dernières semaines, la dégringolade est également enclenchée pour les NFT, dont les sommets ont été atteints en août 2021, il y a plus d’un an déjà. Le marché de l’art classique, l’un des plus vieux au monde, est considéré comme éminemment plus stable que celui des NFT. Et les œuvres d’art matérielles constituent une réserve de valeur intéressante toujours largement privilégiée par les collectionneurs.

Un impact négatif sur l’environnement

L'empreinte environnementale laissée par la Blockchain pourrait aussi avoir tendance à freiner les investisseurs. Celle-ci nécessite des infrastructures très énergivores peu bénéfiques pour la planète (multiples machines, serveurs informatiques d'envergure), on le sait depuis longtemps. La solution pourrait venir de la mise à jour récente et novatrice de la blockchain Ethereum dont les spécialistes annoncent qu’elle économisera trois quarts des besoins énergétiques jusque là nécessaires pour son fonctionnement.

Keith Haring, street artiste inspiré et engagé

Originaire de Pennsylvanie, Keith Haring (1958-1990) est très tôt passionné par l’objet artistique. Il commence par noircir des carnets de dessins et s’adonne à des collages humoristiques de journaux.

Direction New York et l’underground avant-gardiste

À la fin des années 1970, après des études en dessin publicitaire à Pittsburgh, il intègre la School Visuals of Arts de New York et se consacre entièrement à l’art. Très vite, Keith Haring se rapproche du milieu du street art qui émerge à l’époque et se prend de passion pour le graffiti.

La culture alternative des années 80 entre en ébullition, elle associe des noms aussi prestigieux que ceux d’Andy Warhol et de Jean-Michel Basquiat. Keith Haring fait désormais partie de cette avant-garde new-yorkaise qui va faire écho sur l’ensemble du globe.

 Bientôt proche de la sphère hip-hop, Keith Haring délaisse le graffiti mais conserve les codes et l’énergie du mouvement des danseurs, des DJs et des graffeurs. Il mûrit son art qui s’exprime en dehors des lieux conventionnels habituels, s’emparant des murs des rues, des espaces publicitaires du métro et des façades des entrepôts qu’il recouvre de fresques dans un style figuratif perpétuellement à la recherche de simplicité. Sa signature devient une référence identifiable au premier coup d’œil.

Approche artistique

Street artiste militant et engagé associé à la mouvance pop art, Keith Haring excelle dans un style inimitable qui fait la part belle au trait, épais ou non, et réduit les formes à leur strict minimum. Faisant penser à la bande dessinée et aux dessins animés, les personnages qui peuplent ses œuvres sont stylisés, colorés et au final très expressifs.

Des ennuis avec la police jusqu’à la reconnaissance

Infatigable et productif, il est arrêté par la police à plusieurs reprises pour vandalisme mais parvient à intégrer le mythique Club 57, repaire de l’effervescence créatrice de la Big Apple. Keith Haring impressionne et interpelle. Andy Warhol devient son mentor et il fait dorénavant figure d’activiste artistique à l’influence considérable dans les mondes de l’art, de la culture et de la mode.

La consécration

Sa notoriété explose, il répond à de nombreuses commandes publiques et expose dans les plus grands musées tout en continuant à s’adonner à sa passion pour le street art. Il réalise ainsi des œuvres aux quatre coins du monde, parmi lesquelles les plus emblématiques du courant associant pop art et street art. Artiste engagé, Keith Haring interpelle aussi par la critique sociopolitique qui transparaît dans ses œuvres. C’est là un point central dans la carrière et même dans la vie de ce créateur hors normes. À titre d’exemple, il peint en 1986 une fresque de 300 mètres de long sur le mur qui scinde en deux la ville de Berlin.

Les enjeux sociaux contemporains sont toujours présents dans l’esprit de Keith Haring. Racisme, violence, homophobie, sexe, mort, dangers du capitalisme, révolution technologique et combat en faveur de la protection de l’environnement constituent ses principaux sujets de prédilection.

Le street art engagé made in Keith Haring

Adoptant une démarche de démocratisation de l’art qu’il juge trop confidentiel, Keith Haring associe également un engagement de tous les instants à son activité. Face à la dureté de ses thèmes favoris, il oppose un esprit conceptuel rassemblant les notions de paix, d’amour, d’égalité dans un langage visuel universel. Il utilise son art afin d’exprimer ses idées sur le monde qu’il rêve sans doute secrètement de transformer.

Keith Haring: le street art au service de l’engagement social

Un engagement de tous les instants sur tous les fronts, une vision qui transcende bien au-delà des frontières: tel pourrait-on résumer la courte mais passionnante vie de Keith Haring. Nombre de ses tableaux et sculptures – il nous est malheureusement impossible d’en faire ici l’inventaire! – traduisent sa pensée qui se formalise sur de nombreux sujets sociétaux:

- le capitalisme: Haring se veut très critique face à la société américaine de consommation et à la puissance de l’argent qu’il abhorre;

- la religion: s’il respecte la foi individuelle, il s’inscrit en faux par rapport à l’idéologie de contrôle des religions;

- les mass media: dès la fin des années 1980, il craint la substitution de la réalité par les nouvelles technologies et l'hégémonie du progrès;

- le racisme: il a toujours pris part en faveur de la défense des minorités;

- écologie: il a également été un visionnaire dans ce domaine, redoutant très tôt les ravages de l’activité humaine sur l’équilibre et la biodiversité de la planète ;

- l’homophobie: il a de tout temps été du côté de l’émancipation des personnes LGBT.

Keith Haring décède malheureusement des suites du Sida en 1990, à l’âge de 31 ans, laissant derrière lui une empreinte éternelle à laquelle s’identifieront de nombreux artistes comme Banksy ou JR.

Le meilleur de l’art contemporain est sur Artalistic!

Si vous souhaitez prolonger ce voyage au cœur du pop art et du street art engagé de Keith Haring, n’hésitez pas à parcourir les galeries de ce site à la découverte d’artistes reconnus ou émergents évoluant dans les mêmes arcanes que l’immense artiste américain.

Artalistic est une plateforme de vente en ligne de référence sur le web. Vous y découvrirez de nombreuses œuvres d’obédience art contemporain: peintures, dessins, sculptures, photographies, éditions limitées, etc.

Merci pour votre fidélité et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

Investir dans l'art contemporain, quelle riche idée! 

Diversifier son patrimoine sur un secteur porteur

Si l’environnement économique régulièrement secoué par les crises financières successives rend les placements d’argent complexes, il est un domaine où performer dans la diversification de son patrimoine a le vent en poupe: celui de l’investissement sur le marché de l’art contemporain. Alternative plus que crédible aux placements traditionnels, le secteur de l’art contemporain bénéficie d’une cote en hausse constante depuis le tournant des années 2000. Les chiffres de l’indice Artprice 100 (la référence mondiale concernant l'art ancien, moderne et contemporain) le confirment ainsi de manière concrète et très nette, avec une progression non démentie et impressionnante du marché global de l’art de près de 400% en 20 ans.

Des chiffres parlants

Si l’on dénombrait au maximum 500 000 collectionneurs d’art au sortir de la Seconde Guerre mondiale, ils seraient en ce moment plus de 70 millions à travers le monde à opter pour l’investissement sur le marché de l’art. Voici encore quelques chiffres illustrant bien la vitalité d’un secteur en pleine ébullition :

- le produit des ventes d’art a été multiplié par quatre en 20 ans, de 3,2 milliards de dollars en 2000 à 13,3 milliards de dollars en 2019;

- l’art contemporain représente aujourd’hui environ 40 % du marché mondial;

- les pays les plus impliqués dans cette tendance sont respectivement les États-Unis, la Chine, le Royaume-Uni et la France.

Parmi les records de vente les plus remarquables, on citera le Salvator Mundi, toile peinte par Léonard de Vinci, cédée pour 450 millions de dollars en 2017. Les artistes contemporains comme Jackson Pollock, David Hockney, Mark Rothko ou Edward Hopper sont également particulièrement valorisés. Surtout, ils ne sont que la façade apparente d’un microcosme en devenir qui recèle d’innombrables talents et signatures émérites, les grands noms de l’art contemporain de demain.

Investir dans l’art contemporain sur un marché en pleine expansion

Autre symptôme qui vous décidera peut-être à investir dans l’art contemporain, ce marché n’est plus réservé à une élite. Sa démocratisation est bien réelle comme l’illustre ce chiffre précis: près de 80% des ventes portent sur des œuvres cotées à moins de 5 000 dollars selon une étude publiée en 2018 par Artprice, entreprise d’information de référence sur le marché de l’art. Ainsi, même avec un capital de départ réduit, il vous sera tout à fait possible de vous lancer. Et, qui sait, acquérir pour une somme très raisonnable une œuvre qui prendra une valeur conséquente dans quelques années! Diversifier son patrimoine avec un petit porte-monnaie est à la portée de tous. Miser sur des artistes émergents peut même réserver de belles surprises!

L’explosion du marché virtuel

Tout aussi intéressante est l’apparition de la digitalisation du marché de l’art contemporain. Les ventes en ligne se multiplient et de nombreuses galeries virtuelles ont fait leur apparition sur le web, traduisant un engouement réel pour ce domaine porteur de diverses possibilités. Attention, cependant, à la fiabilité de toutes ces adresses, seule une poignée d’entre elles étant reconnues comme sérieuses d’un bout à l’autre du processus d’achat et de vente des supports artistiques. Si vous êtes en train de lire cet article, vous êtes en tout cas sur une plateforme considérée comme l’une des leaders de sa sphère d’action, Artalistic étant aujourd'hui une référence incontournable sur la toile.

Les raisons financières d’investir dans l’art contemporain

Diversifier son patrimoine en investissant dans l’art contemporain se révèle être une excellente valeur refuge à condition de se conformer à une stratégie préalablement définie, ou alors en se faisant accompagner par des experts. Vous trouverez dans cet article de précieux conseils sur le sujet.

C’est principalement au niveau fiscal que cette opportunité s’affirme comme la plus intéressante. Ainsi, la seule détention d'œuvres d'art ne supporte aucune fiscalité. Et la taxation n’intervient qu’au moment de la revente, selon la législation suivante:

- Soit au régime forfaitaire à hauteur de 6,5 % du prix total de la vente;

- Soit au régime «réel» sur la plus-value à hauteur de 19 % de taxe et 17,2 % de prélèvements sociaux.

On soulignera par ailleurs que ce type d’investissement n’entre pas dans les éventuels impôts soumis à la fortune immobilière. Il représente donc un moyen afin de défiscaliser une partie de son patrimoine.

Diversifier son patrimoine avec Artalistic !

Avec Artalistic, galerie d’art en ligne recensant des milliers de peintures, dessins, photographies et sculptures d’obédience art contemporain, investir dans l’art pour diversifier son patrimoine n’a jamais été aussi simple!

Vous bénéficiez d’une plateforme sûre et sécurisée gérée par des professionnels aguerris qui travaillent en toute transparence, notamment au niveau de la traçabilité des œuvres et de leur authenticité. Vous pouvez également vous appuyer sur les conseils avisés d’une équipe experte qui vous accompagne au plus près de votre plan d’investissement.

Un accompagnement sur mesure

Le marché de l’art est évolutif et parfois complexe, voire spéculatif. Nous vous aidons à décrypter les tendances porteuses et fiables en fonction de vos envies et de vos choix, le tout en vue d’une diversification patrimoniale optimale.

L’équipe d’Artalitic bénéficie d’une grande expérience ainsi que d’une vision globale du marché de l’art dont elle maîtrise les multiples subtilités et les us et coutumes. En choisissant Artalistic, vous vous assurez d’une relation privilégiée avec des spécialistes reconnus qui sauront vous orienter dans le but de satisfaire vos attentes.

N’hésitez pas à nous contacter et à nous poser de questions, nous vous répondrons dans les plus brefs délais. Merci pour votre confiance et à très bientôt!

Les expositions à ne pas manquer à l’automne 2022

Frida Kahlo, Palais Galliera, du 15 septembre 2022 au 5 mars 2023

Considéré comme le musée dédié à la mode, le Palais Galliera crée l’événement en consacrant une exposition très attendue à l’icône incontournable qu’est Frida Kahlo (1907-1954). Au programme, une rétrospective de la carrière de l’artiste mexicaine montée en partenariat avec le Museo Frida Kahlo. Plus de 200 pièces à l’ordinaire visibles dans la maison de naissance de Frida Kahlo, la Casa Azul à Mexico, seront ainsi acheminées à Paris pour le plus grand bonheur des visiteurs qui s’annoncent nombreux. Baptisé Frida Kahlo, au-delà des apparences, l’événement s’affiche comme un moment fort de la rentrée. Il permettra au public de (re)découvrir un illustre nom de la peinture à travers une multitude d'œuvres emblématiques qui jalonnent une existence hors du commun ponctuée de moult combats politiques, par exemple un engagement sans faille pour la cause féministe.

Füssli, musée Jacquemart-André, du 16 septembre 2022 au 23 janvier 2023

On ne peut que saluer l’initiative du musée Jacquemart-André qui met à l’honneur le peintre suisse Johann Heinrich Füssli (1741-1825) à travers la découverte d’œuvres qui feront voyager les visiteurs dans un univers onirique et magique, entre cauchemar et conte de fées, entre ombre et lumière. L’exposition Füssli, entre rêve et fantastique rassemble une soixantaine d’œuvres en provenance de collections publiques et privées, dessins et esquisses qui permettent d’avoir une vision d'ensemble de la carrière de cet artiste assez peu connu en France. Füssli était avant tout un peintre de l'imaginaire dont l’inspiration puisait ses racines dans la mythologie, la Bible ou encore les grandes œuvres de la littérature shakespearienne.

C'est à Füssli que l’on doit notamment le très célèbre tableau du Cauchemar perché sur une jeune femme endormie. Une œuvre magistrale qui en dissimule bien d’autres tout aussi passionnantes, oscillant entre le sentiment de terreur et celui du rêve.

Foire foraine d’art contemporain, Le 104, du 17 septembre 2022 au 29 janvier 2023

Lieu incontournable à Paris, Le 104 se met en quatre et propose une exposition ludique à travers la Foire foraine d'art contemporain. Ce rendez-vous joyeux et coloré, très étonnant, fera revivre au public l’environnement caractéristique des fêtes foraines et de l’imaginaire qui en découle: manèges et attractions, barbe à papa, jeux, peluches géantes, tours de magie, etc.

 Une cinquantaine d’artistes contemporains du monde entier ont été conviés pour l’occasion. Les œuvres présentes coexisteront dans une ambiance où se mêlent les arts populaires, les arts du spectacle et l'art contemporain. Les codes traditionnels d’une exposition classique sont transcendés, ce qui transforme l’aventure en une véritable fête des sens et de l'art. Tours de manège, mer de ballons, trains-fantôme, lancer de fléchettes, maison de l'horreur, tir à la carabine: de nombreuses installations raviront petits et grands. De multiples photos, sculptures et autres peintures agrémenteront également ce voyage immersif étonnant.

Edvard Munch, musée d’Orsay, du 20 septembre 2022 au 20 janvier 2023

Nous vous en parlions en début d’année, l’exposition annoncée par le musée d’Orsay consacrée à Edvard Munch (1863-1944) constitue l’un des événements majeurs du calendrier 2022. Intitulée Edvard Munch, Un poème d’amour, de vie et de mort, elle donnera à voir plus de 150 œuvres du peintre norvégien élevé au rang d’icône depuis longtemps.

 Organisée en partenariat avec le musée Munch d’Oslo, cette exposition s’avère également très intéressante dans la mesure où elle propose la découverte de documents et de manuscrits évoquant les incursions du maître dans le champ de la littérature, c’est là une facette moins connue de la vie de Munch. Ce sera forcément l’occasion, à n’en pas douter, de pousser un cri… de joie en contemplant tous ces trésors retraçant les différentes périodes du peintre, entre expressionnisme, symbolisme et postimpressionnisme !

Rosa Bonheur, musée d’Orsay, du 18 octobre 2022 au 15 janvier 2023

Le musée d'Orsay promet comme à l’habitude un programme d’une riche densité puisqu’il placera également sous les projecteurs l’œuvre de Rosa Bonheur (1822-1899), un rendez-vous à ne manquer sous aucun prétexte. Figure incontournable du 19^e siècle, connue aussi bien en Europe qu’aux États-Unis, Rosa Bonheur fut l’une des plus grandes artistes de son époque. Cette rétrospective met en avant des trésors inédits dont certains ont été retrouvés dans le grenier de son ancien château, situé à Thomery, en Seine-et-Marne.

Plus de 200 peintures, sculptures, photographies d’obédience naturaliste et réaliste seront exposées à partir de la mi-octobre, certains de ses objets étant issus de collections publiques et privées. Ce sera une bien belle façon de se familiariser avec une artiste aux multiples facettes engagée dans de nombreux combats sociaux, un peu à l’instar de Frida Kahlo, puisque Rosa Bonheur était considérée comme un symbole de l’émancipation des femmes.

Avec Artalistic, l’achat et la vente d’œuvres d’art en ligne, c’est facile!

Voilà pour les expositions immanquables de cet automne à Paris! En attendant de pouvoir les visiter, si vous en avez la chance, n’hésitez pas à parcourir les galeries de ce site à la découverte d’œuvres et d’artistes dignes d’intérêt: peintures, photographies, sculptures, dessins, éditions limitées, etc.

Plateforme spécialisée dans les transactions entre artistes, vendeurs et acheteurs, la galerie d’achat et de vente d’œuvres d’art en ligne Artalistic est un acteur majeur du secteur sur le Net. Son équipe experte vous guidera en toute transparence dans les divers processus d’achat et de vente.

Artistes, collectionneurs et amateurs d’art contemporain, n’hésitez pas à nous contacter pour davantage d’informations. Nous vous répondrons dans les plus brefs délais. Merci pour votre confiance!

Une trajectoire singulière

Le maître du trompe-l’œil, c’est lui. Derrière des lunettes noires et un chapeau élégant se cache Jean-René, dit JR, maître de l’art contemporain né à Paris en 1983.

Du graffiti aux collages photographiques immenses

Passionné dès l’adolescence par le graffiti, il ne cache pas non plus très vite ses aspirations pour le multiculturalisme qu’il va rapidement tenter de mettre en avant à travers une posture qu’il qualifie lui-même d’activisme urbain.

Dès 2001, l’artiste français parcourt l’Europe armé d’un appareil-photo. Il discute avec les gens qu’il croise, écoute leur message et colle les clichés des portraits obtenus sur les murs des villes, dans les sous-sols et sur les toits. La signature JR est née. Vingt ans plus tard, d’innombrables collages gigantesques auront tapissé les rues et les monuments du monde entier.

Depuis le début du siècle, les œuvres de JR créent régulièrement le même éblouissement. En voici quelques-unes.

Les œuvres emblématiques de JR, artiste contemporain

Deux œuvres de JR parmi les plus célèbres de l’artiste

Inside Out Project (2011)

En 2011, lors de la conférence TED de Long Beach en Californie, lauréat d’un prix qui lui offre une belle manne financière, JR appelle à la création d’un projet global dont le leitmotiv pourrait ainsi s’exprimer: «Ensemble, changeons le monde en utilisant l’art!»

Inside Out fonde l’idée d’un projet d’art participatif qui entend délivrer le message de communautés du monde entier en tissant des passerelles entre elles. Dix ans plus tard, environ 400 000 portraits sont affichés dans les rues de 138 pays. Cette œuvre de JR est sans doute la plus célèbre du photographe parisien. Elle sous-tend des milliers d’actions au sujet du féminisme, du racisme, du changement climatique, de la diversité, de l'éducation ou des droits de l'enfant.

The Standing March (2015)

La création The Standing March est une installation collaborative, une œuvre de JR en partenariat avec le réalisateur américain Darren Aronofsky, lequel avait notamment défrayé la chronique cinématographique en 2000 avec le film choc Requiem for a dream.

La composition qui regroupe les visages de 500 personnes a été projetée sur la façade de l’Assemblée nationale, à Paris, lors de la tenue de la Conférence sur le changement climatique de 2015. Cette performance s’inscrit dans un contexte où le gouvernement français a interdit, pour des raisons de sécurité, les marches pour le climat prévues depuis parfois plus de 18 mois en marge de la COP21.

JR indique vouloir fournir à travers The Standing March une représentation de l’humanité. Diffusé en boucle le 29 novembre 2015 de 20 heures à 4 heures du matin sur la façade du palais Bourbon, un film promotionnel l’accompagne dont la bande sonore est créditée par des membres du légendaire groupe de trip hop Massive Attack. Son leader, Robert Del Naja, ne serait autre que l’un des piliers du street-art, le célèbre et mystérieux Banksy.

2021, année faste

La pyramide de Khephren, la tour Eiffel, le Palazzo Strozzi

Il n’y avait que JR pour avoir l’idée d’étêter la pyramide de Khephren, sur le plateau de Gizeh, en Égypte. Via un trompe-l’œil fascinant baptisé Salutations de Gizeh, c’est chose faite, une première dans la mesure où ce lieu historique bénéficie d’une exposition d’art contemporain.

Au printemps précédent, l’œuvre de JR créée depuis la place du Trocadéro, à Paris, institue une illusion de vide bluffante sous la tour Eiffel (photo d’illustration).    

Un peu plus tôt dans l’année, JR habillait la façade du Palazzo Strozzi de Florence, en Italie, d’un collage monumental nommé La Ferita (la blessure), représentant un trou béant dans l’édifice.

Les principaux travaux de la décennie 2010

La Havane (avril 2019)

Cette œuvre de JR a vu le jour à l’occasion de la Biennale d’art contemporain organisée à Cuba. Ce collage photographique représente un enfant regardant les toits de la capitale cubaine. Cette composition éphémère a un temps été visible à La Havane.

La pyramide du Louvre (mars 2019)

Après avoir fait disparaître la pyramide du Louvre en 2016, JR la fait rejaillir de terre en posant un collage sur le sol de la cour Napoléon, aidé de 400 volontaires. Ce jeu optique était également projeté sur deux écrans géants placés dans la cour. Le nom de l’événement: Le Secret de la grande pyramide.

La porte de Brandebourg (2018)

L’œuvre de JR intitulée Freedom célébrait les 28 ans de la réunification allemande. Pour l’occasion, la célèbre et symbolique porte de Brandebourg, à Berlin, a été recouverte d’une installation photographique monumentale mettant en scène le peuple allemand en liesse après la chute du Mur, en 1989.

Kikito (2017)

Installée à la frontière entre les USA et le Mexique, Kikito est une œuvre éphémère de JR. Réalisée avec le concours d’artistes de la ville de Tecate, elle montre un enfant mexicain regardant par-dessus la barrière séparant les deux pays. Elle intervenait à une époque où le programme DAC de Barack Obama permettant la régularisation de la situation des clandestins venait d’être annulé par Donald Trump.

Rio de Janeiro (2016)

JR a fait sensation avec plusieurs trompe-l’œil – sa signature iconique - à l’occasion des Jeux olympiques de Rio. Quatre géants en noir et blanc représentant des sportifs en pleine action étaient ainsi dispersés dans la ville brésilienne.

La pyramide du Louvre (2016)

Au printemps 2016, cette œuvre singulière de JR fait disparaître la pyramide du Louvre par un jeu de collage photographique très réussi dont le street-artiste a le secret.

Millerntor Stadium from the Heiligengeistfeld (2014)

Chaque année à Hambourg, en Allemagne, le Millerntor Stadium devient une plateforme de dialogue et d'échange au sujet des processus de transformation sociale. Le stade de football dans lequel évolue le FC Sankt Pauli, club reconnu pour son esprit d’ouverture, son activisme antiraciste et ses positions pro LGBT, organise ainsi un rassemblement culturel et éducatif autour de l’art et de la musique. Il y a quelques années, JR y avait participé en proposant ses services de créateur hors pair, pour la plus grande joie des plus de quinze mille visiteurs. Vous découvrirez des informations sur l’événement sur la page Millerntor Gallery.

Les villas de personnalités du monde artistique

La maison de Claude Monet à Giverny

C’est au printemps 1983 que Claude Monet (1840-1926) s’installe à Giverny, en Normandie. La nature verdoyante qui se déploie autour de sa maison lui inspire ses plus beaux tableaux. Le maître de l’impressionnisme y peindra les célèbres Nymphéas, magnifiquement mis en valeur par le musée Marmottan, à Paris. Claude Monet était passionné de plantes. Accompagné de jardiniers et de paysagistes, il a fait du jardin de Giverny un endroit à nul autre pareil, dont la nature resplendissante éblouit aujourd’hui toujours les visiteurs: saule pleureur, rosiers, pivoines et… nymphéas, bien sûr! La visite intérieure de la maison vaut également le détour, notamment par les couleurs et la lumière qui se dégagent de la cuisine et de la salle à manger.

La maison de Gustave Moreau à Paris

Paris, 14 rue de La Rochefoucauld. À la fin de sa vie, le peintre, graveur, dessinateur et sculpteur français Gustave Moreau (1826-1898) rassemble à cette adresse la majorité de ses toiles, avec l’objectif d'établir un musée dédié à ses créations. Il décide même de sacrifier son atelier au second étage pour en faire un espace plus vaste. Le musée accueille aujourd’hui plusieurs milliers de tableaux et dessins ainsi qu’une quinzaine de sculptures. Le magnifique escalier en spirale qui mène au troisième étage de la maison au cachet suranné ajoute au caractère fastueux et mythique de la visite.

La maison de Frida Kahlo à Mexico

Lors d’une visite à Mexico, un passage par la maison de l’iconique Frida Kahlo (1907-1954) se révélera forcément nécessaire pour tout amateur d’art qui se respecte!  Rendez-vous donc au numéro 247 de la Calle de Londres, dans le centre de Coyoacan, où a été bâtie la Casa Azul, la maison bleue où Frida vécut la majeure parie de sa vie. Cette élégante villa à la façade colorée abrite également un musée dédié à l’artiste surréaliste mexicaine. L’occasion de (re)découvrir l’histoire de la vie passionnante de l’une des artistes les plus inspirantes du 20^e siècle, un destin associant entre autres, l’homme de sa vie, Diego Rivera, au révolutionnaire communiste russe Léon Trotski.

La maison de Salvador Dali à Portlligat

Direction l’Espagne et le soleil où siège la non moins sublime maison-musée de Salvador Dali (1904-1989), une maison de pêcheur dans laquelle l’artiste vécut toute sa vie.  Ce trésor caché de la côte catalane prend des allures de labyrinthe. Nichée à flanc de colline, la maison donne sur une petite plage qui fait de l’endroit un paradis que l’on peut visiter, à la découverte de nombreuses œuvres et objets personnels de Dali. Des archives vidéo retracent également l'histoire du lieu.

La maison d'Auguste Rodin à Meudon

Auguste Rodin se retire dans les 20 dernières années de sa vie à Meudon, en compagnie de sa femme, Rose Beuret. À partir de 1893, il habite la somptueuse Villa des Brillants, où il a d’ailleurs été enterré.  La vaste maison est veillée par la statue du « Penseur », elle abrite aujourd’hui un musée en hommage au sculpteur. Les visiteurs auront la chance de déambuler dans la Galerie des plâtres, située en contrebas de la villa, qui lui servait probablement d’atelier.

La maison d'Auguste Renoir à Cagnes-sur-Mer

Atteint d’une maladie pulmonaire, Auguste Renoir s'installe en 1907 dans le sud de la France afin de pouvoir profiter d’un climat sec et d’une atmosphère lumineuse. Il décide de s’établir à Cagnes-sur-Mer, au Domaine des Collettes, où il vivra jusqu'à sa mort aux côtés de son épouse. Cette somptueuse demeure de type provençal a été transformée en musée dans les années 1960. Elle est entourée d’un jardin luxuriant remarquablement dessiné. La maison de Renoir renferme une riche collection des œuvres du maître ainsi que des archives intimes.

Les lieux institutionnels de création et d’exposition

La Villa Médicis

Haut lieu de la culture, la Villa Médicis, à Rome, a été construite vers 1545 sur le mont Pincio à l'initiative du cardinal Giovanni Ricci di Montepulciano. On la doit à l'architecte Giovanni Lippi et à son fils Annibale Lippi.  En 1803, Napoléon Bonaparte y transféra l’Académie de France. Aujourd’hui, le lieu accueille des artistes et des chercheurs en résidence afin de leur permettre d’approfondir leur art ou leur travail.

La Villa Lena

Toujours en Italie, mais cette fois-ci en Toscane, la Villa Lena est située à Palaia. Son architecture du 19e siècle a été aménagée par la décoratrice Clarisse Demory. C’est un hôtel de luxe qui, tout comme la Villa Médicis, accueille en son sein des résidences d'artistes multidisciplinaires: peintres, sculpteurs, musiciens, écrivains, etc.

La Villa Arson

À Nice, la Villa Arson a été repensée par l’architecte Michel Marot en 1972. Reconnaissable à ses façades rouges, elle est bâtie dans un style italien du 18e siècle et appartient au négociant avignonnais Pierre-Joseph Arson. La Villa Arson accueille une école nationale supérieure d'art née de l’initiative du ministère de la Culture d'André Malraux, mais aussi un centre national d'art contemporain, une résidence d'artistes et une médiathèque.

La Villa Kujoyama

La Villa Kujoyama est localisée à Kyoto, au Japon. Elle a vu le jour en 1992 suite aux plans imaginés par l'architecte Kunio Kato. Elle est le lieu d’une résidence d'artistes de tous horizons associée à l’Institut français du Japon. C’est d’ailleurs la seule résidence française en Asie.  

Galerie d’art en ligne Artalistic

Galerie d’art en ligne de référence sur le web, Artalistic vous présente le lieu immatériel de son action ! Pour cela, n’hésitez pas à parcourir nos pages dédiées à l’achat et à la vente d’œuvres d’art, dans les domaines de la peinture, du dessin, de la sculpture ou de la photographie. Des centaines d’œuvres signées par des artistes reconnus ou émergents dont certaines en éditions limitées sont intégrées à notre catalogue.

Une galerie d’art en ligne pour les passionnés et les néophytes

La galerie d’art en ligne Artalistic est une plateforme spécialisée dans les transactions entre artistes, vendeurs et acheteurs d’objets artistiques dans un style contemporain. Elle facilite les échanges et réunit une véritable communauté autour d’une passion partagée.

Son équipe experte vous accompagne selon toutes vos demandes, même les plus spécifiques suivant un parcours personnalisé pensé pour vous donner entière satisfaction.

Si vous n’êtes pas forcément familier du secteur de l’art, ce n’est pas un problème. Nous nous tenons à votre entière disposition afin de répondre à toutes vos questions!

Qualité, transparence, fiabilité, efficacité: les axes forts de la galerie d’art en ligne Artalistic

Aralistic s’appuie sur une équipe de spécialistes issus du monde de l’art, avec une bonne expérience des galeries, des maisons de vente aux enchères et des cabinets d’expertise.

La galerie d’art en ligne Artalistic met en relation directe les artistes et les acquéreurs. Aucun intermédiaire n’intervient dans le processus d’achat et de vente des œuvres.

Chaque étape de la transaction est suivie de façon minutieuse. Le paiement en ligne est bien évidemment hautement sécurisé et les œuvres ont bénéficié en amont d’un contrôle de certification et d’authentification.

En quelques années seulement, Artalistic est devenue une adresse de référence dans le monde de l’art contemporain. Merci pour votre confiance!

Plongée au cœur de l’art numérique et de l’art digital

Art numérique, art digital: définition

L’art numérique et l’art digital définissent le même projet, à savoir la réalisation d’objets artistiques à partir d’éléments de l’électronique binaire et d’une matrice informatique utilisés à la fois dans le processus de création et d’exhibition.

Aujourd’hui, ce vaste mouvement de l'art contemporain qui ne cesse de repousser les limites de l’inventivité se décline selon plusieurs formes distinctes :  modélismes 3D, pixel art, peinture digitale, sculpture digitale, installations et art vidéo, etc.

Certaines oeuvres connaissent un succès retentissant et forment un marché considérable par l’ampleur des sommes qui y transitent, comme c’est par exemple le cas avec les NFT.

De Laposky à Beeple

Pour la petite histoire, sachez que l’on considère que le pionnier de l’art numérique et digital est le mathématicien américain Benjamin Francis Laposky, lequel fut le premier à obtenir des images graphiques générées par ordinateur. 

Art numérique et art digital: des objets artistiques à part entière

Si les critiques furent dans un premier temps nombreuses, stigmatisant cette matière uniquement technologique comme étrangère à la sphère de la création, l’art numérique et digital ne diffère en fait de l'art traditionnel que par le prisme des moyens et outils utilisés pour produire un contenu original.

C’est évidemment dans la forme un bouleversement anthropologique majeur, mais d’un point de vue strictement ontologique, la subjectivité créatrice et inventive de l’artiste demeure identique à celle de ses illustres prédécesseurs peintres, sculpteurs ou photographes. Il suffit de constater l’aura dont jouit aujourd’hui un artiste comme Beeple, dont le NFT «Everyday: the first five thousand days» s’est vendu pour près de 70 millions de dollars.

Une matière inépuisable source de multiples créations

De fait, l’art numérique et digital, de par les capacités techniques et technologiques sur lesquelles il s’appuie, représente un vaste territoire aux ressources infinies, mettant en jeu des méthodes de création aussi variées que nombreuses.

Il est couramment convenu de répertorier en trois grandes catégories les possibilités artistiques offertes par l’art numérique et l’art digital: les médias visuels générés par ordinateur, la photographie et la peinture numériques et les installations numériques, dont le vidéo mapping qui connaît de plus en plus de succès. Nous allons passer en revue dans la suite de cet article quelques-unes de ces catégories. 

Les différents champs de la création

La photographie numérique

L’appareil photo numérique est employé afin de produire une image parfaite, difficile à obtenir avec un appareil photo traditionnel. Grâce au processus informatique, de nombreux effets spéciaux sont applicables au cliché travaillé: jeu sur la lumière, les couleurs, les retouches, les incrustations, etc.

Le photo-painting

Il désigne l’édition de photographies avec un rendu proche de celui de la peinture. Cette pratique est largement associée à la photographie numérique. Après affichage d’une photo sur ordinateur, l’artiste peint sur l’image numérique à l’aide d’outils et d’applications logicielles diverses.

Les tableaux digitaux

Ils forment un peu l'essence de ce qu'est l'art numérique et digital aujourd'hui. Type artistique très répandu, ils permettent des possibilités de création étendues grâce à la maîtrise de l’informatique et la performance de logiciels en constante amélioration. Les tableaux digitaux sont ainsi la plupart du temps conçus à partir de la technique du graphisme assisté par ordinateur qui facilite la visualisation de volumes animés en plusieurs dimensions. Cette discipline ne se cantonne pas à l’univers artistique, on la retrouve également dans la communication audiovisuelle et médiatique.

Le dessin vectoriel

Les logiciels de dessin vectoriel sont très utilisés pour la production d’images destinées à un environnement purement virtuel. La peinture vectorielle entre également dans cette sphère d’application et de création. Elle est ainsi conçue à partir de codes binaires aboutissant à la définition de formes et de lignes droites variant selon les formules géométriques et les types de motifs souhaités.

L’art interdisciplinaire

Dans le domaine de l’art digital et numérique, il est également appelé Integrated Digital Art ou mixed media, l’art interdisciplinaire correspond au mélange entre les éléments d’une photographie et des graphismes numériques. Cette combinaison permet l’obtention de résultats uniques. La créativité des artistes américains et canadiens est reconnue dans ce domaine, même s’ils n’ont rien inventé puisque Edgar Degas associait déjà des pastels avec du charbon et des encres d’imprimerie à ses dessins. Un précurseur en la matière!

Le vidéo mapping

On le nomme aussi réalité augmentée spatiale. C’est une technique de projection par ordinateur utilisée pour transformer ou faire vivre des objets sur une surface d'affichage ou un support quelconque. Le vidéo mapping peut être pratiqué à échelle réduite (fond de scène des concerts de musique actuelle) ou sur de vastes ensembles comme les monuments et les bâtiments architecturaux. Cette forme d’art numérique et digital connaît aujourd’hui de plus en plus de succès.

L’art vidéo

Si de nombreuses installations utilisent les dispositifs vidéo, il nous semble que l’art vidéo constitue une discipline à part entière qui nécessite davantage qu’un simple paragraphe pour pouvoir en faire le tour! Ce champ d’expression et de créativité mérite assurément d’être traité selon un thème indépendant de l’art numérique et digital. Nous vous présenterons bientôt un article sur le sujet.

Architecture: 10 musées parmi les plus beaux au monde

Les 5 édifices à voir absolument en Europe

La Fondation Louis Vuitton, à Paris

Imaginée et conçue par l’architecte Franck Gehry, la Fondation est un édifice en verre aux courbes remarquables. Situé à Paris, dans le bois de Boulogne, ce bâtiment unique repousse les limites de l’architecture et s’affirme comme un lieu ambitieux dont la mission est de favoriser et de promouvoir la création artistique sur le sol hexagonal, mais également à l’international. Son apparence évolue en fonction de l’heure du jour et des variations de lumière, allégorie de l’éphémère et du changement perpétuel. Assurément l’un des plus beaux musées du monde.

Le Musée Guggenheim de Bilbao, en Espagne

Lieu forcément connu des amateurs d’art contemporain, le Musée Guggenheim est incontournable pour tout voyageur se rendant en Espagne. C’est également à l’architecte américain Franck Gehry que l’on doit cette construction hors du commun : à son sommet, une sorte de fleur métallique surplombe l’Atrium, espace très caractéristique et central du musée. Cet exemple d’architecture d’avant-garde du 20^e siècle est célèbre dans le monde entier.

Le Kunsthaus de Graz, en Autriche

C’est en 2003 qu’a été inauguré ce bâtiment imaginé par les architectes Peter Cook et Colin Fournie à l’occasion de la célébration de la ville de Graz en tant que capitale européenne de la culture. Ses concepteurs l’ont surnommé le « Friendly Alien ». Il faut bien avouer que son allure technoïde, voire futuriste, fait également penser à une chenille à plusieurs yeux ou un organe humain… Précisons que les buses placées au sommet permettent à la lumière de pénétrer dans les galeries hautes de l’édifice, par ailleurs paré de 925 tubes fluorescents qui diffusent des messages et des images. L’un des plus beaux et plus intriguants musées du monde!

Le Musée The Eye, à Amsterdam

The Eye a été inauguré en 2012 par la reine Béatrix en personne, au cœur d’un quartier industriel en pleine reconstruction. Son design comporte la signature de l’agence d’architecture viennoise Delugan Meissl. Ce bâtiment, qui ne passe pas inaperçu lorsque l’on se promène le long du fleuve IJ, est doté d’une façade cristalline dans laquelle se reflète l’eau du fleuve ainsi que la lumière du jour. Une superbe terrasse permet de déjeuner dans un environnement ultramoderne. The Eye abrite en fait le musée néerlandais du cinéma et le Eye Film Institute, équivalent de la Cinémathèque française.

Le Mucem, à Marseille

Construction minimaliste mais d’une grande modernité contemporaine, le Mucem est un lieu consacré aux cultures de la Méditerranée. Œuvre signée Rudy Ricciotti, le bâtiment de forme rectangulaire est relié au fort Saint-Jean par une longue passerelle. Réalisé en béton fibré, il offre un aspect extérieur en résille qui joue avec les variations de la lumière tout en matérialisant un rôle de protection des salles intérieures. Chargé d’histoire, l’endroit fait écho à la civilisation antique et au patrimoine. C’est également un point d’ancrage pour les générations présentes et à venir.

Les 5 musées les plus beaux du monde en dehors de l’Europe

Le Musée Ordos, en Chine

Signature du cabinet d’architecture MAD, le Musée Ordos séduit par sa forme tout en rondeur et sa couleur sable qui s’accorde à merveille avec l’ambiance désertique caractéristique de son environnement. Sa façade est composée de panneaux métalliques jouant un rôle de protection contre les tempêtes de sable, justement, et les vents froids et desséchants de l’hiver. À mi-chemin entre la tradition chinoise et un présent futuriste, il fait figure de l’un des plus beaux musées du monde.

Le Zayed National Museum, à Abu Dhabi

Pensé pour être un lieu témoin de la transformation sociale et économique de l’émirat d’Abu Dhabi, avec l’organisation d’expositions retraçant son histoire et sa culture, ce magnifique ouvrage est l’œuvre des Britanniques Foster & Partner. Construit en acier et en verre, il est appelé à faire partie d’un gigantesque ensemble culturel sur l’île Saadiyat.

Le Musée d’art contemporain de Niteroi, au Brésil

Avez-vous déjà pris le temps de contempler des œuvres d’art à l’intérieur d’une soucoupe volante ? C’est ce que vous propose ce musée considéré comme l’un des plus beaux du monde. Sa structure résolument futuriste est la marque d’une signature parmi les plus connues, en l’occurrence celle de l’architecte brésilien Oscar Niemeyer. Une visite incontournable lors d’un éventuel voyage à Rio.

Le Musée Soumaya de Mexico, au Mexique, plus beau musée du monde?

Parmi les plus beaux musées du monde figure sans conteste le Soumaya de Mexico, véritable prouesse architecturale que l’on doit à Fernando Romero. La construction brille par son gigantisme autant que par les milliers d’hexagones métalliques qui recouvrent ses façades cubiques déstructurées. Tout simplement grandiose et impressionnant.

Le Musée Royal de l’Ontario, au Canada

Le Musée Royal de l’Ontario était à l’origine localisé dans un bâtiment du 19^e siècle qui a été agrandi en 2007, notamment par la construction d’une nouvelle aile véritablement moderne. Celle-ci jaillit dans la rue au milieu de la circulation. Le contraste est saisissant avec l’ensemble urbain historique. C’est l’architecte Daniel Libeskind qui en est l’auteur.

A Bigger Splash de David Hockney: focus sur une œuvre célébrissime

A Bigger Splash de David Hockney est une peinture acrylique sur toile réalisée en 1967 par l’artiste britannique. Elle est visible à la Tate Gallery de Londres et comporte une spécificité remarquable sur d’autres productions des années 1960: un cadre blanc, peint sur la toile elle-même, délimite la scène. Cette marge viserait à affirmer le caractère moderne de la création dans ses concrétisations abstraite et bidimensionnelle.

Un amateur de piscines!

Tableau sans doute le plus célèbre de David Hockney, A Bigger Splash révèle la passion de son auteur pour les piscines. Une obsession, même, qui conduira cette signature emblématique du pop-art à puiser son inspiration dans des catalogues édités par des constructeurs et installateurs de ce genre d’équipement!

Troisième peinture faisant suite à The Little Splash et The Splash, A Bigger Splash permet à David Hockney de nous plonger dans le rêve californien, assez loin de ses autres thèmes de prédilection que sont les compositions végétales et aquatiques.

Inspiré par le monde de l’image et la photographie, le dandy britannique à l’esprit rebelle qui vit aujourd’hui en Normandie traduit via cette œuvre une épure des symboles et du mode de vie américain, insistant sur les poncifs du décor. Il en ressort une impression énigmatique qui pose de nombreuses interrogations, dont quelques réponses pourront être proposées à travers l’analyse de détails.

A Bigger Splash de David Hockney: le grand plongeon

La scène retranscrit probablement une maison basse de Los Angeles, de standing, moderne, largement ouverte, bordée d’une piscine. On distingue également des palmiers s’élançant haut dans le ciel bleu. Une chaise de producteur posée sur la terrasse rappelle que les studios d’Hollywood ne sont pas loin.

Au premier plan, la ligne d'un plongeoir, tracée en diagonale, accentue la planéité du rendu, corrélée à la douceur de l’instant qui s’en dégage, troublée l’espace de quelques secondes par l’écume et les éclaboussures consécutives au plongeon d’une personne qui vient de se jeter dans la piscine.

Qui vient de plonger?

Et qui aura un jour la réponse à cette question immédiate qui frappe l’esprit à la contemplation de la peinture A Bigger Splash de David Hockney ? Peu importe sans doute cet individu, dont la présence seulement évoquée permet à Hockney de troubler le moment de quiétude silencieuse générale qui ressort du cadre. D’un point de vue technique, cette trouvaille autorise surtout l’artiste à l'emploi d'effets novateurs à partir d’une matière première — la peinture acrylique — très peu employée en comparaison avec la peinture à l’huile.

L’invention d’un monde

Même si aucune personne n’est présente sur la toile, contrairement à de nombreuses autres œuvres de David Hockney, ce dernier invente pourtant un monde par le pouvoir de suggestion fascinant de cette œuvre : le reflet des maisons voisines dans les baies vitrées, la bordure d’herbe savamment entretenue témoignent d’une présence humaine indéniable. Ce parti pris d’une présence jamais dévoilée joue incontestablement en faveur de l’aura cultuelle du tableau.

A Bigger Splash de David Hockney: une création bien plus technique qu’il n’y paraît

Faussement minimaliste, la composition de A Bigger Splash de David Hockney a été pensée dans les moindres détails. Le travail dans la géométrie des formes est méticuleux et la prouesse réside dans la rupture des éclaboussures avec le quadrillage préalablement établi par l’artiste. Pour les puristes, l’analyse pose le débat entre le rationalisme de l'art géométrique et son antithèse stylistique incarnée par l’expressionnisme. A Bigger Splash apparaît sous ce prisme comme l’affrontement entre la rigueur géométrique aplats colorés et le lyrisme débordant et aléatoire d’une conception picturale déclinée avec fougue.

Un film culte

Pour aller plus loin dans la découverte de la toile A Bigger Splash de David Hockney, et davantage dans la connaissance de ce maître de la peinture contemporaine — dont l’œuvre Portrait of an Artist figure parmi les records de vente —, nous ne pouvons que vous conseiller le visionnage du film documentaire réalisé par Jack Hazan en 1973. Son titre est le même que celui du tableau.

Dans ce remarquable témoignage, la caméra du cinéaste britannique suit David Hockney, alors en pleine crise artistique et sentimentale, disséquant son quotidien au gré de discussions instituant le doute, la mélancolie et un questionnement singulier autour de la notion de désir. Le désir, moteur de la création pour les artistes les plus fascinants.

Galerie d’art en ligne Artalistic

Voilà pour le A Bigger Splash de David Hockney! Si ce genre de peinture vous plaît, n’hésitez pas à visiter notre site et à parcourir les pages de notre galerie d’art en ligne. Vous y découvrirez de nombreux artistes contemporains, confirmés ou émergents, déclinant leurs créations dans les univers de la peinture, la sculpture, la photographie et le dessin. Des éditions limitées de certaines œuvres sont également disponibles.

Considérée comme une adresse de référence sur le web, la plateforme Artalistic est spécialisée dans l’achat et la vente d’œuvres sur internet. Elle constitue le rendez-vous incontournable des amateurs, collectionneurs et artistes.

N’hésitez pas à contacter notre équipe experte qui se fera un plaisir de répondre à toutes vos questions! Merci et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

4 expositions immanquables à Paris

Le monde de Steve McCurry, Musée Maillol, du 9 décembre 2021 au 31 juillet 2022

Le musée Maillol présente la rétrospective la plus exhaustive jamais consacrée à Steve McCurry, grand photographe américain aujourd’hui âgé de 72 ans. L’événement rassemble plus de 150 photographies imprimées en grand format, avec bien sûr, les clichés les plus prisés de cet éternel voyageur qui entraîneront le public en Afghanistan, en Inde, en Afrique, à Cuba, au Brésil, aux États-Unis ou en Europe. Certaines images de Steve McCurry sont célèbres sur l’ensemble de la planète, l’humanité qui se dégage des visages figés sur l’instant, notamment dans les zones de conflit ou de guerre, à l’instar de l’iconique portrait de Sharbat Gula, également connu sous le nom d’Afghane aux yeux verts, faisant ressortir subtil mélange de peine et d’espoir.

Pionnières, Musée du Luxembourg, du 2 mars au 10 juillet 2022

Naviguant entre cubisme, art abstrait, architecture, design, littérature, danse et mode, l’exposition Pionnières met en valeur les femmes de la première moitié du 20^e siècle qui ont joué un rôle prépondérant dans le développement de la modernité artistique. Une cinquantaine d'artistes et leurs œuvres sont à découvrir au musée du Luxembourg. Une excellente idée dans la mesure où la place des femmes a longtemps été marginalisée, voire discriminée, dans la sphère de la création, alors que de nombreuses révolutions plastiques sont à porter à leur crédit dans un environnement aux conventions souvent établies.

Le Théâtre des émotions, Musée Marmottan Monet, du 13 avril au 21 août 2022

L’idée de cette exposition fort attrayante est simple : mettre en lumière les transformations de la représentation des émois dans l’Europe des Temps modernes. Ainsi, de Dürer à Greuze en passant par La Tour, le spectateur découvrira le rôle des traités esthétiques dans les évocations des émotions, à une époque où de nouveaux éléments artistiques et scientifiques de la connaissance impactent les représentations, avec ce glissement ontologique majeur : l’émotion transcende désormais la représentation pour devenir sensation. Environ 70 œuvres en provenance de collections publiques et privées d’Europe et des États-Unis seront à voir.

Simon Hentaï (1922-2008), Fondation Louis Vuitton, du 18 mai au 29 août 2022

La Fondation Louis Vuitton a eu la bonne idée de fêter le centenaire de la naissance de Simon Hentaï (1922-2008) en organisant une magnifique rétrospective dédiée à une figure incontournable de l'abstraction. Plus de 130 œuvres seront ainsi présentées au public, dont beaucoup sont demeurées jusqu’ici bien cachées. Là réside sans doute l’intérêt d’un rendez-vous estival majeur, sans compter que les influences artistiques décisives au développement de la vision du peintre français d’origine hongroise seront visibles, notamment par la présence de toiles de Jackson Pollock ou Henri Matisse.

6 expositions à voir en Province

Yves Klein, Carrières des Lumières des Baux-de-Provence, du 4 mars 2022 au 2 janvier 2023

Préparez-vous à une plongée immersive dans l’infini ciel bleu de la Méditerranée tel qu’imaginé par cet artiste majeur du 20^e siècle qu’est Yves Klein. Auteur de monochromes emblématiques à travers lesquels le ciel joue le rôle d’élément central et moteur, Yves Klein a développé un nouvel idéalisme autour de la notion de liberté. Si vous habitez ou voyagez dans le sud de la France, n’hésitez donc pas à plonger dans le bleu Klein!

La Joconde, Palais de la Bourse de Marseille, du 10 mars au 21 août 2022

La Provence est toujours à l’honneur avec cette exposition organisée en collaboration avec le Musée du Louvre par le Palais de la Bourse de Marseille autour de La Joconde. Ce rendez-vous sensoriel inédit mérite assurément le déplacement. Les visiteurs évolueront au sein d’un dispositif numérique interactif et chemineront à travers six espaces thématiques à la découverte des événements historiques qui ont marqué le destin de la Joconde et celui de son créateur, l’indépassable Léonard de Vinci.

Monet / Rothko, Musée des impressionnismes de Giverny, du 18 mars au 3 juillet 2022

On traverse la France en direction de la Normandie à l’occasion de la réouverture du musée des impressionnismes de Giverny qui fait les choses en grand à cette occasion: un dialogue en miroir merveilleux et étonnant entre les œuvres de Claude Monet, célèbre figure de l’impressionnisme, et Mark Rothko, éminent peintre expressionniste abstrait dont nous vous parlions récemment. Le croisement des travaux de ces deux signatures uniques met en avant des convergences saisissantes et inattendues. Vraiment formidable!

Picasso, Cité du Vin à Bordeaux, du 15 avril au 28 août 2022

La Cité du vin à Bordeaux tente de répondre à cette question insolite, mais non moins pertinente: quelle est la place du vin et de l’alcool dans l’œuvre de Pablo Picasso? La réponse se trouve certainement dans la présentation de plus de 80 œuvres prêtées pour l’occasion par les musées Picasso de Paris et de Barcelone. Une manière originale d’aborder l'une des faces de Picasso à travers des représentations de cafés, de consommateurs et de bouteilles signées lors de la période cubiste de l’artiste. Santé!

Raoul Dufy, Hôtel de Caumont d’Aix-en-Provence, du 5 mai au 18 septembre 2022

On repart du côté de la Provence avec un événement fort intéressant. C’est dans le cadre architectural somptueux de l’Hôtel de Caumont que se tient une exposition hommage au peintre Raoul Dufy, dont l’œuvre foisonnante est mise en lumière via la disposition d’aquarelles, de peintures, de dessins et de céramiques. Ce maître incontesté de la couleur se sera exprimé en épousant les préceptes de l'impressionnisme autant que ceux du cubisme ou du fauvisme. Une très belle occasion de découvrir ou redécouvrir le peintre français, ainsi que son amour pour l’œuvre de Cézanne.

Fernand Léger, Musée Soulages de Rodez, du 11 juin au 06 novembre 2022

On termine ce petit tour de France par l’Aveyron, direction Rodez où le musée Soulages a eu l’excellente idée de consacrer une exposition à Fernand Léger, dont la devise était la suivante: « Saisir la vie à bras le corps ». On ne s’en privera donc pas pour partir à la (re)découverte du peintre cubiste dont l’expérience artistique s’inspire de Braque et de Picasso. Les œuvres visibles proviennent du Centre Pompidou de Paris et du musée national Fernand Léger de Biot.

Achat et vente d’œuvres art en ligne avec Artalistic

Voici pour le calendrier des expositions et événements incontournables de l’été 2022. Il y en aura assurément pour tous les goûts ! Pour étancher votre soif de découvertes, n’hésitez pas non plus à parcourir les pages de ce site qui répertorie une multitude d’œuvres d’art contemporain signées par des artistes confirmés ou en devenir, dans les domaines de la peinture, de la photographie, du dessin ou de la sculpture.

La référence de l’achat et de la vente d’œuvres d’art sur le web

Présente depuis quelques années sur le web, la galerie Artalistic s’affiche aujourd’hui telle une adresse incontournable de l’achat et de la vente d’œuvres d’art en ligne.

Elle s’appuie sur une équipe expérimentée et passionnée qui facilite les transactions entre artistes et amateurs d’art, le tout via un processus entièrement sécurisé et totalement transparent.

N’hésitez pas à nous joindre pour toute éventuelle question, nous vous répondrons dans les plus brefs délais ! Merci et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

Un courant pictural monumental du 20^e siècle

L’art abstrait est né au début du 20^e siècle, dans un panorama marqué par la présence majoritaire du fauvisme, du cubisme et de l’expressionnisme figuratif.

Une révolution par rapport au classicisme

Cette nouvelle vision esthétique est marquée par la libération du sujet, de la couleur et des formes. La figuration est totalement abandonnée au profit de la forme pure et une propension audacieuse pour la recherche chromatique qui s’affranchit des carcans académiques.

Ce mouvement international se positionne donc en rupture avec une conception traditionnelle de l’art, celle appelée à délivrer une imitation des sujets et de la nature. L’abstraction brille par sa rationalité extérieure au monde réel ainsi que par son attachement aux formes et pour les couleurs elles-mêmes dont tout un travail est effectué autour de leur fonction expressive et symbolique.

Les grands maîtres de l’art abstrait

Vassily Kandinsky (1866-1944) est indubitablement considéré comme l’initiateur de ce courant pictural. Par la suite, Kupka, Delaunay, Malevitch puis Mondrian, Picasso, Paul Klee ou Jackson Pollock, avec son célèbre No. 5 de 1948, ouvriront la voie à de nouvelles perceptions de l’abstraction, parmi lesquelles des déclinaisons:

- graphiques,

- géométriques,

- minimalistes,

- symboliques,

- expressionnistes,

- réalistes,

- mixtes.

De fait, l’art abstrait recoupe de nombreux univers qui se rejoignent dans un ensemble très vaste.

Achat d’œuvres d’art abstrait: comment faire pour acquérir des tableaux?

Savoir apprécier une peinture

La première posture à adopter concerne sans doute le moyen de parfaire sa culture et de se forger ses propres goûts.

Différentes analyses permettent de mieux comprendre un tableau afin d’acheter une œuvre d’art abstrait.

La juste appréciation d’une œuvre d’art transcende la réaction instinctive et trop rapide du « aimer/ne pas aimer ». Prenez le temps d’observer le tableau jusqu’à en ressentir, peut-être, l’effet qu’il va provoquer en vous, une émotion qui vous gagne petit à petit, ou alors de manière fulgurante en cas de véritable coup de cœur!

Exercez-vous et affûtez votre regard!

Avec un peu d’entraînement, vous parviendrez progressivement à remarquer et analyser la disposition de lignes, l’utilisation des couleurs ou des textures choisies pour la composition. Vous vous poserez d’autres questions techniques, par exemple sur l’emploi du matériel, les conditions de la réalisation de l’œuvre, les préoccupations de l’artiste au moment de sa vie où il l’a exécutée.

Au final, tout ce cheminement finira par faire sens en vous, vous confirmant, ou pas, le fait que vous appréciez réellement un tableau ou non. Dans tous les cas, une certaine distanciation intégrant les notions de patience et de curiosité sera votre meilleure alliée.

Comment bien choisir?

Autre conseil: faites également confiance à votre intuition et à votre première impression quand l’envie d’achat d’une œuvre d’art abstrait vous saisit. Si une peinture provoque en vous une sorte de joie, une vibration peu commune, les chances sont grandes qu’elle corresponde à vos goûts ainsi qu’à votre personnalité.

Vous pourrez alors commencer à envisager son acquisition, sans oublier de réfléchir à l’endroit de votre habitat où elle sera exposée en vue d’une installation optimale.

N’hésitez pas non plus à vous informer auprès d’un spécialiste qui saura vous conseiller en fonction de votre appétence esthétique. Et qui vous orientera peut-être vers d’autres artistes que vous découvrirez avec plaisir!

Où se rendre pour l’achat d’œuvres d’art abstrait?

Les salons et les foires

Les salons et les foires qui se tiennent à des dates régulières représentent une bonne opportunité pour l’achat d’œuvres d’art abstrait. Les tableaux seront vendus soit par des intermédiaires professionnels, soit directement par les artistes eux-mêmes.

Sur ce point, il est conseillé de ne pas négliger les artistes émergents ou en manque de reconnaissance. De nombreux talents pas encore dévoilés au grand public se cachent peut-être parmi les toiles qui vous visionnez au hasard. N’oubliez pas que les plus célèbres figures de l’art étaient toutes inconnues lorsqu’elles ont cédé leurs premières réalisations!

Les magasins d’art et les ventes aux enchères

Les magasins d’art et les galeries représentent assurément une solution à envisager. Cependant, il sera peut-être difficile d’en découvrir un ou une à proximité de chez vous. De plus, l’espace physique de ces lieux n’est pas extensible et le choix pourra s’en trouver limité.

Autre possibilité pour l’achat d’œuvres d’art abstrait : les ventes aux enchères. Certes, ce microcosme peut a priori effrayer les novices peu habitués de ce genre d’endroits, mais assister à une vente aux enchères vous permettra au moins d’acquérir de l’expérience et de renforcer sa culture. Si cette possibilité vous intéresse, n’hésitez pas à lire notre article dédié au sujet.

Achat d’œuvres d’art abstrait en ligne

La meilleure façon d’acheter une œuvre d’art abstrait consiste très probablement à vous tourner vers les galeries de vente d’art en ligne. Attention cependant lors de cette démarche: veillez à vous assurer de la fiabilité de leur adresse et de leur renommée. Si le secteur des transactions à distance explose dans ce domaine, les plateformes 100% sûres proposant en outre une sélection conséquente de créations sont peu nombreuses. Si vous lisez cet article, c’est déjà un excellent début, Artalistic s’affirmant aujourd’hui comme l’un des sites de référence en la matière!

En optant pour Artalistic, vous bénéficierez donc:

- d’un vaste choix parmi des milliers d’œuvres signées par des artistes reconnus ou émergents;

- de l’accompagnement d’une équipe expérimentée et passionnée qui vous guidera en fonction de vos attentes, que vous soyez artiste ou acquéreur;

- de la totale transparence des transactions qui reposent sur un système éprouvé entièrement sécurisé;

- de l’authentification des œuvres qui seront délivrées avec un certificat indiquant notamment leur origine.

Artalistic est une plateforme d’achat et de vente d’œuvres d’art en ligne qui propose une multitude d’œuvres dans toutes les sphères de la création contemporaine: peinture, dessin, photographie, sculpture, etc. N’hésitez pas à nous joindre, nous répondrons à vos questions dans les plus brefs délais. Merci de nous suivre et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques!

Introduction: présentation de l’artiste

Trajectoire professionnelle

Edward Hopper (1882-1967) est né à New York. Illustrateur de formation, il s’intéresse rapidement à la peinture et fréquente les pointures de l’école Ash Can, mouvement réaliste inspiré de la culture des bas quartiers new-yorkais.

Voyageant à plusieurs reprises en Europe, notamment à Paris, Hopper se passionne pour Edgar Degas, Édouard Manet ou Picasso, chez lesquels il puise la révélation impressionniste ainsi que le travail particulier de la lumière.

Un style à part entière

Si ses illustrations lui permettent d’abord de vivre, c’est bien à travers la peinture qu’il va faire sensation.

Six de ses œuvres sont exposées dès 1923 lors de l’Exposition internationale de l’aquarelle du Brooklyn Museum. La peinture sera dorénavant son moyen d’expression artistique. Sa vision laissant libre place à l’interprétation repose sur l’absence, le minimalisme ou encore la posture énigmatique des personnages. Ses atmosphères silencieuses sont pourtant très parlantes.

L’art de la mise en scène théâtrale

Transformateur de l’ordinaire en extraordinaire, Hopper demeure attentif à la représentation de scènes urbaines qui constituent sa signature la plus évidente, même s’il peindra aussi des tableaux plus proches de l’environnement naturel.

Hopper peint sur le vif, et la fausse apparence de calme et de silence de ses compositions dévoile au final de nombreux tourments, ceux de la torpeur d’une époque empreinte d’une sorte de pessimisme à peine inscrit en filigrane.

Edward Hopper, une myriade d’œuvres célèbres

S’il n’est pas forcément l’artiste le plus prolifique de son temps, Edward Hopper est malgré tout l’auteur de nombreuses œuvres célèbres ouvrant la voie vers une sorte de mélancolie désabusée propre à l’époque postmoderne.

Par ailleurs, son travail sur les formes afin d’augmenter la signification du fond se sera révélé comme une source de créativité pour les générations futures, et même pour le monde du cinéma. Le réalisateur Alfred Hitchcock avouera ainsi s’être grandement inspiré de l’univers d’Hopper dans ses films.

Edward Hopper en 5 œuvres célèbres

1. Nighthawks, 1942

Considéré comme l’œuvre la plus célèbre d’Edward Hopper, le tableau Nighthawks brille par le caractère cinématographique de l’univers qu’il retranscrit. Le couple pourra ainsi faire penser à celui formé à l’écran par Humphrey Bogart et Lauren Bacall dans Le port de l’angoisse. En 1997, Wim Wenders reprendra ce décor pour une séquence du film The End of Violence (1997). L’atmosphère troublante et presque dérangeante de la scène est mise en relief par sa lumière violemment artificielle, théorie parfaite du punctum décrite par le sémiologue Roland Barthes dans son analyse sur la photographie. Le punctum, ce détail qui attire irrémédiablement l’œil et conduit à l’interprétation plus générale de la composition.

 2. Portrait of Orleans, 1950

Dans cette scène de rue dépouillée, l’enseigne d’une station-service permet de dater le tableau dans le temps. Le lieu d’exécution de l’œuvre se situe à l'intersection de la Route 6 et de la rue Main à Orleans, dans l’État du Massachusetts. On a pourtant l’impression qu’il s’agit d’un endroit inventé, irréel. Edward Hopper saisit ici la banalité du quotidien pour en faire émerger un moment singulier empreint d’étrangeté. Il faut également savoir que l’artiste était fasciné par les villes et les voitures.

3. Gas, 1940

L’univers de Gas se rapproche de celui de Portrait of Orleans. Hopper y dépeint le sentiment de solitude et d'isolement de l'homme contemporain, allégorie de l'aliénation de la vie occidentale au milieu du 20^e siècle. La station-service choisie pour ce tableau serait située sur la péninsule de Cape Cod, au sud-est du Massachusetts, un endroit où Hopper passera quasiment tous ses étés à partir de 1930. La lumière vive de la composition lui confère une touche proche du fantastique.

4. Second Story Sunlight, 1960

« Cette peinture est une tentative de peindre le soleil en blanc, avec presque pas ou pas du tout de pigment jaune dans le blanc. Toute idée psychologique devra être fournie par le spectateur.» Ainsi Hopper explique-t-il son intention dans le Record Book, un ouvrage dans lequel il a minutieusement répertorié ses œuvres avec l’aide de son épouse, Jo Nivison, artiste également reconnue. Cette peinture qui a été exécutée à l’aide d’un mélange de blanc de plomb, d’huile et de térébenthine représente « la lumière du matin sur des façades peintes en blanc.»

5. House by the Railroad, 1925

Cette dernière célèbre œuvre d’Edward Hopper traduit bien l’appétence du peintre pour l’un de ses principaux sujets de prédilection: les paysages américains. À tel point que le travail du maître a depuis longtemps fini par imprégner et même incarner l’imaginaire collectif. Non pas celui des gratte-ciel pourtant si fascinants, mais celui des architectures vernaculaires et des maisons victoriennes de la fin du 19^e siècle, aujourd’hui témoignages assez lointains d’un héritage européen figé dans un passé révolu. Alfred Hitchcock s’est servi de ce tableau pour en faire le modèle du manoir habité par l’inquiétant Norman Bates, interprété par Anthony Perkins, dans Psychose, en 1960.

Achat et vente en ligne d’art contemporain avec Artalistic

Voilà pour les œuvres les plus célèbres d’Edward Hopper! Si le style de cette très grande signature vous séduit, n’hésitez pas à parcourir les diverses galeries de cette plateforme qui recense des créations d’art contemporain susceptibles de vous intéresser sous forme de peintures, dessins, photographies, sculptures ou éditions limitées proposées par des artistes déjà reconnus ou en pleine ascension.

Le site Artalistic est aujourd’hui considéré comme une adresse de référence sur le web dans le domaine de l’achat et de la vente d’art en ligne. Son équipe expérimentée met à votre disposition son savoir-faire et vous conseille en toute transparence, que vous soyez artiste, amateur d’art ou collectionneur.

N’hésitez pas à nous contacter, nous vous répondrons dans les plus brefs délais. Merci et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

Art numérique: les 5 NFT les plus chers au monde

Les jetons non fongibles, qu’est-ce que c’est?

Nous vous parlions dans un récent article des NFT, ces jetons non fongibles issus de la technologie Blockchain dont certains analystes prédisent qu’ils pourraient à terme révolutionner le marché de l’art contemporain.

Les NFT représentent des objets numériques qui peuvent prendre différentes formes: vidéos, œuvres d’art, images ou fichiers audio. Ils sont associés à une identité numérique qui peut elle-même être rattachée à un ou plusieurs propriétaires.

Cependant, au contraire des cryptomonnaies, les NFT ne sont pas interchangeables ou fongibles: ils ne peuvent être échangés contre d’autres actifs numériques et leur valeur dépend de leur originalité, de leur rareté mais également du cours des cryptomonnaies.

Les NFT sont dotés de codes d’identification uniques achetés et payés en ligne avec de la cryptomonnaie: Bitcoin, Ethereum, etc.

À ce jour, plus de 3 milliards de produits NFT auraient été vendus pour une capitalisation totale de près de 30 milliards de dollars, dont certains pour des sommes atteignant des records. Voici donc les NFT les plus chers au monde.

Les 10 NFT les plus chers au monde répertoriés en 2022

1. Beeple - Everyday: the first five thousand days, 69 millions de dollars

Emblématique des NFT d’art numérique les plus chers au monde, l’œuvre « Everyday: the first five thousand days » a été conçue par Beeple, de son vrai nom Mike Winkelmann. Le quarantenaire américain a utilisé pour la réalisation de ce token une collection d’images assemblées durant 5.000 jours d’affilée. Authentifiée et protégée par la Blockchain, celle-ci a atteint la somme incroyable de plus de 69 millions de dollars lors d’une vente chez Christie’s. Son propriétaire est le millionnaire indien Vignesh Sundaresan.

2. CryptoPunk 7523, 11,8 millions de dollars

Le CryptoPunk 7523 est le NFT le plus cher au monde de la collection des auteurs de CryptoPunks qui trustent les meilleures places de ce classement. On doit cette œuvre à Matt Hall et John Watkinson, un duo inventif auteur d’une dizaine de supports virtuels. La particularité de celui-ci réside dans le fait qu’il est le seul Punk à porter un masque chirurgical, signe distinctif en ces temps de Covid-19! Il a été acheté pour11,8 milliards de dollars par l’entrepreneur israélien Shalom Meckenzie.

3. CryptoPunk 7804, 7,56 millions de dollars

Le CryptoPunk 7804 est la deuxième pièce de cette sélection élaborée par le duo précédemment cité. Ce CryptoPunk de Matt Hall et John Watkinson a été vendu aux enchères pour 7,56 millions de dollars. Son propriétaire est le PDG de la célèbre société de logiciels de conception Figma, Dylan Field.

4. CryptoPunk 3100: 7,51 millions de dollars 

On ne change pas une équipe qui gagne avec ce nouveau CryptoPunk qui se hisse parmi les NFT les plus chers au monde. Cette pièce s’est vendue à 7,51 millions de dollars en mars 2021 ? Si le précédent arborait une jolie casquette, celui est coiffé d’un bandeau. Le prix de l’accessoire n’est pas vraiment donné dans le monde des NFT artistiques!

5. Beeple - Crossroad, 6,6 millions de dollars 

Après la séquence consacrée à Matt Hall et John Watkinson, on retrouve l’excellent Beeple avec un autre NFT parmi les plus chers au monde: Crossroad. L’œuvre présente des messages anti-Donald Trump placé dans une composition qui fait son originalité. Elle a été créée à l’occasion des dernières élections qui ont eu lieu aux États-Unis en 2020 et vendue pour 6,6 millions de dollars.

6. Beeple - Ocean Front, 6 millions de dollars 

Restons en compagnie de l’inventif et très intéressant Beeple et d’une autre de ses œuvres appelée Ocean front. Empruntant à un style symbolique, celle-ci tente d’expliciter le défi de taille qui attend l’humanité face au changement climatique. Ce NFT a été vendu aux enchères sur le marché Nifty Gateway pour 6 millions de dollars. Son actuel propriétaire est Justin Sun, fondateur et directeur de Tron Foundation, acteur en vogue dans le monde des cryptomonnaies. 

7. World wide web source code, 5,43 millions de dollars 

Changeons un peu d’univers avec cet objet comptant parmi les NFT les plus chers au monde. Intitulé « This Changes Everything », il est tout simplement une copie remaniée du code source du site Internet de Tim Berners-Le, qui n’est autre que l’inventeur du World Wide Web (W.W.W.) au début des années 1990. Son prix ? 5,43 millions de dollars, tout de même!

8. CryptoPunk 7252, 5,3 millions de dollars

Toujours dans les 10 premières places de ce classement, on retrouve le CryptoPunk 7252, jeton de la collection des 9 CryptoPunks extraterrestres de Hall et Watkinson. Vous commencez à les connaître, non ?

9. XCopy - A Coin for the Free Man, 5,3 millions de dollars

Un peu de diversité avec une figure emblématique du Crypto Art en la personne de XCopy, artiste londonien assez nébuleux dont on ne sait pour l’heure pas grand-chose. Ses œuvres sont identifiables à une esthétique un peu chaotique, voire complètement "destroy" faisant penser à des bugs ou des déformations d’écran observées sur un ordinateur en panne. XCopy connaît actuellement un succès galopant, ses NFT atteignant des millions de dollars.

10. Edward Snowden - Stay free, 5,27 millions de dollars

Dernier NFT le plus cher au monde de cette sélection, « Stay Free » est une œuvre créée par l’informaticien et lanceur d’alerte américain Edward Snowden. Elle représente un autoportrait du créateur sur un fond rappelant le texte présent sur les décisions de la cour d’appel américaine. Elle a été acquise pour plus de 5 millions de dollars au début de l’année 2021 par le PleasrDAO, une organisation autonome décentralisée. 

Vente d’œuvres d’art en ligne avec Artalistic

Voilà pour les NFT les plus chers au monde répertoriés en ce début d’année 2022. Si ce type d’œuvre d’art d’un genre nouveau n’est pas encore présent sur Artalistic, n’hésitez pas pour autant à parcourir les galeries du site de vente d’art en ligne de référence sur le web! Vous y découvrirez de magnifiques artistes contemporains confirmés ou en devenir dans des domaines aussi variés que la peinture, la sculpture, la photographie ou le dessin!

Que vous soyez acheteur ou vendeur, collectionneur ou artiste, marchand d’art ou simple amateur éclairé, contactez notre équipe experte et dévouée qui se fera un plaisir de répondre à votre demande et de vous orienter de façon à satisfaire vos souhaits les plus divers.

Merci de faire confiance à Artalistic et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques!

Peinture: les portraits les plus célèbres de l’histoire de l’art 

1. Léonard de Vinci - La Joconde, 1503-1516 : le plus célèbre des portraits de la peinture

Inventeur, scientifique et écrivain italien, Léonard de Vinci est également un artiste de génie puisqu’il est tout simplement à l’origine du portrait le plus célèbre. Peint entre 1503 et 1506, La Joconde est un chef-d’œuvre qui représente une femme assise dans une loggia dont l’ouverture laisse entrevoir un paysage d’arrière-plan assez indistinct, voire brumeux. La femme est tournée vers le spectateur, elle lui sourit. Son identité a pendant longtemps été une énigme.

Ce n’est qu’en 2005 que des chercheurs allemands ont découvert un commentaire manuscrit dans le Codex Manesse de Heidelberg, un célèbre recueil de poésie lyrique. Cet indice identifie formellement Lisa del Giocondo, une femme de la noblesse Florentine. Le portrait aurait été exécuté à la demande de son époux, négociant de commerce.

Volée en 1911, la toile originale est aujourd’hui conservée à Paris, au Musée du Louvre, même s’il existe d’innombrables reproductions de Mona Lisa visibles dans les musées du monde entier.

2. Johannes Vermeer - La Jeune Fille à la Perle, 1665

C’est en 1665 que l'artiste néerlandais Johannes Vermeer a créé son œuvre la plus célèbre, un portrait pictural intitulé La Jeune Fille à la Perle. Dans ce cas encore, l’identité de la jeune femme représentée sur la toile demeure mystérieuse. Il est couramment admis qu’il s’agirait de la fille aînée du peintre, Maria Vermeer. L’anonymat accolé à cette œuvre correspond bien à la période des tronies, études de personnes non-identifiées en vogue lors de l'âge d'or de l'art néerlandais, dont Vermeer, mais aussi Rembrandt figurent parmi les plus éminents représentants.

Saisissante par la noblesse d’un regard cristallin naviguant entre espoir et vague à l’âme, peut-être à la recherche d’une sorte de paix intérieure, la composition de cette huile sur toile confère en outre une impression de mystère à cette jeune fille coiffée d’un turban exotique enveloppant sa tête et tombant derrière son épaule.

Cette œuvre majeure et classique de l’art occidental est également connue sous l’appellation de La Jeune Fille au Turban, et parfois surnommée la Mona Lisa de l’Europe du Nord.

3. Gustav Klimt - Portrait d'Adèle Bloch-Bauer I, 1907

Avec Le Baiser, la toile Portrait d'Adèle Bloch-Bauer I réalisée par l’artiste symboliste autrichien Gustav Klimt est sans aucun doute l’une des productions majeures de ce génie d’un tournant de siècle. Ce célèbre portrait a été peint en 1907. Longtemps visible à l'Österreichische Galerie Belvedere de Vienne, il a été rendu à la famille Bloch-Bauer en 2006 avant d’être vendu quelques mois plus tard pour 135 millions de dollars.

Représentant Adèle Bloch-Bauer, une riche femme de Vienne, cette subtile et magnifique composition met en valeur l'ornement raffiné et complexe propre à l'Art nouveau allemand de l’ère Jugendstil. Il convient de préciser ici que Klimt était membre de la Sécession viennoise, groupe d'artistes en rupture avec la peinture traditionnelle.

L’originalité de cette peinture à l’huile sur toile réside dans l'utilisation abondante de l'or formant des motifs byzantins en mosaïque, une signature spécifique de Gustav Klimt qui avait pour habitude de décorer ses toiles de feuilles d'or durant sa période la plus faste. 

4. Pablo Picasso - Portrait de Gertrude Stein, 1905-1906

Le célèbre Portrait de Gertrude Stein peint en 1905 et 1906 par Pablo Picasso est un autre monument de l’histoire de l’art.

Figure de l’avant-garde artistique du début du 20^e siècle, l'écrivaine et collectionneuse Gertrude Stein est également associée au mouvement moderniste rassemblant par exemple les écrivains F. Scott Fitzgerald et Ernest Hemingway ou encore les artistes Henri Matisse et Pablo Picasso, forcément.

Ce tableau retranscrit bien l'assurance de cette femme indépendante qui s’est construite par elle-même et deviendra rapidement un soutien financier très important de Picasso à l'aube de sa carrière. Créé dans la « période rose de l’artiste », ce célèbre portrait est une peinture qui peut être considérée comme une sorte d’hommage de Picasso à Gertrude Stein qui avouera, comblée, dans le livre intitulé Picasso: « J'étais et je suis toujours satisfaite de mon portrait. Pour moi, il me représente, et c'est la seule reproduction de moi qui me correspond toujours, selon moi.»

5. Grant Wood - American Gothic, 1930

Avec American Gothic, nous avons affaire à l'un des plus célèbres portraits peints par un artiste américain, et tout simplement une œuvre parmi les plus réputées de toutes les créations américaines modernes.

Cette œuvre signée par Grant Wood en 1930 a longtemps laissé planer le mystère quant à l’identité des personnes y figurant. Ce couple faisant penser à un fermier et sa femme est composé de la petite sœur de l'artiste, Nan Wood Graham, et de son dentiste, le docteur Byron McKeeby. 

Si l’intention originelle de Wood visait à représenter un père et sa fille, il a toujours été ouvert aux interprétations du public: « Ces détails ne sont pas vraiment importants. Ce qui est important en revanche, est le fait que ces visages reflètent la vraie vie américaine, et révèlent quelque chose à son sujet. »

Achat et vente d’œuvres d’art contemporain en ligne avec Artalistic

Voilà pour la sélection Artalistic des portraits en peinture les plus célèbres de l’histoire de l’art. Il y en a bien d’autres, et sans doute des chefs-d’œuvre inédits à venir que vous découvrirez peut-être en parcourant les pages de ce site!

Spécialiste de l’achat et de la vente d’œuvres d’art en ligne, la galerie Artalistic recense des milliers de créations d’art contemporain dans des registres aussi variés que la peinture, la sculpture, la photographie et le dessin.

Des éditions et tirages limités signés par des artistes reconnus ou émergents sont également disponibles sur notre plateforme de référence sur le web.

Artalistic s’affirme telle une adresse experte dans le domaine de l’achat et de la vente d’art contemporain en ligne. Amateurs, collectionneurs et artistes, n’hésitez pas à contacter son équipe passionnée et ultra compétente qui vous répondra dans les plus brefs délais selon votre demande. Merci et à bientôt pour de nouvelles actualités artistiques, avec Artalistic, bien sûr!

La peinture abstraite selon Mark Rothko

D’Europe aux États-Unis

Benjamin d’une famille russe de quatre enfants qui émigre aux États-Unis en 1913, le jeune Marcus intègre un peu plus tard l’université de Yale, puis la Parsons New School for Design de New York. Ses premières tentatives dans le monde de l’art empruntent au figuratif influencé par l’expressionnisme.

Mark Rothko s’engage rapidement dans une phase d’expérimentation et rejoint la nouvelle génération d’artistes new-yorkais, ultérieurement regroupés sous le nom d’École de New York.

La nouvelle peinture américaine

Mark Rothko fait partie de l’avant-garde des peintres américains qui souhaitent se démarquer de l’approche réaliste des années 1930, leur objectif visant à inventer une peinture nouvelle, du moins régénératrice. Le contexte marqué par la Grande Dépression puis la Seconde Guerre mondiale participent de cet état d’esprit précurseur qui fait souffler un vent de fraîcheur dans les milieux artistiques avisés.

Constitution d’une élite artistique inédite

Au début des années 1940, Peggy Guggenheim ouvre une galerie à New et organise en 1943 une importante exposition, Art of this Century, qui commence à faire parler de la nouvelle génération d’artistes, de critiques et de marchands d’art en quête d’innovation.

Bien qu’informelle, cette mouvance acquiert une renommée internationale, elle est désignée sous l’appellation « expressionnisme abstrait ».

En 1949, Mark Rothko est un peintre en pleine ascension. Il est fasciné par L’Atelier rouge d’Henri Matisse, pièce qui vient d’intégrer les collections du MoMA. La composition en rectangles et l’utilisation de la couleur rouge le saisissent par la vibration et l’expression qui s’en dégagent.

Maître de l’expressionnisme abstrait

Mark Rothko sera également influencé par le peintre allemand Hans Hofmann, dont les théories postimpressionnistes et cubistes des couleurs répulsives ou attractives sont répertoriées sous la dénomination le Push & Pull.

La découverte de ces diverses conceptions esthétiques constitue une étape décisive dans l’approche de Mark Rothko vis-à-vis de son objet d’étude. Il utilise dorénavant de grands aplats colorés et lumineux dans son travail. Cette technique est organisée en bandes ou envahit la totalité de la surface picturale disponible.

Désormais considéré comme l’un des peintres référents de l’expressionnisme abstrait, Mark Rothko s’oriente vers le monochrome.

Le Color Field painting

La mouvance de l’expressionnisme abstrait se scinde finalement en deux tendances:

- l’action painting, un expressionnisme gestuel et instantané dont le principal représentant est l’immense Jackson Pollock;

- le Color Field painting, « peinture du champ coloré », une position réactionnaire, voire hostile, à l’action painting.

Porteur d’un courant pictural novateur, Mark Rothko vit sa peinture comme un voyage qui le transporte aux confins de la création, selon les contours d’une quête spirituelle qui vise à transcender l’essentiel dans un monde matérialiste contraire au besoin d’évasion et à l’onirisme qu’il engendre.

Si Rothko était sans doute un grand sentimental, son humanisme n’est pas un mythe. Il enseigna par exemple le dessin aux enfants du Jewish Center de Brooklin pendant une dizaine d’années, au cours des années 1930.

La peinture abstraite de Mark Rothko: un style inimitable, une signature unique

Les peintures abstraites de Mark Rothko sont exécutées sur de grandes surfaces, le format monumental devenant nécessaire à une vision hors-norme, à la manière des tableaux de Monet qui « immergent » le spectateur, à tel point que le sujet semble s’étendre bien au-delà du support: le terme « all-over » est employé pour théoriser cette conception misant sur une différence de perception par rapport aux compositions classiques. Les toiles forment au final autant de champs saturés de couleurs appliquées couche après couche. Fins et translucides, ses aplats font émerger la lumière et rendent ses œuvres sensibles.

Le critique d’art américain Clement Greenberg définissait ainsi le style de Rothko : « La chaleur sombre de la couleur estompe les valeurs et donne à la surface une planéité nouvelle, qui vibre et respire […] Les surfaces exhalent la couleur avec un effet enveloppant accru par le format même du tableau. On réagit à un environnement autant qu’on réagit à un tableau accroché au mur. »

Une fin tragique

Mark Rothko se suicide en 1970 à New York. Il meurt après avoir ingurgité des barbituriques, et s’être ouvert les veines des deux bras. Il avait 67 ans. Il existe de nombreuses thèses quant aux raisons de cet acte désespéré, certaines relatant un mal-être existentiel et de puissantes inquiétudes spirituelles.

Nous retiendrons pour notre part la grandeur de ce peintre de génie qui n’avait pas peur de vivre l’art et la vie grandeur nature, comme il le confiait lui-même: « Si je peins de très grands tableaux, c’est parce que je veux être très intime et humain. Peindre un petit tableau, c’est se placer en dehors de son expérience. Quand on peint un grand tableau, on est dedans. »

Deux peintures abstraites emblématiques de Mark Rothko

Si l’œuvre abstraite du peintre Mark Rothko est considérable, et qu’il paraît très difficile de faire ressortir une toile plus qu’une autre, nous avons quand même sélectionné deux tableaux cultissimes peints par l’un des maîtres du 20^e siècle.

Blue and Gray (1962)

Dans cette huile sur toile, Mark Rothko emploie ici une gamme des plus réduites : gris sombre pour la couche inférieure, blanc et bleu-violet pour la couche supérieure. Le contraste généré est pourtant d’une intensité remarquable, le blanc émergeant du gris tout en transparence, donnant l’impression d’une brume volatile sur un fond insondable.

Orange, Red, Yellow (1961)

Cette autre œuvre majeure du peintre abstrait Mark Rothko bénéficie de couleurs beaucoup plus chaudes, dans un style toujours aussi caractéristique. Au-delà de la majestuosité artistique, l’anecdote vis-à-vis de ce tableau concerne son prix d’adjudication: le 8 mai 2012, il fut vendu pour 87 millions de dollars, une somme considérable qui en fait l’un des tableaux les plus valorisés au monde, cependant pas au niveau du N° 5 de Pollock (1948), cédé en 2006 pour 140 millions de dollars!

Les femmes artistes célèbres en activité les plus cotées sur le marché de l’art

Si les records des salles de marché et autres ventes aux enchères consacrent souvent des hommes, cette tendance n’est plus aussi hégémonique si l’on se fie à l’engouement pour les femmes artistes contemporaines, dont le succès de certaines œuvres n’a rien à envier à celui de leurs congénères masculins.

Artalistic vous présente aujourd’hui 5 artistes femmes vivantes et célèbres les plus estimées sur le marché de l’art. Avec un petit bonus en fin de texte!

Jenny Saville

Peintre contemporaine britannique née en 1970 à Cambridge, Jenny Saville a acquis une renommée internationale en créant des portraits nus et stylisés de corps volumineux. Son traitement particulier et savoureux de la forme humaine lui vaut souvent la comparaison avec le peintre réaliste et expressionniste Lucian Freud, petit-fils du père de la psychanalyse, Sigmund Freud.  Jenny Saville explique : « Je peins la chair parce que je suis un être humain. Si vous travaillez l’huile, comme je le fais, ça vient naturellement. La chair est la chose la plus jolie à peindre. »

Membre des Young British Artists aux côtés de noms prestigieux tels que celui de Damien Hirst, Jenny Saville est notamment réputée pour sa toile monumentale Suspension (2002 – 2003) rappelant l’expressionnisme abstrait de Willem Kooning.